El Rinconcito de Pablito

Miguel Abuelo "Et Nada"

2011-03-02T13:14:00.000-08:00

Miguel Ángel Peralta fue un músico, poeta y cantante nacido en Munro, Provincia de Buenos Aires, en marzo de 1946. Más conocido como Miguel Abuelo, formó parte de la troupe de músicos pioneros del rock nacional (Lito Nebbia, Javier Martínez, Tanguito, Moris) que se reunían en el mítico recinto La Cueva. En 1967 Miguel formó Los Abuelos de la Nada (con Pappo en guitarra y Pomo en batería, entre otros), pero esa primera alineación de la banda no prosperaría más allá de un par de simples. Miguel deja el país en 1969 buscando aires de libertad que no encontraba en su tierra natal (le llamaba 'el país verde oliva' a la Argentina de Juan Carlos Onganía, Isabel Perón y Jorge Videla). Primero recaló en Cadaqués (Cataluña), luego en Madrid; en Ibiza conoce a Krisha Bogdan (cuñada del mítico Tanguito). Viajan juntos a través de España y en 1972 se dirigen a Lóndres. Se casan y Krisha dará a luz al único hijo de Miguel, Gato Azul Peralta. Lóndres es duro para ellos. Preparan los bolsos y parten hacia París. En la ciudad de las luces Miguel conoce a Moshé Naïm, un millonario productor musical extremadamente culto. Naïm trabajó con Salvador Dalí y había financiado a artistas de la talla de Federico García Lorca. El israelí queda fascinado con el talento de Abuelo y le propone grabar un disco en 1973 para su sello discográfico. Miguel (voz, guitarra, flauta, armónica y pandereta) convoca a un grupo de músicos argentinos y uruguayos exiliados como él -el guitarrista Daniel Sbarra, el bajista Pinfo Garrigo y el baterista Diego Rodríguez- para entrar de una vez por todas a registrar el material de lo que sería Et Nada. En el estudio se suman el cellita Carlos Beyris, unos tales Teca y Verónica en coros y Gustavo Kerestesachi en piano, clavicordio y moog. Después de culminar con las sesiones de grabación, Naïm los instala en un castillo medieval abandonado donde ensayan durante un par de meses para después salir a tocar por el circuito costero de Francia. Pero como Miguel no tenía el disco todavía editado muy pronto comenzaron a surgir las diferencias con sus compañeros de aventura. Y pasaron unos años hasta que el álbum se editara finalmente en 1975, sin publicidad y sólo en Francia. Con el tiempo Et Nada se convertiría en la 'figurita difícil' de su carrera discográfica, álbum que durante mucho tiempo se elevó a la categoría de obra de culto. Et Nada es un trabajo barroco que oscila entre la belleza psicodélica y la fiereza rockera. La excelente voz de Miguel se pasea desde su máxima potencia a variados ejemplos de sutileza, jugando con los tonos y transfigurando las letras (muy inspiradas, por cierto). Hay temas de corte acústico, con una atmósfera netamente hippie, pero no faltan los otros con aproximaciones a Zeppelin o Deep Purple. En definitiva, Et Nada es un disco fundamental para poder comprender la locura y el talento indisciplinado de Miguel Abuelo. Una perla atemporal que debe ser escuchada y difundida.

Desde el Infierno

2011-03-02T13:09:00.000-08:00

Desde el Infierno es una película estadounidense del 2001 dirigida por los hermanos Albert y Allan Hugues. La misma está inspirada en el famoso caso de Jack el Destripador, asesino en serie que a finales del siglo XIX mató y mutiló cinco prostitutas en el distrito londinense de Whitechapel.

Lo interesante del film es que se centra en una de las posibles teorías que explicarían la motivación de dichos crímenes, echando algo de luz sobre la verdadera identidad del asesino. Los indicios de dicha teoría apuntan ni más ni menos que a una conspiración en la que habría estado implicada la propia Corona Inglesa y la masonería.

Protagonizada por Johnny Deep y Heather Graham, Desde el Infierno presenta detalles que le aportan credibilidad a la historia a la trama. Al margen del principal hilo argumental, constituído por las indagaciones que el inspector Fred Abberline (Depp) sigue para dar caza a Jack el Destripador, y de la relación sentimental entre él y una de las prostitutas, Mary Kelly (Graham), el relato incluye otras pequeñas subtramas que permiten hacer hincapié en determinados temas sociales, con destacado rigor histórico, y que dimensionan a un grupo de personajes secundarios muy bien perfilados y de notoria trascendencia dramática. Así, el film retrata con un vívido trazo la inhumana situación en que viven y trabajan las prostitutas, explotadas por sus proxenetas, marginadas por la sociedad, y unidas por un compañerismo incondicional en su lucha por la supervivencia. También vale la pena destacar el despiadado trato que reciben los enfermos mentales y las crueles prácticas que en el campo de la "cirugía" psiquiátrica se llevan a cabo en nombre de la ciencia, pero que, en realidad, operan en favor de unos pocos.

El suspenso de Desde el Infierno se mueve más que nada en la importancia de una intriga con posterior resolución como núcleo. La corrección técnica del film, el ritmo constante aunque no frenético, y su espléndida atmósfera generan una doliente profundidad emotiva. Deep interpreta brillantemente a un hombre e la ley torturado por la muerte de su esposa, que se refugia en el láudano y la absenta, a través de los cuales experimenta visiones sobre aquello que sucederá... premoniciones que le ayudan en sus pesquisas.

Con respecto a Heather Graham, tal vez sea la menos convincente de las cinco prostitutas; porque, desde su posición de "chica de la película", se le ha restado parte de la vulgaridad inherente al papel que representa, y su amargura queda almibarada en pro de lo romántico. Ian Holm en cambio, como el doctor William Gull, conforma una grata sorpresa.

En definitiva, una muy interesante cinta que consigue abarcar la historia del asesino serial más famoso y a su vez abarcar temas sociales complejos de la desasogante Londres de fines del 1800.

Fiódor Dostoievski "Noches blancas"

2011-03-02T13:02:00.000-08:00

Fiódor Dostoievski fue un célebre escitor nacido en Moscú, en 1821. Educado por su padre, un médico de carácter despótico y brutal, encontró protección y cariño en su madre, que murió prematuramente. Al quedar viudo, el padre se entregó al alcohol, y envió finalmente a su hijo a la Escuela de Ingenieros de San Petersburgo, lo que no impidió que el joven Dostoievski se apasionara por la literatura y empezara a desarrollar sus cualidades de escritor.

La literatura de Dostoievski explora la psicología humana en el complejo contexto político, social y espiritual de la sociedad rusa del siglo XIX. Gente como Sigmund Freud, Friedrich Nietzsche, Herman Hesse, Jean-Paul Sartre, Marcel Proust, Thomas Mann, Albert Camus, Franz Kafka, Charles Bukowski, Roberto Arlt, Ernesto Sabato y Gabriel García Márquez lo han reconocido como una influencia.

La mayoría de las novelas de Fiódor Dostoievski se centran en la temática del hombre, es decir, lo tienen a éste como personaje principal. Los argumentos en que se basan estas novelas tratan sobre temas como la pobreza e injusticia social, el realismo psicológico y las penumbras humanas, las relaciones amorosas. Al escribir el autor sobre la naturaleza humana, abarca todos de distintos terrenos (psicología, filosofía y la ética). Fue uno de los precursores del existencialismo.
Algunas de sus obras más representativas son Pobres gentes, Noches blancas, Stepanchikovo y sus habitantes, Humillados y ofendidos, y Crimen y castigo.

Publicada en 1848, Noches blancas fue catalogada como "novela sentimental". Aunque dada la irrealidad de la trama, más que novela podría llamársela fantasía. La novela cuenta la historia de un soñador solitario que, por casualidad, se encuentra con una dama de la que se llega a enamorar; la dama espera a su galán, que después de un tiempo fuera ha vuelto a la ciudad, y a pesar de que prometió casarse con ella, aún no ha ido a visitarla…

La historia se desarrolla a lo largo de cuatro noches y una mañana, el autor quiso basarse en un asombroso fenómeno que suele darse en ciudades como San Petersburgo, en Rusia, durante el solsticio de verano, época en la cual amanece temprano y el sol tarda más en ocultarse, y como consecuencia, la oscuridad nunca es completa, por ello, Dostoievski hace alusión a las "noches blancas".

Vale la pena destacar los trazos psicologistas y a la vez románticos que esbozan el perfil protagónico del antihéroe corroído por las grandes urbes y las intermitencias de sus inevitables males.

En definitiva, y como suele sucederle a muchos, leer Dostoievski es un verdadero gusto.

Antony and the Johnsons "The Crying Light"

2011-02-03T18:26:00.000-08:00

Antony Hegarty es un cantante, pianista y compositor nacido en West Sussex, Inglaterra, en 1971. Antony tiene su propio proyecto musical denominado Antony and the Johnsons, aunque the Johnsons se le llama a su banda de acompañamiento.

La famila Hegarty se mudó en 1977 a Ámsterdam, y para 1981 se estableció en California. En su adolecencia, Antony, fue un gran seguidor de artistas como Culture Club y Soft Cell. En el 1990 se mudó a Nueva York para estudiar teatro experimental (por ello su look androgino). Su carrera musical comenzó cuando armó su primera banda llamada Black Lips Performance, la cual no duró mucho pero lo llevó a lanzarse definitivamente como solista.

Antony lleva editados cinco discos de estudio (Antony and the Johnsons de 1998, I Fell In Love With A Dead Boy EP de 2001, I Am A Bird Now de 2005, The Crying Light de 2009 y Swanlights de 2010) hasta la fecha.

La obra de Hegarty está catalogada como "pop alternativo", "música de cámara", "jazz", "dark cabaret"; en las canciones se destaca el registro barítono, profundo, melancólico y nocturno del cantante, que acompañado magistralmente por the Johnsons logra un sonido intimista y atemporal.

The Crying Light es un álbum ecléctico y atrapante, exuda sentimiento y oscuridad por los cuatro costados. La voz tan personal y expresiva de Antony logra conmover a cada instante, haciendo comprender al oyente que el arte es esa revelación maravillosa e inexplicable que trasciende al plano metafísico.

Cuentan que el cantante se inspiró para componer esta placa al ver un círculo de luz sobre el bailarín de butö japonés Kazuo Öno -quien aparece en la foto de la portada- en una presentación teatral.

Otro factor importante son las letras, las cuales se caracterizan por tratar diversos aspectos de la vida transgénero... ya que Antony se considera como tal. Sus canciones le han valido el elogio de pares como Björk (de quien es muy amigo), Kate Bush, su ídolo Boy George y el mismísimo Lou Reed.

En definitva, The Crying Light es una obra crepuscular que envuelve con un abatimiento de lo más imperativo, ahogándonos en el trasfondo trágico de las emociones intrínsecas.

El Cuervo

2011-02-03T18:22:00.000-08:00

El Cuervo es una película estadounidense de 1994 basada en la serie de cómics homónima de fines de los 80 creada por James O'Barr. Dirigida por Alex Proyas (responsable de otros films de la talla de Yo, Robot y Señales del Futuro), la película obtuvo notoriedad antes de su estreno debido a que durante el rodaje, Brandon Lee (hijo del mítico Bruce Lee), su protagonista, murió accidentalmente tras ser tiroteado en una escena de la película.

En un principio se pensó abandonar el proyecto tras la muerte de Brandon, pero finalmente se decidió seguir adelante utilizando un doble y retoques de computadora.

El Cuervo es al día de hoy una película de culto que arrastra legiones de seguidores a pesar de que en su momento no pasó de ser una más del montón; de hecho la producción de la misma iba a ser editada directamente en vídeo pero luego conoció la gloria de la pantalla grande gracias a la trágica muerte del joven actor.

La trama cuenta la vida de Eric Draven (Brandon Lee), un músico de rock que es brutalmente asesinado junto a su prometida por una banda de delincuentes la noche anterior a Halloween. Un año más tarde, Eric resucita gracias a la ayuda de un cuervo (del cual se dice en la película que es quien lleva las almas al reino de los muertos, pero cuando alguien fallece de forma injusta el cuervo devuelve esa alma) que lo regresa a la vida, y es entonces cuando se fija como único objetivo vengarse.

Eric obtiene inmortalidad, una fuerza sobrehumana, visión sobrenatural (al tocar una persona puede sentir lo que ésta siente) y protección del cuervo, su guía espiritual que enlaza el mundo de los vivos con el reino de los muertos. Así, no se detendrá hasta dar con quienes acabaron con él y su novia, algo que conseguirá cuando llega hasta el rey del crimen organizado en esa ciudad.

Alex Proyas consigue muy buenos resultados dándole presencia en el film a los ambientes góticos (con abuso del color negro, catedrales con gárgolas, noche, lluvia) y románticos (personajes que vuelven de la tumba por amor, citas a John Milton y Edgar Allan Poe). Y todo enlazado a la impresionante banda de sonido a cargo de gente como The Cure, Stone Temple Pilots, Nine Inch Nails, Helmet, Rollins Band, Rage Against The Machine, Pantera, etc.

En resumidas cuentas, una película de lo más interesante que nos dejaron los 90. Como último dato vale destacar que al final puede verse una dedicatoria que dice "para Brandon y Elisa".

Truman Capote "A sangre fría"

2011-02-01T16:06:00.000-08:00

Truman Capote fue un periodista y escritor nacido en Nueva Orleans, en septiembre de 1924. Su apellido real era Persons, pero adoptaría el del segundo marido de su madre. En su infancia vivió en las granjas del sur de los Estados Unidos y, según sus propias palabras, empezó a escribir para mitigar el aislamiento sufrido durante su infancia.

A los 17 años Truman ya era un consumado periodista, trabajando para la revista The New Yorker. Con 21 años abandona la revista y publica un relato –Miriam- en la revista Mademoiselle, que lo hace acreedor del Premio O’Henry. La crítica lo catalogó como discípulo de Edgar Allan Poe.

En 1948, a los 23 años, publica su primera novela, Otras voces, otros ámbitos, una de las primeras en las que se plantea de forma abierta el tema de la homosexualidad. Otras novelas suyas serían El arpa de hierba (1951) y Se oyen las musas (1956), además de la famosa Desayuno en Tiffany's (1958), que sería adaptada al cine.

En 1966 publica A sangre fría, su novela más importante. Esta obra sería una de las precursoras, sino la primera, en el género de "novela de no ficción", algo que marcaría un nuevo rumbo en lo que sería el futuro periodismo estadounidense.

La novela, que se publicó tras una exhaustiva investigación de campo de 5 años (lo cual llevó a que sus editores casi rescindiesen su contrato), y tomando contacto íntimo con los protagonistas de los eventos, describe detalladamente el suceso real del cruento asesinato de la familia Clutter en su granja de Holcomb, Kansas.

Los Clutter eran un ejemplo clásico del sueño americano de la década de los 50. Una familia trabajadora, honrada y generosa de un pequeño pueblo metodista.

Sus asesinos, Richard "Dick" Hickock y Perry Smith, eran convictos que se encontraban en libertad condicional, y que ingresaron a la casa de los Clutter convencidos de la existencia de una caja fuerte con no al menos diez mil dólares. No lograron encontrarla, y en su lugar asesinaron a los padres y a sus dos hijos adolescentes.

Tras el crimen se refugiaron en México, para regresar a Estados Unidos cuando creían el suceso olvidado, prosiguiendo su derrotero delictivo hasta ser identificados como los asesinos y arrestados.

Un viejo compañero de celda de Hickock había sido empleado del señor Clutter en el pasado, y contó a Hickock acerca de su fortuna, firmando que poseía una caja fuerte en su despacho con el dinero necesario utilizado diariamente en el mantenimiento diario de la granja (algo falso, pues dicha caja no existía, y Clutter rara vez portaba dinero, pues solía utilizar cheques).

Condenados a la horca en 1960, la sentencia fue impugnada en base a presuntas fallas en el proceso, reviéndose el caso hasta el cumplimiento efectivo de la condena, en 1965.

Narrada en tercera persona, A sangre fría ha sido se destaca por su invaluable realismo, en una conjunción de narrativa tradicional con reporte periodístico.

La obra fue adaptada a la pantalla grande en 1967. El libro sería un éxito de ventas, permaneciendo en la lista de los libros más vendidos del New York Times durante treinta y siete semanas.

Neil Young "Mirror Ball"

2011-01-10T11:54:00.000-08:00

Neil Young es un músico de rock nacido en Toronto, Canadá, en noviembre de 1945. La obra de este cantante, guitarrista y compositor es una de las más importantes de las últimas cuatro décadas; extraordinaria en su faceta más sensible y acústica como en su ferocidad eléctrica.

Young ha militado a fines de los años 60 en una agrupaciones como Buffalo Springfield o Crosby, Still, Nash & Young, donde ya se movía entre el rock y el country. Su particular estilo, construído sólo a base de una guitarra y su lastimero y nasal registro de voz, ha influenciado a un incontable número de músicos a lo largo de la historia... como el caso de Pearl Jam.

Luego de una presentación en la MTV junto al famoso grupo de Seattle, Young se decidió de una vez por todas a grabar un disco junto a Pearl Jam como banda de acompañamiento. El resultado, después de cuatro días de estudio, fue este potente Mirror Ball.

El álbum completo da la idea de ser un ensayo, hasta se escuchan a los músicos hablando entre tema y tema. La producción corrió por cuenta de Brendan O'Brien, lo cual dotó al sonido de una crudeza y frescura notable; las guitarras suenan densas y la batería -a cargo del recien incorporado Jack Irons- como una lata aporreada. El carácter del disco es más bien lineal, todas las canciones suenan bastante parejas y rockeras.

Se puede decir que Young estaba en un muy buen momento compositivo, la serie de discos que venía sacando (Ragged Glory de 1990, Harvest Moon de 1992 y Sleeps with Angels de 1994) era para dejar al oyente sin aliento. Mirror Ball de 1995 cierra esta temporada de lujo.

Para ir cerrando, y como dato curioso, vale la pena mencionar que paralelo a este álbum salió también el single Merkin Ball de Pearl Jam, que al parecer iba a ser publicado junto a Mirror Ball pero por problemas legales entre los sellos Epic y Reprise se editó por separado.

Déjà Vu

2011-01-10T11:29:00.000-08:00

Tony Scott es un un director de cine nacido en Stockton-on-Tees, Inglaterra, en julio de 1944. Scott ha dirigido exitosos thrillers de acción que lo han consagrado como director en el mundo del cine; algunos de ellos son: Top Gun (1986), Un Detective Suelto en Hollywood II (1987), Revancha (1990), Días de Trueno (1990), El Último Boyscout (1991), El Fanático (1996), Enemigo Público (1998), Hombre en Llamas (2004) y Déjà Vu (2006).

Protagonizada por Denzel Washington, Paula Patton, Val Kilmer y Jim Caviezel, Déjà Vu cuenta la historia de un detective de la ATF, Doug Carlin (Washington), que investiga un atentado terrorista en Nueva Orleans.

Carlin es convocado para recopilar pruebas después de que una bomba ocasione una explosión devastadora en un ferry de dicha área, pero lo que Carlin descubre es un suceso que la mayoría de la gente cree que está sólo en su mente... algo que supera la realidad, y esto lo guiará en una desesperada carrera para salvar a cientos de personas inocentes.

A medida que la trama avanza, la película no sólo se desarrolla en el terreno del tiempo y el espacio, sino que también se convierte en una innovadora historia de amor que se se entrelaza con los hechos de la investigación, ya que Carlin descubre su misteriosa conexión emocional con una mujer (Patton) cuyo pasado alberga la clave para parar la catástrofe del ferry.

En definitiva, una película que debido a las dimensiones de los giros y constantes cambios cronológicos del guión se la cataloga como un thriller existencial con toques de ciencia-ficción, sobre el cual muchos terminarán debatiendo al terminar de verla.

Ciro Alegría "Los perros hambrientos"

2011-01-01T16:10:00.000-08:00

Ciro Alegría fue un escritor, político y pereodista nacido en la Provincia de Sánchez Carrión, Perú, en noviembre de 1909. Era hijo de hacendados ricos y se crió en las sierras, conviviendo durante sus primeros años de vida con indios y empleados de las inmensas plantaciones pertenecientes a su familia.

De ese recuerdo de su infancia, y de los relatos que oyó entonces, se dió su afán de dar a conocer esta situación, escribiendo tres obras que son las llamadas "novelas de la tierra": La serpiente de oro (1935), Los perros hambrientos (1939) y El mundo es ancho y ajeno (1941). Por este motivo es que Alegría es considerado uno de los máximos exponentes de la narrativa indigenista, la cual se enfoca sobre la problematica de la opresión indígena.

En Los perros hambrientos Alegría nos relata la vida de la familia de Simón Robles, un peón que trabaja y vive en la hacienda de Páucar, que está a cargo del hacendado Don Cipriano Ramírez. Simón vive prósperamente con su esposa e hijos Vicenta, Timoteo y la pequeña Antuca. Robles es muy conocido gracias a la fama que tienen sus macotas por ser excelentes perros ovejeros. Al morir su perro Trueno, trae a su casa dos cachorros hembra y macho. El macho es llamado Zambo por ser de pelambre oscura, y la hembra es llamada Wanka en honor a una tribu del tiempo incaico. Los dos son criados y amantados por ovejas, así que están familiarizados con el rebaño.

Como eran tiempos muy prósperos donde todos recibían alimento, Wanka parió y debido a la demanda de éstos extraordinarios perros, Simón los fue vendiendo y cambiando por ovejas. Es así que se termina quedando sólo Como con dos machos, Güeso y Pellejo. Un tercer cachorro, Mañu, fue dado a Martina, la hija mayor de Simón que se casó con Mateo, otro aldeano que como todos era de origen indígena. Ese perro pasó de ser un de una simple mascota a jefe de familia, ya que Mateo es obligado a abandonar a su hijo Damián y a su esposa para realizar el servicio militar, convirtiéndose Mañu en el protector de los dos miembros restantes.

Por otra parte, Güeso, ya crecido, es raptado por dos bandoleros llamados Julián y Blas Celedonio que se dedican al robo de ganado. Güeso es lazado y obligado a ir; él naturalmente se comporta apático respecto a Julián. Al pasó del tiempo Julián se gana el afecto de Güeso y se vuelven buenos amigos. Pero en una emboscada que le hace el subprefecto de la provincia a los Celedonios (engañados comen unas papayas envenenadas), ellos mueren juntos a su perro.

La partida de Güeso marca un período de sequía, en donde la comida empieza a escasear . No llueve y esto significa que tanto hombres y perros no obtienen alimento suficiente para saciarse. Los animales roban incluso las mazorcas en los maizales. La gente desesperada acuden a Don Cipriano, al cual implora ayuden a los desempleados de otras. Él recomienda a la gente busquen alojamiento con los vecinos.

La sequía aumenta hasta el punto en que piden a la Virgen del Carmen los socorra. Llueve por pocos días pero la situación sigue torturando tanto a animales como humanos. A causa de la desesperación Martina fue a buscar comida con sus suegros y por ser un viaje largo deja a su hijo Damián y a Mañu. El pequeño muere por el hambre, pero sus restos son valientemente defendidos por Mañu de un cóndor.

Tanto las personas como los perros pierden la fidelidad a sus respectivos amos. En el caso de los perros, Wanka mata a una oveja y esto hace que la corran a palazos de su casa. Zambo muere y el hambre lleva a Pellejo a comer sus entrañas. Por parte, los indios se revelan a Cipriano el cual no tiene más remedio que dispararles resultando tres muertes. Después de toda esta catástrofe las lluvias regresan con la felicidad del pueblo entero.

En definitiva, un libro tan entretenido como emocionante que dejará a cualquier lector con un buen sabor en la boca.

Invisible "Durazno Sangrando"

2010-12-01T19:52:00.000-08:00

¿Tiene sentido, a esta altura, presentar a Luis Alberto Spinetta, hablar de su talento, mencionar su aporte dentro del rock nacional, describir su genialidad como compositor? Seguro que no. Pero, aunque se haya dicho muchas otras veces, sí cabe destacar que Spinetta es sinónimo de mito para el rock argentino. Y no es para menos, su militancia en bandas tan fundamentales como Almendra y Pescado Rabioso, le han consolidado el camino hasta Invisible, otro grupo eterno en el que dió sobradas muestras de ser un músico cuya capacidad y creatividad no parecen agotarse nunca.

Durazno Sangrando es el segundo trabajo discográfico de Invisible. A través de los 5 temas que lo componen, Spinetta (guitarra y voz), Machi (bajo) y Pomo (batería) nos regalan 45 minutos de ARTE, pariendo una obra soberbia que deja una huella profunda en los oidos de quien decida adentrarse en el particular universo de esta banda.

La labor de estos tres excelentes músicos es elogiable; logran una música exquisita y atemporal. Guitarras, hay muchas, relajantes por momentos y poderosas por otros (aunque es sabido que Spinetta se propuso en esta ocasión usar lo menos posible de distorsión, algo no muy común en los guitarristas de por aquél entonces). El bajo de Machi suena siempre al frente, fundiéndose increíblemente con la batería de Pomo, que se hace más expresiva a cada golpe.

Este segundo disco encierra en sí mismo la química perfecta de un power-trío que crea sobre la base de la improvisación colectiva. Cambios inesperados, ejecuciones precisas y riqueza dinámica son los ingredientes de una música en la que se pulen finamente las ideas que ya se avizoraban en el primer disco del grupo. Y ni hablar de la lírica spinettiana, que dispara una sucesión infinita de imágenes salidas de una poética surrealista.

Para ir cerrando podría agregarse que Durazno Sangrando no es siquiera el epitafio de una época compositiva tan fructífera como fue la de El Jardín de los Presentes, es tan sólo su segundo LP, pero ya muestra madurez desde el momento que se trata de un álbum conceptual.

La Dama en el Agua

2010-12-01T19:50:00.000-08:00

M. Night Shyamalan es un famoso director y guionista de cine nacido en Pondicherry, India, en agosto de 1970. Su despegue comercial fue con Sexto Sentido (1999), a la cual le siguieron otros films exitosos: El Protegido (2000), Señales (2002), La Aldea (2004), La Dama en el Agua (2006), El Fin de los Tiempos (2008) y El Último Maestro del Aire (2010).

La Dama en el Agua narra la historia de Cleveland Heep (Paul Giamatti), un simple portero de un complejo de departamentos que lleva una vida gris y solitaria. Hasta que una noche su existencia cambia irreversiblemente al encontrar en la piscina del edificio a una misteriosa joven llamada Story (Bryce Dallas Howard). La muchacha en cuestión resulta ser una "narf", una ninfa del mundo acúatico, que se ve acechada por criaturas que quieren impedirle regresar de este plano al suyo.

Story posee poderes de percepción que irán revelando los destinos de de los habitantes del edificio donde trabaja y vive Cleveland. Por eso es que todos tendrán que trabajar juntos para descifrar una serie de códigos necesarios para que la narf alcance el camino a su libertad.

Sin embargo, las oportunidades y el tiempo para que Story pueda volver a su reino cada vez son menos. Cleveland deberá lidiar también con sus propios demonios internos (los cuales lo llevaron a trabajar de portero en ese edificio), y los habitantes de los departamentos aprovechar las revelaciones que Story les hace si desean tener éxito en el intento de salvarla.

Aquí encontramos una historia de fantasía sobre la fe. Es para destacar la composición de los personajes, en especial los de Cleveland y Story, cuya interpretación y diálogos son de una intensidad emocional increíble.

En definitiva, La Dama en el Agua es un maravilloso cuento de hadas que deja en el espectador la sensación de haber estado en un sueño y no mirando una película.

Fabián Casas "Los Lemmings y otros"

2010-12-01T19:42:00.000-08:00

Fabián Casas es un escritor y periodista argentino nacido en 1965 en el barrio porteño de Boedo, Buenos Aires. Casas estudió Filosofía y Letras y comenzó a trabajar para el diario Clarín, a comienzos de los '90. Fue también editor del diario deportivo Olé, y se desempeñó como subeditor general y editor general del semanario El Federal. Su carrera literaria se inició también a comienzos de la década pasada, con la fundación de la revista de poesía 18 Whiskys.

Ha editado libros de poesía (Otoño, poemas de desintoxicación y tristeza de 1988, Tuca de 1990, El salmón de 1996, Bueno, eso es todo de 2001, Oda de 2003, El spleen de Boedo de 2005), ensayos (Ensayos bonsái de 2007), novelas (Ocio de 2000) y cuentos infantiles (Rita viaja al cosmos con Mariano de 2009).

Editada en 2006, Los Lemmings y otros es una interesante colección de relatos en la que Casas habla sobre jóvenes que vivieron su niñez bajo el Proceso Militar, su adolescencia en los tumultuosos 80 y su llegada a la vida adulta bajo el menemismo.

Los Lemmings... narra historias de una niñez y adolescencia en Boedo, donde cosas de todos los días (los amigos, el amor, la búsqueda de una vocación) son los tópicos abordados por el talentoso escritor. Casas logra darles a estos relatos un encanto particular que los hace sumamente atractivos y vívidos. Todos y cada uno de ellos suelen compartir un tono común, un lenguaje coloquial, y un cierto aire mezcla de nostalgia y humor.

Una de las características más llamativas de la escritura de Casas es su precisión. Jamás se entorpece a sí misma. El poder de la anécdota, su velocidad, su convicción, su peso variable, liviano para entrar y salir pero contundente al momento de noquear, es lo que define su manera de narrar.

En definitiva, con Los Lemmings y otros Fabián Casas da sobradas muestras de ser uno de los mejores escritores de la nueva generación. Y quizás su mayor virtud es que no narra con un criterio determinado.

Dinosaur Jr. "Where You Been"

2010-11-09T14:42:00.000-08:00

Dinosaur Jr. es una banda de rock alternativo nacida a principios de los 80 en Massachusetts, Estados Unidos. Originalmente la integraban J. Mascis en guitarra y voz, Lou Barlow en bajo (y voz ocasional) y Murph en batería. Este trío fue una de las bandas fundamentales del noise-rock al igual que Pixies y Sonic Youth, y junto con ellos influenciaron considerablemente la explosión del grunge en los 90.

Amantes de la música de Led Zeppelin, Black Flag, Neil Young y The Cure, el grupo de Mascis editó sus primeros tres trabajos (Dinosaur de 1985, You're Living All Over Me de 1987 y Bug de 1988) a través de la mítica disquera indie SST. Pero para el año 1990 firmaron un contrato con Sire, hecho que supuso su paso al mercado multinacional.

Su cuarto álbum de estudio, Green Mind, vió la luz en febrero 1991, presentando el sonido de la banda un poco más pulido. Pero antes de entrar a grabar esta placa Barlow había abandonado el barco por diferencias personales con Mascis. Fue entonces que debieron buscar un sustituto, el cual encontraron en Mike Johnson (guitarrista en los discos solistas de Mark Lanegan).

Así las cosas, dos años después lanzaron Where You Been, álbum que pasó medio desapercibido pero que es uno de los mejores del rock alternativo de los 90. Durante el proceso de grabación comenzaron a surgir las tensiones también entre Mascis y Murph debido a que J. tenía ideas muy especificas sobre lo que quería escuchar en las pistas de batería (sin contar que para aquella época Mascis se mudaba a Nueva York, lo cual tampoco ayudó mucho con la relación interna de la banda).

Centrándonos en el trabajo, Where You Been mantiene la línea melódica del trabajo anterior pero dándole más lugar nuevamente a los riffs saturados y psicodélicos. Aquí Dinosaur Jr. suenan poderosos, gruesos si se quiere, con las guitarras bien al frente (Mascis una auténtica muralla) y el bajo menos distorsionado que en tiempos de antaño, pero sí conservando los fuertes ritmos de batería. Al igual que en Green Mind todos los temas fueron cantados por Mascis (con ese registro nasal y desganado), quien además toca varios instrumentos a lo largo del disco.

En definitiva, otro trabajo excelente de una banda que fueron los pilares de miles de grupos. Ideal para los amantes del grunge y lo alternativo en general.

Tiempos Violentos

2010-11-09T14:35:00.000-08:00

Tiempos Violentos es una película estadounidense de 1994, escrita y dirigida por el reconocido cineasta Quentin Tarantino. Fue nominada a siete premios Oscar, obteniendo sólo uno: al mejor guión.

Con un elenco compuesto por John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Uma Thurman y Christopher Walken, Tiempos Violentos es el film que puso a Tarantino en la mira mundial (cosa que que no había podido lograr con la genial Perros de la Calle). En la misma, el director exalta y rinde homenaje a la cultura pop americana con diálogos sencillos que convinan humor negro con violencia de manera significativa.

La cinta relata varias historias que aunque son diferentes entre sí, se van entrelazando hasta volverse una sola. Entre los personajes centrales encontramos a dos asesinos a sueldo, una mujer con problemas de adicción, una pareja de ladrones aficionados y un boxeador.

Es para destacar también lo sublime de la musicalización, que hace que haya más copias del soundtrack vendidas que copias de la propia película.

Para ir cerrando, un clásico absoluto del cine que por el éxito conseguido y la gran influencia que tuvo hizo y sigue haciendo escuela.

Sigmund Freud "Tótem y tabú"

2010-11-04T15:29:00.000-07:00

Sigmund Fred fue un médico y neurólogo nacido en mayo de 1856, en Moravia, República Checa. Freud ha sido el creador y una de las mayores figuras intelectuales del siglo XX.

Su interés científico inicial como investigador se centró en el campo de la neurología, derivando progresivamente sus investigaciones hacia la vertiente psicológica de las afecciones mentales, de la que daría cuenta en su práctica privada.

Estudió en París las aplicaciones de la hipnosis en el tratamiento de la histeria. De vuelta en Viena desarrolló el método catártico. Luego reemplazó tanto la sugestión hipnótica como el método catártico por la asociación libre y la interpretación de los sueños. De igual modo, la búsqueda inicial centrada en la rememoración de los traumas psicógenos como productores de síntomas, fue abriendo paso al desarrollo de una teoría etiológica de las neurosis más diferenciada. Todo esto se convirtió en el punto de partida del psicoanálisis, al que se dedicó ininterrumpidamente el resto de su vida.

Freud postuló la existencia de una sexualidad infantil perversa polimorfa, tesis que causó una intensa polémica en la sociedad puritana de la Viena de principios del siglo XX y por la cual fue acusado de pansexualista. A pesar de la hostilidad que tuvieron que afrontar sus revolucionarias teorías e hipótesis, Freud acabaría por convertirse en una de las figuras más influyentes del siglo XX. Sus teorías, sin embargo, siguen siendo discutidas y criticadas, cuando no simplemente rechazadas. Muchos limitan su aporte al campo del pensamiento y de la cultura en general, existiendo un amplio debate acerca de si el psicoanálisis pertenece o no al ámbito de la ciencia.

La división de opiniones que la figura de Freud suscita podría resumirse del siguiente modo: por un lado, sus seguidores le consideran un gran científico en el campo de la medicina, que descubrió gran parte del funcionamiento psíquico humano; y por otro, sus críticos lo ven como un filósofo que replanteó la naturaleza humana y ayudó a derribar tabúes, pero cuyas teorías, como ciencia, fallan en un examen riguroso.

Dentro de su vasta bibliografía se encuentra Tótem y tabú (1913). En esta obra se ahonda en el concepto y función del padre, enunciando a su vez una tesis sobre el origen de la sociedad y de sus instituciones fundamentales. Freud intenta explicar en forma de relato mítico la instauración he imposición de la cultura por medio de la prohibición del incesto y sus efectos inconscientes, El hombre pre-civilizado (para Freud, sociedad y cultura se resumen en el concepto civilización) vive en hordas donde existe un macho dominante, poseedor de las hembras y los privilegios que se desprenden de esa categoría. Así, los hijos o mejor dicho los machos dominados, elaboran un plan para asesinar al padre y quedarse con las hembras (madres y hermanas). No obstante, consumado el asesinato de éste, no se reparten el "botín", la culpa paraliza la ejecución del plan en su totalidad. De hecho, surge la figura "sobrenatural" del padre (el tótem) con renovada fuerza. Aparece entonces "la norma" como una especie de "signo conmemorativo" que permite renovar y revivir el asesinato del padre (primera represión con carácter social).

Entonces para transponer la rivalidad que se generó entre ellos y garantizar sus vidas, prohibieron la muerte y renunciaron al deseo incestuoso. En este proceso, el Padre es reconocido, amado e idealizado. Es importante decir que esta idealización se produce luego de la muerte del padre (la culpa). De esa forma, cada uno de los hermanos renuncia a su ideal de poseer la posición del Padre para sí y tener a la madre.

Este escrito entonces no debe ser centrado en la muerte del padre y las prohibiciones, que por si solas no instituyen nada sino en el pacto fraterno de autolimitación. El Tótem surge como responsable imaginario de la institución, y de allí se deriva la totemización, que es el equivalente a la alienación.

De esta manera se esclarece la verdadera naturaleza de la sociabilidad humana. Es indudable que el psicoanálisis tiene por objeto la psique individual pero precisamente por esta razón es que permite reconocer la presencia de esa psique en la grupalidad. Freud constantemente señala la presencia del erotismo en las relaciones humanas, de la culpa con verdadero "sentido constituyente" y la norma como "configuradora" del carácter social de un grupo determinado. De hecho la culpa es elemento principal que permite lo social" pues la neurosis es generalmente asocial.

Con estas reflexiones Tótem y tabú se transforma en una llave que sólo abre la discusión acerca de lo social en el lector. "La duda razonable", como afirmaba el mismo Padre de la Psicología, es un proceso de búsqueda continuo y dinámico que está en constante elaboración y reelaboración.

The Beach Boys "Pet Sounds"

2010-10-26T14:35:00.000-07:00

Hablar de Pet Sounds es meternos de lleno en uno de los discos mas ambiciosos de la historia, en el mayor esfuerzo que ha realizado nunca ningún músico por alcanzar la absoluta perfección.

Cuenta la leyenda que Brian Wilson quedó tan impresionado por el Rubber Soul de los Beatles, que descubrió con ese disco que él tenía que hacer algo mas grande, mejor, algo inmensamente hermoso, el disco que cambiase para siempre la vida de la gente.

Las sesiones de grabación fueron demenciales, Wilson era un tirano que manejaba cada elemento que entraba en el estudio. Por ello mismo, en el disco, se utilizaron todo tipo de instrumentos y toda la tecnología posible por entonces; se incluyeron arreglos orquestales, instrumentos árabes, thereminas, timbres de bicicleta, campanas, miles de coros, sonidos de botellas y ladridos de perro. El concepto de Wilson era crear un disco total, donde todo encajase perfectamente como parte de un todo indivisible, donde todo se fusionase abarcando todos los estilos.

Todo esto generó muchas tensiones dentro de la banda y con su compañía, ya que veían el proyecto como otra excentricidad de su inestable líder.

Pet Sounds debe ser considerado más una obra de Brian Wilson en solitario que un disco de los Beach Boys, Wilson manejo a su antojo todos los elementos de la grabacion, añadiendo miles de detalles y de matices en cada toma, en cada sesión, hasta obtener un resultado que colmara sus amplísimas expectativas. Todo este castillo de naipes se hubiera caído si el álbum no tuviera grandes canciones, y aquí las hay a montones.

La obra tiene como idea argumental una relación amorosa, analizando todas las situaciones que se puden ir dando en esta (celebración, afianzamiento, crisis, ruptura). En definitiva, el disco Pop perfecto, una autentica joya que cuarenta años después de su publicación sigue sonando exactamente igual de bien.

Vida de Solteros

2010-10-26T14:31:00.000-07:00

Cameron Crowe es un director y guionista de cine nacido en julio de 1957 en Palm Springs, California. Antes de dedicarse a dirigir películas se ganaba la vida como notero de la revista Rolling Stone.

Crowe ha dirigido películas como Un Gran Amor (1989), Vida de Solteros (1992), Jerry Maguire (1996), Casi Famosos (2000), Vanilla Sky (2002) y Elizabeth Town (2005).

Protagonizada por Bridget Fonda, Matt Dillon, Kyra Sedgwick y Campbell Scott, Vida de Solteros es una comedia romántica que trata sobre la vida de un grupo de jóvenes que vive en un mismo condominio de Seattle. La trama se desarrolla a principio de los 90 y es narrada de forma entrecruzada, donde cada uno vive su historia, aunque en general se centra en las peripecias sentimentales de cuatro de los personajes. Ellos son Janet (Fonda), una muchacha que se gana la vida como mesera en un bar y está algo obsesionada por el tamaño de su busto; Janet sale con Cliff (Dillon), un bohemio aspirante a músico profesional que sueña alcanzar la fama junto a su banda de rock Citizen Dick. Por otro lado está Linda (Sedgwick), una chica algo neurótica, que busca novio desesperadamente, y Steve Dunne (Scott), un empleado de oficina desengañado e inventor de un revolucionario sistema de transporte, que van y vienen en un juego de desconfianzas.

La película retrata muy bien lo que es la juventud y su etapa hacia la madurez. Se podría decir que Vida de Solteros es uno de los primeros films que abordan el tema de la llamada "Generación X". Y todo narrado sobre un transfondo bien conocido por Crowe: la escena rockera de Seattle (por aquel entonces en pleno apogeo grunge).

Para ir cerrando vale la pena mencionar que hay cameos de Eddie Vedder, Stone Gossard y Jeff Ament haciendo de los otros integrantes del grupo de Cliff. Chris Cornell, por su parte, aparece haciendo de un mino y de un vecino de Cliff . A Soundgarden y Alice In Chains se los ve además tocando en algunas escenas, y la banda sonora (con canciones de Paul Westerberg, Mudhoney, Screaming Trees, Pearl Jam, los antes mencionados Soundgarden y Alice In Chains, etc.) cumple a la perfección como gancho comercial.

Pablo Ramos "La ley de la ferocidad"

2010-10-26T14:03:00.000-07:00

Pablo Ramos nació en el partido de Avellaneda, Buenos Aires, en 1966. Ramos ha conocido el ámbito de la calle, la droga, la vida dfícil, y tomando estos elementos escribe siempre removiendo su propio dolor. Ha publicado un libro de poemas (Lo pasado pisado de 1997), otro de cuentos (Cuando lo peor haya pasado de 2003) y cuatro novelas (El origen de la tristeza de 2004, La ley de la ferocidad de 2007, El sueño de los murciélagos de 2009 y En cinco minutos levántate María de 2010). La ley de la ferocidad narra como Gabriel (personaje central de la novela anterior de Ramos) despierta un día con la noticia de la muerte de su padre. Gabriel ha crecido odiando al padre, luchando con sus propios demonios, y casi como por ironía de la vida, es el mismo que triunfó con una empresa propia para tener dinero para despilfarrar. El relato del libro se enfoca precisamente en el duelo de Gabriel, durante las dos noches que dura el velorio de su padre. Él se convierte en el vehículo de los hechos que le tocan vivir (el encuentro con su familia y sus ex mujeres, la necesidad de saldar la relación con un padre distante, el alcohol, el sexo con dolor) y se enfrenta a la vez con un pasado que no puede detener, salvo cuando lo lleva a las palabras. El tono de Ramos para escribir es crudo. No para, afirma, critica, avanza, mirá de costado, busca otros puntos de vista, y vuelve a arremeter. Cuando se lo lee hay algo como que zumba, molesta, incomoda... sume al lector en un verdadero desafio desde la provocación. El escritor ha confesado dedicarle 14 horas diarias durante un año y medio a la creación de este libro. El concepto de experiencia (vital, no literaria) es la esencia de la obra de Pablo Ramos. Lo que él vivió sigue latiendo en las palabras que machaca contra la máquina de escribir. Y es que allí puede estar la ferocidad a la que se hace alusión en el título del libro y que con buen gusto desordena la estructura de esta novela. En definitiva, y como ha dicho el mismo Ramos "La literatura es una herramienta de mentira para decir una verdad mucho más profunda, una verdad mucho más verdadera.".

Los Fabulosos Cadillacs "Fabulosos Calavera"

2010-10-07T14:07:00.000-07:00

Los Fabulosos Cadillacs es un grupo musical nacido en Buenos Aires, Argentina, a mediados de los 80. Los Cadillacs tocan una interesante fusión de ska, reggae, ritmos latinos y rock, y son considerados al día de hoy como una de las bandas más influyentes y exitosas no sólo en Argentina sino también en todo Latinoamérica.

Luego del aclamado Rey Azúcar de 1995 -el cual ya mostraba algunos cambios en su propuesta-, Los Cadillacs se propusieron grabar su álbum de estudio más ambicioso. Para esos días sucedió también que el guitarrista Aníbal Rigozzi abandonaba su rol de intrumentista para dedicarse de lleno a ser manager del grupo. El lugar de Rigozzi fue ocupado rápidamente por el virtuoso Ariel Minimal, quien con su poderoso sonido de guitarra resultó un soplo de aire fresco para la banda. Así las cosas, en julio de 1997 vió la luz finalmente Fabulosos Calavera.

El disco es un zig-zag constante, nunca va en línea recta. Toto Rotblat ejecuta con maestría todo tipo de percusiones que contrastan a la perfección con los repentinos y violentos riffs de guitarra o el acompañamiento insolente de los vientos a cargo de Sergio Rotman, Fernando Albareda y Dany Lozano.

Hay canciones que presentan hasta cuatro cambios de ritmo en su estructura. La habilidad a la batería de Fernando Ricciardi es notable y el aporte de los teclados de Mario Siperman termina de completar el combo para que las voces de Vicentico y el bajista Flavio Cianciarullo vayan construyendo (a través de letras que hablan sobre la muerte, demonios, entierros, el dios Calavera o la nostalgia) un clima que huele tanto a oscuridad existencial como a júbilo.

Otra factór importante, y quizás vital, es la manera en que la banda ahondó en el hardcore más visceral. De esa contudencia se nutrieron a la hora de buscar abrir su espectro musical hacia terrenos como el jazz, el funk, la salsa (que, esta vez sí, se deja ver de lleno con la invitación de lujo del gran Rubén Blades en un tema) y hasta el tango.

Fabulosos Calavera rinde tributo además a la obra del escritor Ernesto Sabato y a la figura del músico Astor Piazolla, a quienes dedican temas con nombre propio.

Para ir cerrando, podría decirse que este no es un disco para nada complaciente; los Cadillacs no querían sonar radiales, es claro. Eso se nota ya desde la tapa, con esas fileteadas arrabaleras. Nunca antes tanta presión y desconcierto...

Carrie

2010-10-07T14:05:00.000-07:00

Carrie es una película estadounidense de 1976, dirigida por el exitoso Brian De Palma (responsable de joyas cinematográficas como Scarface, Los intocables o Carlito's Way) y basada en una novela del escritor Stephen King.

La historia cuenta sobre una joven (Sissy Spacek), víctima de la demencia religiosa de su siniestra madre (Piper Laurie) y de las constantes burlas de sus compañeros de escuela (Nancy Allen, John Travolta). Carrie descubre poseer podéres telequinéticos a los pocos segundos de experimentar su primera menstruación.

Esta es una película de terror muy distinta a todas sus contemporáneas. El espectador logra experimentae la sensación de estar viendo más que una cinta de terror, un drama. La secuencia final del baile de graduación, no sólo forma parte del cine de género sino de la historia del cine (con esos acertados primeros planos que vienen acompañados de una escalofriante banda sonora).

El film tiene una profundidad metafórica abrumadora. El guión está plagado de guiños freudianos, de reflexiones poco habituales sobre el pecado y de una apuesta clara por la venganza como valor de cambio.

En resumidas cuentas, una película clásica e inmensa que sentó las bases de lo que años después fue el boom del cine de terror adolescente en la década de los noventa.

Herman Hesse "El lobo estepario"

2010-10-04T15:18:00.000-07:00

Hermann Hesse fue un escritor nacido en Baden-Wurtemberg, Alemania, en julio de 1877. Hesse ha recibido en 1946 el Premio Nobel de Literatura como reconocimiento a su trayectoria literaria.

La obra de Hesse puede ser entendida como una alegoría a las relaciones de poder y saber tanto a nivel personal como global. Asimismo el autor reflexiona sobre el sentido del arte, del amor y la posibilidad de ser uno mismo y las consecuencias que eso pueda acarrear. Su libro más recordado es El lobo estepario. Éste cuenta la historia de Harry Heller, a quien podemos describir como un ser que se encuentra entre lo humano y lo animal.

Todo comienza cuando Harry Haller se instala en una pensión, y sale a caminar por la zona descubriendo así el misterioso "Teatro Mágico", con la inscripción de "Entrada no para cualquiera". De regreso a su morada, ve a un muchacho que reparte folletos del mismo teatro, el cual le entrega uno que lleva como título "Tratado del lobo estepario". Dicho documento habla sobre un individuo de nombre Harry, que andaba en dos pies, llevaba ropa y era un hombre, pero a la vez era también un lobo estepario; y dicho estudio se enfoca en las características (actitudes, circunstancias, sueños, virtudes y sufrimientos) de estos lobos.

Toda la narración de El lobo estepario se desarrolla en ambientes asfixiantes, de encuentros personales vacíos, de calles oscuras y de sucesos alucinatorios donde se descubre la doble o tripe estructura de la realidad que nos rodea. El libro se divide en tres secciones que tienen una cierta independencia y por medio de las cuales se puede armar un cuadro más general.

Hesse lleva al protagonista al desafio de asumir su propia existencia, de convertirse en sí mismo haciéndose cargo de las consecuencias de esta decisión... por eso aquí la metáfora es la figura del lobo estepario, aquel que corre solitario por las estepas enfrentándose a su supervivencia.

En definitiva, una obra oscura pero muy atrapante. Ideal para quienes quieran conocer al autor o estén dispuestos a enfrentarse a la vida siendo uno mismo.

Patti Smith "Gone Again"

2010-09-10T14:23:00.000-07:00

Patti Smith es una cantante nacida en Chicago, Estados Unidos, en diciembre de 1946. Se hizo conocida a mediados de los 70, en el auge del punk (de hecho, se la conoce como 'la madrina del punk'), y actualmente es considerada una artista de culto dentro de la historia del rock. Patti le aportó un punto de vista feminista e intelectual a la música punk, además de introducir la poesía francesa del siglo XIX en la juventud norteamericana de la época.

Extraña, intensa y andrógina, esta pionera del punk despertaba pasiones en los corazones de críticos, fans y mitos del rock & roll que ella misma idolatraba (George Harrison, Eric Clapton, Bob Dylan). Terminó casandose en 1980 con el guitarrista de MC5, Fred Smith, con el que decidió retirarse un tiempo de los escenarios para dedicarse a la vida familiar. Pero en 1996, después de ocho años de silencio discográfico, y tras la muerte de su marido, Patti regresa con el inspiradísimo Gone Again.

La cantante consigue grabar una obra maestra que tiene mucho de enfrentar la oscuridad de una tragedia familiar poetizando la rabia y la tristeza. Acompañada por una estupenda banda y las colaboraciones de lujo de Tom Verlaine (Television), John Cale (The Velvet Underground) y Jeff Buckley (muerto al año siguiente de la publicación de Gone Again), Patti le canta a la pérdida en el formato eléctrico de siempre... aunque también hay perlas acústicas que suenan como mantras de curación.

Para ir cerrando, quedaría por decir que en Gone Again el arrojo y el desparpajo de antaño se ven sustituídos por la experiencia y la madurez. Pero es precisamente ahí donde Patti Smith consigue recuperar sus mejores valores musicales y despacharse este bellísimo exorcismo musical.

El club de la pelea

2010-09-05T08:44:00.000-07:00

El club de la pelea es una film de suspenso de 1999. La cinta, dirigida por David Fincher y con guión de Chuck Palahnik, cuenta con un elenco notable: Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter.

El film narra sobre un hombre común (Norton), del que no se revela su nombre, que está cansado de su patética vida de oficinista y de la sociedad estadounidense en general. Convertido en un insomne, comienza a asistir a reuniones de distintos grupos de autoayuda. En uno de estos encuentros conoce a Marla (Bonham Carter), una mujer que tiene tantos problemas como él, con la que entabla una relación de amor-odio. Pero el protagonista parece no encontrar su norte, y ahí es cuando conoce a un vendedor de jabones llamado Tyler Durden (Pitt) y su vida cambia.

Tyler es el opuesto del personaje de Norton: apuesto, simpático, carismático, seguro y desprejuiciado. No le hace falta mucho más para cautivar a nuestro perdedor, que pronto es convencido de que la violencia es la mejor forma de sacar la rabia y llenar ese vacío. Al poco tiempo ambos fundan un club de peleas callejeras que luego crece en determinados circuitos de la ciudad. Durden lo lleva a Norton a un lugar donde los hombres se quitan la basura con la que se maquillan día a día para sobrevivir. Un lugar donde los golpes reemplazan a las palabras.

La evolución de los acontecimientos se hace enloquecedora. Hay un giro que descoloca. Fincher supera todas las espectativas, su dirección es tan sólida como el efecto de una trompada en la frente. El guión es oscuro y existencialista como pocos, aunque despliega cierto humor negro de a ratos.

En definitiva, una película inquietante... sorprendente... y por qué no inspiradora. Pero también cruel, angustiante y, claro, violenta. Con El club de la pelea David Fincher demuestra ser uno de los directores con más mirada aguda sobre lo que es la humanidad.

Brian Weiss "Muchas vidas, muchos maestros"

2010-08-30T15:13:00.000-07:00

Brian Weiss es un psiquíatra nacido en Nueva York, Estados Unidos, en 1944. Se convirtió en un célebre autor gracias a una serie de libros que escribió relacionados con el tema de la reencarnación, creencia a la que llegó a través de experiencias psiquiátricas narradas por sus pacientes en estado hipnótico; dando lugar así al nacimiento de la terapia regresiva a vidas pasadas. Las tesis de Weiss han generado polémica en la comunidad científica y debió pasar mucho tiempo hasta que el autor se atreviera a darlas a conocer.

Muchas vidas, muchos maestros se editó en 1988 y es su primera obra escrita. El libro tiene un estilo casi divulgativo y cuenta que para el año 1980 Brian Weiss llevaba una vida tranquila como respetado psicólogo profesional y padre de familia, pero todo cambia cuando conoce a una paciente de 27 años llamada Catherine. La joven sufría de ansiedad, depresiones, fobias y ataques de pánico, al parecer sin razón alguna. Es entonces que Weiss decide realizarle una hipnosis para tratar de encontrar lo que la afectaba.

Curiosamente descubre que a medida que avanzaba con las regresiones Catherine dice ser personas diferentes en las cuales reencarnó en vidas pasadas, siendo esclava, marino, y muchas personas más, despertando en cada ocasión como más aliviada de sus sufrimientos.

Lo interesante del caso es que cuando una persona muere (según palabras de Catherine) para pasar a la siguiente reencarnación veía una luz, y ella no recordaba nada más al volver. Aunque sin embargo, los maestros ascendidos daban mensajes para Weiss, mensajes que sólo eran para él y por eso ella no los recordaba ni les daba importancia. A partir de aquí, la protagonista no sólo logró superar los problemas que la atormentaban sino que también consiguió establecer un contacto con aquellos espíritus superiores presentes en los estados que separan una vida de otra.

Si Weiss se animó a llevar esa situación a las páginas de un libro no fue por el afán de difundir intimidades de una paciente que llegó hasta su consultorio, sino por el deseo de compartir una situación que lo desbordó a él mismo. Así es que desde hace años, libro tras libro, el psiquíatrica estadounidense no ha dejado de asombrar con historias que, por sus características, son auténticas revelaciones.

Muchas vidas, muchos maestros es, en definitiva, un libro excelente y muy emotivo que logra abrir la mente del lector y comprender cosas para las cuales no todos estamos preparados.

Mudhoney "Tomorrow Hit Today"

2010-08-17T16:55:00.000-07:00

Mudhoney es una banda de rock formada a fines de los '80 en Seattle, Estados Unidos. El cuarteto surgió tras la disolución de Green River (grupo que tuvo en sus filas a Mark Arm, Steve Turner, Stone Gossard y Jeff Ament) y se los considera pioneros del movimiento grunge, a pesar de que nunca llegaron a alcanzar la fama de algunas otras bandas de la misma escena.

Mudhoney representa la cara más áspera y menos comercial de entre las bandas de Seattle. Estaban, espiritualmente, más cerca de Screaming Trees o Tad que de Pearl Jam o Alice In Chains. Su estilo fusiona el punk más descarnado con rock garagero y toques de blues (citan como influencias a The Stooges, MC5, The Velvet Underground y Black Flag, entre otros).

Lanzado en 1998, Tomorrow Hit Today es su sexta placa de estudio y un ejercicio de rock & roll ineludible. Siguen sonando sucios, crudos y sobre todo cañeros. No ofrecen muchas novedades con respecto a entregas anteriores, pero siguen demuestrando ser una banda sólida capaz de parir discos frescos.

Los momentos de gloria se encuentran en las guitarras chillonas de Steve Turner y la voz histérica de Mark Arm (un buen complemento para Turner a las seis cuerdas). Y qué decir al respecto de la potente base rítmica a manos de Dan Peters en batería y Matt Lukin al bajo...

En definitiva, con Tomorrow Hit Today hallamos a unos Mudhoney que continúan haciendo lo suyo: despachando álbumes de calidad que probablemente no pasen a la historia pero que ni falta les hace.

Terminator 2: El juicio final

2010-08-17T16:39:00.000-07:00

James Cameron es un exitoso director, guionista y productor de cine nacido en Ontario, Canadá, en agosto de 1954. Cameron se ha consagrado de la mano de películas como Terminator (1984), Aliens, el regreso (1986), El secreto del abismo (1989), Terminator 2: El juicio final (1991), Mentiras verdaderas (1994), Titanic (1997) y Avatar (2009).

Pero de todas las obras de la trayectoria de Cameron, la más celebrada es (junto a Titanic) Terminator 2: El juicio final. Debido el éxito de la primera película, y aprovechando la popularidad de Arnold Schwarzenegger, James Cameron repite los esquemas de la producción original.

El film tiene el mérito de ser uno de los primeros largometrajes en los que se utilizaron imágenes generadas por computadora. También está su excelente reparto, que además Schwarzenegger, incluye a Linda Hamilton, Edward Furlong y Robert Patrick.

La trama, esta vez, nos cuenta que tras el fracaso de Skynet al intentar asesinar a Sarah Connor -madre del líder de la resistencia humana, John Connor-, las máquinas envían a otro cyborg al pasado con una nueva misión: eliminar al propio John aún siendo un niño.

Para evitar esto, la resistencia captura a un T-800, y John Connor lo reprograma envíandolo para que proteja y obedezca en todo a su joven "yo" del pasado. Las máquinas envían al avanzado T-1000 (Robert Patrick), un mortífero cyborg de metal líquido capaz de copiar formas del mismo tamaño y así poder llevar a cabo su objetivo.

Con respecto a Sarah (Linda Hamilton), ella se encuentra encerrada en un hospital psiquiátrico, en el área de máxima seguridad, ya que intentó destruir una empresa de computadoras que desarrollará previamente lo que será el programa Skynet. Y el joven John (Edward Furlong) es un chico rebelde que vive con padres adoptivos después del arresto de su madre biológica.

Para ir cerrando, diría que en Terminator 2... Cameron supo dar una nueva vuelta de tuerca a la saga, convirtiendo en esta ocasión a Schwarzenegger en el bueno; además de sacar partido del concepto de un robot que aprende a tener alma, frente a unos hombres que la están perdiendo. Ideas como el pelear por una causa y todos los sacrificios que eso conlleva (entre ellos, la propia vida) dan a este film de acción una hondura no habitual en el género.

Franz Kafka "La metamorfosis"

2010-08-10T19:40:00.000-07:00

Franz Kafka fue un escritor nacido en Praga, Austria, en julio de 1883. La obra de Kafka es considerada una de las más influyentes de la literatura universal del último siglo, a pesar de no ser muy extensa. Kafka ha dejado también una cantidad abundante de escritos autobiográficos que han sido publicados póstumamente.

Publicada en 1915, La metamorfosis es su novela más importante. Pocos relatos transmiten en el lector una sensación de desasosiego y extrañeza tan impactante como la que se produce al leer estas líneas. Intentar comprender la situación de angustia que trae consigo la metamorfosis de Gregorio Samsa (el personaje principal) en una especie de cucaracha gigante, nos lleva a la típica apoteosis existencialista kafkiana.

Gregorio Samsa puede entenderse como una suerte de alter ego de Kafka, el personaje funciona de vía de escape para mostrarnos todos los miedos y frustraciones del autor. Samsa se encuentra atrapado en su apariencia de insecto, y ve como todo su entorno se le vuelve hostil; como la hipocresía y el aislamiento van siendo las dos únicas cosas que va recibiendo en su ambiente, sobre todo el familiar. Pero la metamorfosis no es solo la suya, la metamorfosis sucede también a su alrededor, su propia familia (el padre, la madre, la hermana) se convierte en seres crueles e insensibles.

Pero la novela no sólo es acerca del autor, sino también de los lectores. Kafka logra que no nos alejemos un minuto del personaje, llevándonos hasta la identificación con el mismo. Por ende, La metamorfosis no se narra como un hecho onírico, sino más bien como una realidad imposible de comprender racionalmente.

El detalle más significativo de la obra es que Kafka nos presenta una situación tan irreal como esta de una forma cotidiana. El autor busca que seamos conscientes de que nuestro desarrollo como individuos transcurre en un devenir constante de transformaciones. O sea, innumerables metamorfosis que experimentamos a lo largo de nuestra vida, y que en la mayoría de los casos desconocemos.

Deftones "Around the Fur"

2010-07-30T21:48:00.000-07:00

No todo en las viñas del nü-metal pertenece a la moda que nefastamente inició sin querer el productor Ross Robinson (único responsable del nacimiento de esta movida musical) a mediados de los '90.

Lo que era como la explosión grunge pero en California, se fue degenerando hasta el punto de que la mayoría de los degustadores del metal alternativo les resultaba asqueante escuchar grupitos como estos que iban surgiendo. Sin embargo, hay algunos representantes de esta escena que poseían calidad y han ido forjando interesantes carreras. Deftones, por ejemplo, es el caso.

El grupo lo formaron cuatro amigos de Sacramento -amantes de la música de Faith No More, Sepultura, Helmet, Bad Brains, The Cure y Depeche Mode- cuando todavía iban a la escuela secundaria. Ellos eran el cantante Chino Moreno, el guitarrista Stephen Carpenter, el bajista Chi Cheng y el baterista Abe Cunningham. Deftones es una banda que disco a disco fue evolucionando significativamente, acercándose cada vez más a una propuesta "trascendental".

La banda lanzó su primer trabajo discográfico, Adrenaline, en 1995, producido por un gigante como Terry Date (Soundgarden, Pantera, White Zombie). Dos años después retomaban su camino editando el delicioso Around the Fur, álbum que para muchos es la cumbre de su carrera. Incluso podría decirse que es uno de los discos indispensables de los '90.

Lleno de furia y con un estilo muy personal, Around the Fur es un álbum enérgico y emotivo. Tras las consolas estuvo una vez más Terry Date, quien logró un sonido limpio y demoledor. El disco combina guitarras cortantes y baterías sólidas con atmósferas inquietantes y pasajes melódicos de un Chino Moreno lacrimoso y desgarrado que nos habla de confusión, sexo y melancolía en letras de lo más abstractas. Para la ocasión, ya contaban además con la semi-inclusión del DJ Frank Delgado, quien acrecienta los climas densos y claustrofóbicos de algunos temas.

Entre otras perlitas también está un curioso tema junto a Max Cavalera en guitarra y coros, que suena tremendamente Soulfly, y en donde el grupo vuelve a coquetear con el hip-hop de forma evidente y la potencia de las guitarras es apoteótica.

En definitiva, un disco muy melódico y agresivo al mismo tiempo, de extraña belleza y descarnada intensidad, con una banda totalmente en forma, que da todo de sí y se beneficia de una producción brillante.

Los Infiltrados

2010-07-30T21:45:00.000-07:00

Los Infiltrados es un film del género policial dirigido por Martin Scorsese y protagonizado por Jack Nicholson, Matt Damon, Leonardo DiCaprio. Ganó el Premio Oscar a la mejor película del 2006. Scorsese recibió también el Oscar al mejor director por esta obra.

La historia se desarrolla en Massachussetes, Boston, donde el Departamento de Policía se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia de estos es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello (Nicholson) desde dentro. Para ello, se le encarga a Billy Costigan (DiCaprio), un joven agente recien iniciado, que se infiltre entre la gente de Costello.

Mientras Costigan intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven policía llamado Colin Sullivan (Damon), es ascendido dentro de la unidad de Investigaciones Especiales -grupo de oficiales que justamente tiene como misión desbaratar a Costello-. Pero lo que los superiores de la Fuerza desconocen es que Sullivan trabaja para Costello, y le mantiene al tanto de todos los pasos que da la policía. A medida que la película avanza tanto Billy como Colin son acorralados por su doble vida, quedando expuestos al peligro de ser descubiertos.

Las geniales interpretaciones y la cuidada composición de los personajes son el atractivo principal de la cinta. Más allá de los actores principales y los roles protagónicos, es notable la elección del resto del elenco realizada por Scorsese. El aporte que realizan Mark Wahlberg, Martin Sheen, Vera Farmiga y Alec Baldwin, entre otros, logran sumarle a la trama un toque de riqueza y color extraordinario.

Para ir cerrando, con Los Infiltrados Scorsese nos ofrece una película que es puro vértigo y se va armando de manera gradual... aunque nunca dejando de ser envolvente.

Antonin Artaud "Van Gogh el suicidado por la sociedad"

2010-07-30T21:42:00.000-07:00

Antonin Artaud fue un poeta nacido en Marcella, Francia, en septiembre de 1896. Se lo considera uno de los grandes "poetas malditos" del siglo XX. Su labor ha sido la de explorarse a sí mismo con el fin de hallar una verdad intrínseca; busqueda que, con el tiempo, se volvió obsesiva y tortuosa, llevándolo a los estados más calamitosos de abandono vital (aunque desde muy pequeño Artaud presentó cambios de comportamiento que motivaron su internación en sanatorios mentales varias veces).

En los días en que era estudiante, y acababa de descubrir la poesía, Artaud sufrió sus primeros delirios con tan solo 16 años. Tras permanecer 6 años recluido, la mejoría que experimentó en 1918 le permitió volver a la calle. Reunió sus primeros versos bajo el título de Trictac del ciel. A raíz de la publicación de ese libro entró en contacto con André Breton, quien acaba de hacer público a su vez el primer manifiesto surrealista.

En 1920 se va a vivir a París, y allí publica para 1925 dos de sus libros más representativos: El ombligo de los limbos y El pesa nervios. En 1927 se convierte en cofundador del Théâtre Alfred Jarry, donde produce varias obras, incluyendo una suya llamada Los Cenci, la cual era una ilustración de su concepto de Teatro de la Crueldad (término que utilizaba para definir un nuevo teatro que debía minimizar la palabra hablada y dejarse llevar por una combinación de movimiento físico y gesto, sonidos inusuales, eliminando las disposiciones habituales de escenario y decorados).

Impedido siempre por enfermedades físicas y mentales, se le hizo imposible poner en práctica sus desconcertantes teorías teatrales. Así las cosas, en 1936 viaja a México y convive con los Tarahumaras, un pueblo indígena, para encontrar la antigua cultura solar y experimentar con el peyote. De nuevo en Europa, se instala en Irlanda, donde vivie en la más absoluta pobreza, pero es al regresar a Francia cuando sus delirios vuelven a llevarlo a un hospital psiquíatrico. En esta ocasión permanece diez años encerrado y escribe su libro más recordado, Van Gogh el suicidado por la sociedad (1947).

Van Gogh... es una diatriba salvaje contra el mundo y la psiquiatría en particular. La misma se enfoca en la última etapa de la vida del pintor holandés, en la que se entrega al Doctor Gachet, un médico rural devenido en psiquiatra quien en conjunto con la sociedad, hacen, en palabras de Artaud, que Van Gogh se convierta en un suicidado.

Para ir cerrando, diría que Van Gogh el suicidado por la sociedad es un libro ideal para aquellos que no conocen a este fabuloso autor de textos surrealistas que tenía mucho por decir.

Björk "Homogenic"

2010-07-22T17:51:00.000-07:00

Björk es una cantante y compositora nacida en noviembre de 1965 en Reikivik, Islandia. Ya desde temprana edad comenzó a vincularse con la música. En su adolescencia integró una banda de punk-gótico llamada Tappy Tikarras, y otra de jazz llamada The Sugarcubes. Björk ha citado como influencias a The Beatles, Joni Mitchell, Cocteau Twins y Siuxie and the Banshees.

A principios de los 90, la cantante se decidió a iniciar una carrera solista que la llevó a instalarse en Londres. Allí conocería al productor Nellee Hooper, uno de los responsables del Blue Lines de Massive Attack y miembro de Soul Il Soul. Hooper se convertió en su mentor y mano derecha, además de introducirla en los terrenos de la electrónica.

El primer álbum de Björk, titulado simplemente Debut, fue lanzado en 1993 y resultó todo un éxito de ventas gracias a la maravillosa voz y capacidad creativa de la islandesa (quien se convirtió en la diva del trip-hop). En 1995 aparece Post, su segunda placa, la cual cosechó excelentes críticas y la consagró a nivel mundial. Pero es en 1998 cuando Bjök publica la piedra angular de su carrera y uno de los discos claves de la pasada década: Homogenic.

En su tercer trabajo discográfico Björk ahonda más que nunca en las texturas sombrías y los climas íntimos, logrando explorar los surcos de la sensibilidad a través de melodias celestiales y letras sumamente personales. El versatil y expresivo rango vocal de la cantante sigue siendo el punto fuerte de su propuesta, pero esta vez viene arropado de majestuosas orquestaciones que se fusionan a la perfección con los ritmos programados.

Homogenic es un disco intenso, barroco, introspectivo, en el que Björk hace que las canciones sean lo suficientemente especiales como para que el oyente ponga los cinco sentidos en él.

Es para destacar la labor de Mark Bell en la producción, quien a partir de entonces se ocuparía del aspecto técnico de varios de los discos de esta auténtica artista de vanguardia. En definitiva, un disco imprescindible mire por donde se lo mire.

Milagros Inesperados

2010-07-22T16:21:00.000-07:00

Milagros Inesperados es un film estadounidense de 1999 dirigido por Frank Darabont (quien antes se ocupó de los guiones de películas como Pesadilla 3 y La mosca II), basado en el libro El pasillo de la muerte de Stephen King.

Protagonizada por Tom Hanks, Michael Clarke Duncan, David Morse, Sam Rockwell y Michael Jeter, la película cuenta la historia de un guardia de prisión que desarrolla un vinculo insólito con un preso que tiene un don extraño para realizar auténticos milagros en beneficio de los demás.

El personaje principal es Paul Edgecomb (Tom Hanks), quien es el jefe de guardias de la penitenciaria Cold Mountain y está acompañado por sus leales Brutus Howell, Dean Stanton, y Harry Terwilleger.

Como condenados a la silla eléctrica se encuentran Eduard Delacroix, un indio americano llamado Arlen Bitterbuck (Graham Greene) y el desagradable Billy "el niño" Wharton. A estos tres, se les suma un nuevo convicto de nombre John Coffey, impresionante por su tamaño y por la prácticamente inexistente maldad que se alberga en él. Coffey es acusado de haber asesinado a dos niñas gemelas de nueve años de la manera más que brutal, pero su carácter tranquilo y hasta amoroso comienzan a hacer dudar a Edgecomb sobre la culpabilidad del delito que le imputan. Con el correr de los meses, Coffey demuestra tener poderes sobrenaturales con los cuales puede sanar personas.

Como último dato podría agregar que la película se sitúa en la Nueva Orleans de 1930, y es contada de forma retrospectiva por Edgecomb a una amiga que conoce estando ya en un asilo para ancianos.

Sintetizando, un film tan mágico como conmovedor.

Dante Alighieri "La Divina Comedia"

2010-07-19T16:29:00.000-07:00

Dante Alighieri fue un poeta nacido en mayo de 1265 en Florencia, Italia. Su libro, La Divina Comedia, es una obra maestra de la literatura italiana y una de las cumbres de la literatura universal. Alighieri logró con este libro una pieza fundamental en la transición del pensamiento medieval al renacentista. Por ello, es conocido al día de hoy como "el Poeta Supremo".

La Divina Comedia es un poema épico que narra el viaje de Dante a través del Infierno, el Purgatorio y el Cielo. Esos tres mundos vienen a reflejar los tres modos de ser de la humanidad: el vicio, el pasaje del vicio a la virtud y el hombre perfecto. La obra cuenta además con Beatriz y el poeta Virgilio (quien acompaña a Dante en su viaje) como los otros dos personajes centrales.

El poema se ordena en función del simbolismo del número tres, que evoca la trinidad sagrada, el equilibrio y la estabilidad, y el triángulo. La estrofa por su parte está compuesta por tres versos, y cada una de las cánticas cuenta con treinta y tres cantos. Dante también utiliza el número diez como cabalístico, como número pitagórico, ya que se puede apreciar la importancia decimal que le da en los diez niveles que tiene el infierno (nueve círculos más el anteinfierno).

El libro presenta un gran cuerpo de notas que ayudan a entender los personajes mencionados. Estos comentarios incluyen interpretaciones o significados místicos de pasajes del texto.

Se desconoce la fecha exacta en que La Divina Comedia fue escrito; algunas de las opiniones más reconocidas aseguran que el Infierno pudo ser compuesto de 1304 a 1307, el Purgatorio de 1308 a 1313, y el Paraíso de 1314 a 1321 (año del fallecimiento de Alighieri). Pintores de todos los tiempos -como Sandro Botticelli, Gustave Doré, Salvador Dalí y William Adolphe Bouguereay- crearon ilustraciones inspiradas en esta colosal obra.

En definitiva, La Divina Comedia es un libro donde se revela la vida en todas sus formas, con sus miserias y virtudes; pero también se muestra la vida que no es, la muerte, que tiene su propia vida... y todo narrado por el don de la palabra de Dante, que se vuelve un arquitecto de lo universal y lo subime.

La Renga "Detonador de sueños"

2010-07-05T15:30:00.000-07:00

La Renga es una banda argentina de hard-rock (que toma elementos del heavy metal y el blues) formada en 1988, en el barrio porteño de Mataderos. El grupo es un power-trío integrado por Chizzo en guitarra y voz, los hermanos Tete y Tanque en bajo y batería respectivamente, más la colaboración fija de Chiflo y Manu en vientos.

El nombre "La Renga" surgió como un chiste, ya que en sus comienzos parecía que siempre les faltaba algo para poder encaminarse. Esta banda se mueven desde la independencia discográfica (camino abierto por Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota), y actualmente, quizás, sean los más convocantes de todo el país.

Lanzado a mediados del 2003, Detonador de sueños es su sexto trabajo de estudio. El álbum fue grabado integramente en la sala de ensayo de la banda y producido por ellos mismos. Este es uno de los discos más pesados y ruteros que haya lanzado La Renga; cada canción que lo conforma es una muestra de potencia y actitud.

Y si bien todas esas características no muestran nada nuevo a lo que venían haciendo hasta ahora, en este disco sí se nota una gran evolución y un enfoque distinto de su identidad musical -que siempre tuvo rasgos muy definidos-, la cual empezaron a pulir definitivamente en su entrega anterior.

Detonador de sueños es una placa con solos de guitarra más largos e intrincados que de costumbre, además de la aplastante base rítmica que no da tregua un minuto. Es que esa necesidad de evolución se nota tanto en la ejecución de los temas como en las letras (que son más elavoradas y místicas esta vez), y mismo en el sobresaliente diseño de arte.

La influencia de AC/DC, Mötorhead, Neil Young, Pappo's Blues y Manal está más patente que nunca. Chizzo realiza un trabajo guitarrístico formidable (con esos riffs gruesos y afiilados que de a ratos rozan el stoner) además de exprimir sus cuerdas vocales de forma macarra y gutural.

En sintesis, Detonador de sueños es un álbum donde La Renga nos muestra que para poder hacer un disco, arriesgarse, y que suene tan bien, hay que tener en claro lo que se quiere lograr. Absolutamente recomendable.

Belleza Americana

2010-07-05T15:20:00.000-07:00

Belleza Americana es una película dramática de 1999 dirigida por Sam Mendes y protagonizada por Kevin Spacey y Annette Bening. El film supuso el debut en la pantalla grande del guionista Alan Ball y ganó cinco premios Oscar, incluido mejor película.

La historia gira alrededor de la familia Burnham, compuesta por: Lester (Kevin Spacey), su esposa Carolyn (Annette Bening) y su hija adolescente Jane (Thora Birch). Lester tiene 42 años y se encuentra en plena crisis existencial; su vida es aburrida y rutinaria, lleva años en el mismo trabajo, su matrimonio está desgastado y casi no tiene diálogo con Jane. Su esposa, por otro lado, se gana la vida tratando de vender inmuebles y es excesivamente competitiva con él.

Lester encuentra una luz de esperanza cuando conoce a Angela (Mena Suvari), la mejor amiga y compañera de colegio de su hija. Angela es una bella, superficial y aparentemente promiscua porrista que cautiva a Lester desde el momento que la ve en una actuación rutinaria de baile en el colegio, desarrollando una obsesión por ella.

Jane, a todo esto, inicia una relación con el hijo de una familia vecina recien llegada al barrio, quienes resultan son unos raros totales (el padre es un ex-militar excesivamente homófobico y la madre vive en constante depresión). Para como, una noche, la menor de los Burnham invita a Angela a quedarse a dormir, y ésta le revela a Jane que lo encuentra atractivo a su padre mientras Lester escucha escondido.

Con esta ilusión, más el juego de seducción efectuado por la adolescente, Lester comienza a liberar todas sus represiones. Deja de hacer lo que se entiende por "correcto" para ocuparse sólo de sí mismo y lo que sienta ganas de llevar a cabo... acarreando aún más dolores de cabeza.

En fin, Belleza Americana es un inteligente film que se mueve entre drama y comedia explorando temas como el amor, la liberación personal, la búsqueda de la felicidad y la familia.

Jack Kerouac "En el camino"

2010-06-30T14:10:00.000-07:00

Jack Kerouac fue un novelista y poeta nacido en Massachusetts, Estados Unidos, en marzo de 1922. Se crió en el seno de una familia francocanadiense de padres quebequeses originarios de Bretaña e instalados en la ciudad textil de Lowell.

Hasta los seis años, Jack Kerouac hablaba solamente el francés; aprendería el inglés como segunda lengua en la escuela. Con cuatro años, asiste a la muerte de su hermano mayor Gérard, (de nueve años, a causa de una fiebre reumática). la cual él mismo describía como "una herida que nunca podrá cicatrizar"y que le llevaría más tarde a escribir uno de sus primeros trabajos literarios.

Kerouac empezó a escribir a los diecisiete años y entre sus primeras influencias estaban Ernest Hemingway, Tom Wolfe y Jack London; hasta que un día descubrió a Henry Miller, al que consideró su auténtico maestro.

La escritura de Kerouac se destaca por la espontaneidad como método para traspasar los límites establecidos para las formas literarias. El escritor solía decir que cuando estaba trabajando en una novela cada párrafo era un poema dentro de un texto extendido que flotaba en el mar de la lengua inglesa.

En el camino es la novela que lo consagró a nivel internacional en 1957. La misma narra cuatro viajes que él mismo realizó entre 1947 y 1949. El enorme éxito que el libro tuvo entre sus compañeros de generación contribuyó enormemente a popularizar la Ruta 66, a pesar de no tratarla sino de pasada.

El amor a los viajes que el autor compartía con gran parte de sus contemporáneos, queda perfectamente definido en las narraciones que contiene esta obra. De esta forma resulta lógico el hecho de que no se conceda una especial atención al camino seguido en los viajes, ya que lo realmente importante es la forma en que suceden y las experiencias que aportan al viajero.

La denominada generación Beat, tuvo en el libro su Biblia y en el viaje su camino. La Ruta 66 jugó un papel importante en este planteamiento, llenándose de "hipsters" -como eran conocidos los jóvenes de la época- haciendo paradas o manejando enloquecidamente en coches destartalados.

En definitiva, un autor y una obra que años después, junto a muchos de los miembros de éste movimiento, daría nacimiento a lo que se conoció a fines de los 60 como el hippismo.

Porcupine Tree "Deadwing"

2010-06-17T19:28:00.000-07:00

Porcupine Tree es una banda de rock progresivo formada por Steve Wilson (cantante, guitarrista y compositor) en Hemel Hempstead, Inglaterra, a fines de los '80. El grupo lo completan Richard Barbieri en teclados y sintetizadores, Colin Edwin en bajo y Gavin Harrison en batería.

Hoy por hoy, Porcupine Tree se ha convertido en uno de los estandartes de la movida progresiva. Wilson toma influencias de algunas de las grandes bandas del género (Pink Floyd, King Crimson, Genesis) y las mezcla con los riffs estridentes del metal, logrando crear una música innovadora y muy personal.

Deadwing fue editado en marzo de 2005, y es hasta la fecha el disco más vendido del grupo. El álbum es un trabajo conceptual que, según palabras del líder de la banda, se trata de una historia sobre fantasmas. Las canciones emplean diversos climas que van de pasajes psicodélicos y ambientales a trallazos rockeros con desarrollos intrincados, haciendo de su escucha todo un viaje para los sentidos...

Porcupine Tree tienen un estilo único, sobre todo por la fantástica interacción de los intrumentos. Ni hablar de sus preciosas melodías, las cuales tiñen de un aire nostálgico y crepuscular a las canciones más reposadas. Y todos esto con un despliegue de armonias vocales realmente satisfactorio para los oidos. Otro factor determinante son las letras -críticas y metafóricas-, que evocan una especie de aura oscura y misteriosa.

La producción del disco es sencillamente perfecta. En la placa aparecen como colaboradores Adrian Belew de King Crimson y Mikael Akerfeldt de Opeth.

En fin, este es un álbum que seguro convencerá al oyente de que Porcupine Tree es una de esas bandas como pocas quedan. Y hasta quizás suene arriesgado hacer afirmaciones así, pero probablemente Deadwing es uno de los mejores discos de rock progresivo del nuevo milenio.

XXY

2010-06-17T16:35:00.000-07:00

Lucía Puenzo es una talentosa directora y guionista de cine argentina nacida en 1976. Su pasión por el septimo arte es evidente que lo ha heredado de su padre, el fallecido actor Luis Puenzo.

Lucía empezó trabajando en los guiones de películas como La Puta y la Ballena (2003) o A Través de Tus Ojos (2006), pero fue recien para el 2007 que debutó como directora con la multipremiada XXY.

La historia de esta película trata sobre Alex (Inés Efrón), una hermafrodita de 15 años que vive en un paraje aislado de la costa atlántica uruguaya. Sus padres (Ricardo Darín y Valeria Bertuccelli) se marcharon de Buenos Aires buscando intimidad poco después de que ella naciera, para así evitar que la sociedad la rechace debido a su condición.

Pero todo cambia el día que reciben la visita de un matrimonio (Germán Palacios y Carolina Peleritti) y su hijo adolescente. El padre del chico es cirujano plástico, y con el correr de los días se irá desvelando el motivo que los ha llevado hasta allí.

La mirada de la directora sobre la dificultad que tienen los padres de Alex para elegir por ella o simplemente aconsejarla -sabiendo que no podrán nunca protegerla de lo que la vida y los otros le deparan- es un trabajo realmente lleno de sensibilidad. Y por sobre todas las cosas, es para destacar también el personaje de Alex (con esa mirada profunda, siempre conflictuada, y emanando una fragilidad que se hace realmente perturbadora).

En definitiva, con XXY Lucía Puenzo se ha atrevido a plantear uno de los temas más dramáticos del ser humano desde un enfoque que desborda respeto y calidad.

John Katzenbach "El psicoanalista"

2010-06-17T13:35:00.000-07:00

John Katzenbach es un aclamado escritor y periodista nacido en Estados Unidos, en 1950. Ha lanzado una serie de libros que en algunos casos tuvieron sus adaptaciones cinematográficas.

Casi todas las obras literarias de Katzenbach fueron éxitos de venta; entre ellas se encuentran Al calor del verano (1982), Retrato en sangre (1987), Un asunto pendiente (1989), La sombra (1995), Juegos de ingenio (1997), y su obra maestra El psicoanalista (2002).

El libro arranca con una nota anónima que recibe para su cumpleaños número 53 el psiconalista Frederick Starks, en la cual lo amenazan de muerte. A partir de entonces Starks utilizará toda su inteligencia y conocimientos para averiguar quién el autor de esa carta que, de alguna u otra manera, promete hacerle la existencia imposible.

Lo alarmante de la situación, es que si Starks no puede conseguir su objetivo, deberá elegir entre suicidarse, o bien ser testigo de cómo, uno tras otro, sus conocidos y familiares mueren por obra de un psicópata que promete llevar hasta el final el plan que ha ideado para vengarse.

El psicoanalista es una historia que, más allá de estar llena de suspenso, se destaca por el realismo psicológico de sus personajes. Katzenbach consigue aquí que el lector se arrastre por la agonía de la intriga y el miedo que padece el protagonista de la trama, invitándolo a pensar junto a él sobre sus decisiones y la identidad del asesino.

Cerrando y para ser breve, un libro apasionate.

Hermano "Only A Suggestion"

2010-06-08T14:21:00.000-07:00

Hermano es una banda de rock que se forma a mediados de 2001, cuando el bajista Dandy Brown le propone al guitarrista David Angstrom (Supafuzz) trabajar en un proyecto juntos. Angstrom, por su parte, lo contacta a quien fuera la voz de Kyuss (Slo Burn y Unida), John García, para ofrecerle el puesto de cantante.

Debido a la amplia experiencia de Brown como productor e ingeniero de sonido dentro de la escena underground estadounidense, trajo hasta su estudio de grabación a otros dos conocidos suyos: el baterista Steve Earle (Afghan Whigs) y el guitarrista Mike Callahan (Disengaged). Con García ya en sus filas, los cinco músicos se pusieron a trabajar en una serie de canciones que conforman este espectacular disco debut.

Para todos aquellos que esperan una reencarnación de Kyuss, sepan que se llevarán el chasco de sus vidas. John vuelve pletórico (canta aún mejor que en el Coping With The Urban Coyote de Unida), y lo arropa una instrumentación que mezcla el hard-rock más directo con toques de metal.

Hermano suenan como un volcán en erupción; su fuerza, técnica y actitud, generan un gancho irresistíble al oido del oyente. García sigue cautivando con esos registros crudos y desesperados (además de su inconfundible carisma), y la banda se muestra compacta y aceitada. Es que este es un grupo de riffs duros, que poco tiene que ver con los típicos cuelgues psicodélicos del stoner.

Sólo quedaría por decir que en Only A Suggestion encontramos algo más que "la nueva banda de John García". Hermano se revela como un proyecto con mucho talento y poderío rockero. Ideal para todos aquellos que les guste la música de Black Sabbath, AC/DC o The Cult.

Un oso rojo

2010-06-08T14:15:00.000-07:00

Israel Adrián Caetano es un director de cine y guionista nacido en 1969 en la ciudad Montevideo, Uruguay. Estudio para cineasta en Francia pero reside en la Argentina, donde se ha consagrado por películas como Pizza, birra, faso (1997), Bolivia (2001), Un oso rojo (2002) y Crónicas de una fuga (2006), además de su trabajo en series televisivas como Tumberos (2002) y Disputas (2003).

Un oso rojo cuenta la historia de Oso (Julio Chavez), un ladrón experimentado que vive con su esposa (Soledad Villamil) y su hija de un año. Pero todo cambia cuando, Oso, es detenido y condenado a siete años de prisión por haber participado en un robo a mano armada donde un policía resulta asesinado. Su hija, Alicia (Agostina Lage), cumplía un año el día del asalto y Natalia, su mujer, nunca lo perdona por esto.

Oso (hombre reservado, impredecible, violento por naturaleza y necesidad) pasa esos años encerrado casi sin pronunciar palabra. Finalmente, un día, sale en libertad y piensa que tal vez sea un buen momento para volver a empezar. El Turco (René Lavand) le debe todavía su parte del asalto que lo encarceló, y a través de un compañero de celda contacta a Güemes (Enrique Liporace), que lo emplea como chofer en su agencia de remises.

Oso ha perdido a su mujer, que vive ahora con Sergio (Luis Machín), y su hija apenas lo recuerda, pero él está dispuesto a recuperarlas o al menos reparar los daños cometidos. Aunque la situación no es para nada fácil en la ciudad que ve desde el remis. Tampoco en casa de Natalia, donde las cuentas no cierran a fin de mes, y Sergio no encuentra trabajo y se endeuda en las carreras tratando de salvarse.

El futuro de Alicia está en juego y Oso cree que ha llegado el momento de hacerse cargo. El Turco lo tienta con un nuevo golpe seguro, Güemes trata de disuadirlo, y otra vez, la única salida para Oso está fuera de la ley.

Como un western desencantado y urbano, Un oso rojo muestra el destino de un justiciero marginal en la crudeza de los suburbios de Buenos Aires, en donde el remis es el caballo, el bar del Turco el salón, y la sonrisa de Alicia, su única recompensa.

Johann W. Goethe "Fausto"

2010-06-05T08:02:00.000-07:00

Johann Wolfgang Goethe fue un escritor y científico nacido en Hesse, Alemania, en agosto de 1749. Se lo conoce por haber sido una de las principales figuras que ayudó a fundar el romanticismo (movimiento que a su vez influenció considerablemente).

Su obra -que abarca géneros como la novela, la poesía, el drama e incluso controvertidos tratados científicos- dejó una profunda huella en importantes escritores, compositores, pensadores y artistas, convirtiéndose en una constante fuente de inspiración de la filosofía alemana posterior. Sus ideas acerca de las plantas, y la morfología y homología animal, fueron también desarrolladas por diversos naturalistas como Charles Darwin.

Su libro por excelencia fue, sin duda alguna, la trágica novela Fausto (1808), considerada al día de hoy como una de las más grandes obras de la literatura universal.

La historia comienza con una conversación en el Cielo, en el cual discuten el Diablo y Dios por la posesión del alma de Fausto, hombre de ciencia desengañado y cansado de la vida, amante del bien y la sabiduría, que lucha por la posesión de la clave del mundo y ante no encontrarle sentido alguno a la vida que estaba llevando, se ve tentado al suicidio.

En ese momento se le aparece Mefistófeles (el Diablo) y le propone un pacto, lo hará recobrar su juventud y gozar de los placeres de la vida a cambio de que le entregue su alma. Fausto acepta el acuerdo y se lanza, en compañía de Mefistófeles a probar los placeres humanos.

De esta manera, Mefistófeles saca a Fausto de su aislamiento y lo lleva a conocer en un primer momento el placer de licor. Más tade (en la cocina de una bruja) le devuelve la juventud, gracias a este hecho es que Fausto conoce luego a Margarita, mujer ingenua y bella, a quien seducirá hasta conquistarla.

Pero la pasión amorosa de Fausto por Margarita termina desatando terribles consecuencias, ya que la madre de ella muere por culpa de una especie de somnifero que su hija le había proporcionado para poder tener mayor intimidad con Fausto. Para colmo, Margarita descubre que ha quedado embarazada, y su hermano decide batirse a duelo con Fausto (para vengar el honór de la familia) pero muere a manos de éste. Margarita, totalmente perturbada con esta situación, opta por ahogar a su hijo y es condenada a muerte por el asesinato. Sin embargo es salvada por voluntad divina y es llevada a los cielos ante la mirada de Fausto y Mefistófeles que venían a recatarla.

Fausto continúa su viaje. Aparece en la corte del emperador de Alemania, debido a que la desgracia y la escasez están sobre el imperio, pero con la astucia y sabiduría que ha ido adquiriendo (sobre todo con las artes mágicas) salva a la sociedad de sus problemas financieros. Posteriormente Fausto es trasladado a la llanura farsálica, donde conoce a Helena, la máxima expresión de la belleza griega, y de la cual se enamora. Se casan y después nace Euforíon, hijo que movido por el deseo de la lucha y de la luz, provoca su muerte al intentar volar. Helena sigue la suerte de su hijo y la felicidad de Fausto vuelve a desvanecerse.

Vuelto a la corte, colaborará decisivamente en la victoria del emperador sobre sus enemigos, por lo que recibe un terreno. Aquí Fausto siente que ha alcanzado la felicidad, y decide entregar su alma al Diablo. Pero cuando Mefistófeles cree haberse quedado con el alma de Fausto, un coro de ángeles (gracias a las continuas oraciones de Margarita) le abren a Fausto las puertas del cielo.

Para ir cerrando, sólo queda por decir que con este libro Goethe pareciera querer decirnos que aquellas pasiones que mueven al ser humano se encuentran en un limbo entre lo bueno y lo malo (que son amorales, neutras, y durante la obra el mal motiva la mayoría de ellas)... por eso al final de la obra son estas mismas las que permiten que Fausto escape del pacto.

Sepultura "Roots"

2010-05-22T13:37:00.000-07:00

Después de dar brutales demostraciones de poder con obras tan fundamentales dentro del Death y Trash como Arise y Chaos A.D., Sepultura supo sorprender a la comunidad metalera con un disco como Roots. Editado en 1996, este álbum incorporaba nuevos elementos al sonido de la banda brasilera, quienes se ponían en manos de Ross Robinson.

Si ya de por sí Chaos A.D. había causado cierto rechazo de los sectores más ortodoxos del Metal, el sólo hecho de pensar que Sepultura trabajaba con el mismo productor del exitoso debut de Korn causaba todavía más recelo entre los que pretendían sentenciar a una banda a tocar siempre según sus gustos y no permitirles una evolución.

Para poder lograr ese cambio significativo, se rodearon del productor del momento y de algunas figuras de la escena alternativa (Mike Patton de Faith No More, Jonathan Davis y David Silveria de Korn, DJ Lethal de House Of Pain) con miras a fusionar lo que era su estilo con las nuevas tendencias del Metal, dándole así una bocanada de aire fresco a su sonido.

Fue entonces que los riffs complejos y veloces de sus anteriores discos (incluso en Chaos A.D. ya habían disminuido bastante) eran ahora sustituidos por guitarras de corte más seco y rítmico, con una afinación similar a la utilizada por los grupos de Nü-Metal. Pero donde reside otro de los toques de originalidad de Roots es en el tratamiento de la percusión; en esta ocasión los ritmos típicos de la música popular del Brazil se vuelven más predominantes, lo que dota al disco de un aire único (es para resaltar la colaboración de Carlinhos Brown, como también la de la Tribu Xavante del Amazonas).

Para cerrar ir cerrando podríamos decir que en Roots encontramos un disco que mezcla de manera sublime diversos estilos (Death Metal, Hardcore, el recien nacido Nü-Metal, y los ya mencionados elementos tribales de la cultura brasileña), así que sería correcto clasificarlo como Metal Alternativo. Para mí, es simplemente una obra maestra y un disco indispensable en cualquier colección de melómano.

Pecados Capitales

2010-05-22T13:01:00.000-07:00

Nada hacía presagiar que después del fracaso comercial que resultó Alien 3 (1992), David Fincher iba a convertirse con su segundo film en un referente del nuevo cine hollywoodense.

Siguiendo con ese gusto por los ambientes góticos (dos aspectos que sustentan el cine de Fincher es la ya mencionada tendencia a las historias tenebrosas, y el otro es el fuerte impacto visual de su obra), este director estadounidense nos regaló una película dura e inquietante que se mueve entre el cine negro y los thrillers psicológicos.

Pecados Capitales narra la historia de William Somersert (Morgan Freeman), un detective a punto de jubilarse, y su compañero David Mills (Brad Pitt), otro detective que recien se inicia en la carrera. Somerset y Mills se mueven en una ciudad gris -en la que parece no dejar de llover nunca- tras la pista de un asesino en serie (Kevin Spacey) sádico y metódico que para acabar con sus víctimas se basa en los siete pecados capitales.

A medida que el film avanza, nuestra imaginación vuela por los rincones más oscuros de nuestra mente, hurgando en los miedos y jugando con el morbo. Todo el ambiente de Pecados Capitales es claustrofóbico y tortuoso. La ciudad se convierte en un espacio de pesadilla y decadencia humana.

De esta atmósfera insana se destila un pesimismo existencial que se erige en el final del film (tan calculado e inteligente), arrastrando una pesada carga de tragedia. Y es con esta película en particular que David Fincher nos habla de los peores estigmas de nuestra sociedad.

En definitva, una OBRA MAESTRA.

Jack London "Martin Eden"

2010-05-21T15:35:00.000-07:00

Jack London fue un escritor estadounidense nacido San Francisco, California, en enero de 1876. Se dice que se auto-educó, proceso que llevó a cabo en una biblioteca pública de la ciudad leyendo libros. En 1883 leyó una novela de la escritora inglesa Ouida, la cual le sirvió de motor para arrancar con su carrera literaria.

Sus obras más celebradas quizás sean El lobo de mar (1904) y Colmillo blanco (1906), pero sin duda otro libro memorable en su haber es la novela semi-autobiográfica Martin Eden (1909).

La hisotoria es acerca de un marinero pobre y bruto llamado Martin, que un día, eclipsado por el amor de una mujer de clase social superior a él, percibe que hay algo más; algo que fluctúa en la realidad que le rodea, dotándola de hermosura. Ese "algo" está encerrado en los libros, y Martin sorprendido por la existencia de esa belleza, se fija como meta alcanzarla asegurándose entonces el corazón de su amada.

Martin se transforma poco a poco a un buscador de belleza, belleza que ansía y que se le escapa entre las manos porque carece de herramientas para dominarla. Pero es tan grande ese deseo, tan puro, y él es tan perceberante, que camino a concretar ese sueño lo va perdiendo todo: la familia, los amigos, los seres queridos… y se encuentra cara a cara con la soledad más absoluta del artista (el que pasa hambre, el que no duerme, el que se siente incomprendido por la sociedad).

El libro entero es un canto a la lucha por mejorar, por aprender, por superarse. Jack London consigue con Martin Eden una obra obligada para todo aquel que anhele desempeñar el oficio de la pluma, ya que las inquietudes que pueda sentir cualquier persona que escribe, aquí están plasmadas con una nitidez y un realismo que abruman.

Indio Solari "Porco Rex"

2010-05-07T22:06:00.000-07:00

Con autoridad de emperador chino el Indio Solari (que ya desde la portada se presenta con una foto de su cara usando un turbante y cinco símbolos del lenguaje sordomudo/carcelario aludiendo a sí mismo) vuelve a cautivar los sentidos en cincuenta y cinco minutos de música rock. Porco Rex es su segundo trabajo solista y en él refleja un sincero muestrario de las obsesiones y ansiedades de un rocker que pisa las seis décadas con estoica elegancia y un espíritu de resistencia admirable.

Se sabe que cada disco, o recital, de quien fuera la voz de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, es celebrado como una fiesta pagana por sus millones de seguidores. Fue entonces que, para ellos, el 2007 se consumó con un regalo generoso de su máximo dios vivo. Porco Rex es un álbum potente y directo, menos complejo que su debut pero con canciones memorables.

A primera escucha el LP puede sonar todo igual, aunque en general los discos del Indio -tanto en su carrera solista como con los Redondos- requieren de una serie de escuchas para entenderlos. Así es que a medida que uno reincide en estas trece canciones, se hace cada vez más difícil sacarlas de la compactera y de la cabeza.

Porco Rex es un disco dramático y vital, suena mucho más eléctrico y dinámico que su antecesor. En esta vuelta, las guitarras y la batería predominan sobre los sonidos electrónicos; y la voz del Indio (tan áspera, oscura y magnética como siempre) nos ofrece por primera vez un cierto grado de confesionalidad nunca antes visto en sus letras (dedicatorias explícitas a amigos que ya no están, a su mujer, y a lo que parece ser su manera de ver las cosas con respecto a la separación de los Redondos).

Constantemente alude a "Monsieur Sandoz" como encargado de casi todo menos de hacer sonar los instrumentos ya que esa fue tarea de los guitarristas Baltasar Comotto y Gaspar Banegas, el bajista Marcelo Torres, los bateristas Hernán Aramberri y Martín Carrizo, y la sección de vientos a cargo Alejo Von Der Pahlen y Ervin Stutz. Además de Andrés Calamaro, acreditado como "el inefable Señor Gama Alta", quien aparece de invitado en un tema.

El arte gráfico gira en torno al erotismo, la insinuación y el deseo a través de un collage de imágenes de mujeres desnudas, la Virgen María, dibujos de un cerdo y animales varios, más frases sueltas (como de la escritora Clarece Lispector). Y como siempre, el Indio se maneja con total independencia tanto desde la producción como en el lanzamiento y la distribución.

En definitiva, Porco Rex es un disco que se respira casi como un mantra nervioso y que está empapado de esas buenas melodías que mueven estadios o silban bajito cuando hay que colorear la soledad.

El Caballero de la Noche

2010-05-07T22:02:00.000-07:00

Christopher Nolan es un director y guionista de cine nacido en julio de 1970 en Londres. Se hizo conocido por su film Memento (2000), el cual le valió el Oscar al mejor guión original. Pero sin duda, lo que lo consolidó como director fue la nueva saga cinematográfica de Batman: Batman Inicia (2005) y El Caballero de la Noche (2008).

Esta película es una continuación en el sentido literal de la palabra ya que sigue lo que ocurre en la última escena de Batman Inicia, cuando el Comisario Gordon le advierte a Batman sobre el "nuevo" criminal que anda rondando por las calles de Ciudad Gótica: el Guasón. Para la caracterización del archivillano de Batman se realizó un casting por el cual pasaron actores como Crispin Glover, Vincent Cassel, Paul Bettany y Steve Buscemi. Finalmente, el elegido para interpretar el papel fue Heath Ledger (trágicamente fallecido poco después), quien desempeñó un trabajo impresionante.

Esta caracterización del Guasón es muy distinta a la de Jack Nicholson en Batman de 1989, empezando por el aspecto físico: el maquillaje todo corrido, dos enormes cicatrices a ambos lados de la boca, el pelo largo y grasiento (de un color castaño pero con grandes reflejos hechos en tintura verde), y vestimenta harapienta. La idea, esta vez, se nota que era darle una apariencia más terrorífica que payasesca.

Nolan aprovecha el clima y el tono oscurísimo del film para contar una historia sin necesidad de explicar demasiado. Nada se sabe del origen del Guasón, sólo lo que él cuenta (dos "nacimientos" totalmente distintos)... Un indicio más del perfil psicológico de este psicópata que roba bancos y mata por deporte. Christian Bale está mucho mejor que en la primera parte. Michael Caine, Gary Oldman y Norman Freeman cumplen como siempre, y Aaron Eckhart también sorprende con su versión de Harvey Dent. En general todas las actuaciones son brillantes y éste es uno de los puntos más altos de la película.

En ese mismo afán de no explicar demasiado para mantener atrapado al espectador, Nolan logra que la película merezca más de una visión. Para ir cerrando, ¿nace un nuevo estilo de films de superhéroes?

Mario Benedetti "La tregua"

2010-05-07T21:55:00.000-07:00

Mario Benedetti fue un escritor y poeta nacido en Paso de los Toros, Uruguay, en septiembre de 1920. Su vasta producción literaria incluyó más de 80 libros, algunos de los cuales fueron traducidos a más de 20 idiomas. Su obra abarcó los géneros narrativos, dramáticos y poéticos. Asimismo fue autor de ensayos y su voz recitando sus poemas fue grabada en varios casetes y cds. Joan Manuel Serrat musicalizó varios de sus poemas en el disco El sur también existe.

Benedetti hizo sus comienzos literarios en 1945 cuando se integró al equipo de redacción del semanario Marcha. Para 1954 ya había sido nombrado director literario de dicho semanario, donde permaneció hasta 1974 (año en que fue clausurado por el gobierno de Juan María Bordaberry). Aunque también para 1949 se convirtió en miembro del consejo de redacción de Número, una de las revistas literarias más destacadas de la época.

El escritor publicó varios libros de cuentos y poemas, además de algunas novelas. Quizás la más celebrada de ellas sea La tregua de 1960. La tregua es un novela que está escrita en forma de entradas del diario personal del protagonista, Martín Santomé -un viudo de 49 años que está a punto de jubilarse-.

El día a día rutinario en la oficina hace que Martín no tenga una buena relación con sus tres hijos ya mayores, debido a que es obsesivo de su obsesión por el trabajo. Pero todo cambia para él cuando irrumpe aparece la joven Laura Avellaneda, una chica de 24 años, que entra a trabajar en la empresa para la cual trabaja Martín. Poco a poco, entre ellos se va desarrollando un romance y es así que este hombre, casi sin proponérselo, decide abrir en su vida un paréntesis luminoso.

La soledad, la incomunicación, el amor, la sexualidad, la felicidad, la muerte y los problemas políticos son algunos de los temas que aparecen en La tregua. Esta novela ha sido adaptada al cine, la televisión y el teatro, pero sobre todo ha sido aclamada por los lectores de todo el mundo.

Slipknot "All Hope Is Gone"

2010-04-29T17:52:00.000-07:00

Tras cuatro años sin disco de estudio y los fans de la banda tirándose de los pelos, por fin apareció el nuevo trabajo de los nueve maníacos enmascarados de Iowa.

A una década de aquél salvaje debut homónimo, al que le siguió su segundo y más visceral álbum, y el tercer volúmen, donde ya se iba notando una evolución y madurez muy significativas en su sonido. Dicha evolución ha seguido avanzando a través de los años, trayendo entonces su último disco hasta la fecha: el sobresaliente All Hope Is Gone.

Entre un disonante acople de guitarras surge, distorsionado, un manifiesto que va sumiéndonos con tensión en el caótico universo de la banda. Poco después, un contundente redoble de batería prepara el terreno para el siguiente tema, donde al completo ya es activada la maquinaria bélica de Des Moines.

El siseo enfermizo de los scratches rellena perfectamente los espacios entre los gruesos riffs y el terremoto de parches. Pero hay más, porque una de las sorpresas más gratas de este álbum es la inclusión de solos, y además ejecutados bajo la influencia de la escuela thrash en su estado más puro, dando forma a veloces punteos que recuerdan a los ataques míticos de Slayer.

También es notorio el uso del doble bombo y las demás técnicas típicas que definen al metal más extremo, adentrándonos en momentos que rozan los abruptos terrenos del death.

Los temas se suceden sin descanso, llevando la densa y sombría parsimonia de los versos a inesperados oásis melódicos en el estribillo, siendo así como más se luce el cantante (quien realiza un trabajo excepcional a lo largo de todo el LP).

Es para destacar también el artwork del álbum con esas sesiones fotográficas en las que los nueve músicos aparecen con gigantes máscaras como siniestros moais, deambulando por los frondosos campos de Iowa.

En definitiva, un disco que hace estremecer por su firmeza, con una sincronización que violenta tanto como embelesa. Y todo con una producción y un sonido de lujo.

Psicósis

2010-04-28T16:21:00.000-07:00

Alfred Hitchcock fue un director de cine británico (pero nacionalizado estadounidense) nacido en agosto de 1899 en Londres. Admirador declarado de escritores como Edgar Allan Poe y Charles Dickens, Hitchcock es considerado hoy día como uno de los maestros del cine de suspenso y terror.

Debido a la muerte de su padre, tuvo que abandonar el colegio en 1915 para comenzar a trabajar en una compañía telegráfica. Fue en 1920 que empezó a dedicarse a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine. Es así como empezó a participar como montador, director artístico y guionista en películas.

He dirigido y producido exitosos films como La ventana indiscreta (1954), Vértigo (1958), Psicósis (1960) o Los pájaros (1963), además de llegar a tener su propia serie televisiva llamada Alfred Hitchcock Presenta (de 1956 a 1958).

Psicósis es una adaptación del libro homónimo de Robert Bloch. Fue dirigida por Hitchcock y co-producida con la Paramount Pictures. El film, además de ser recordado por contener momentos memorables, se destaca por la perfección técnica de todos sus elementos: la escalofriante musicalización de Bernard Herrman, la fotografía en blanco y negro a cargo de John L. Russel, la particular mirada de su autor para con los hechos narrados, el perfil psicológico de los personajes (en especial el de Norman Bates, interpretado magistralmente por Anthony Perkins).

La trama cuenta la historia de una muchacha de Phoenix llamada Marion (Janet Leigh), quien roba una considerable suma de dinero en su trabajo con el fin de irse a vivir lejos con su amante (John Gavit). En la fuga, una noche lluviosa la encuentra decidiendo ir a dormir a un apartado motel de carretera. Norman Bates, el dueño del establecimiento, resultará ser un psicópata con transtornos de doble personalidad, en cuya mente se ha instalado la figura de su madre, a quien había asesinado años atrás en un claro conflicto edípico.

En un agobiante clima de suspenso/terror, Hitchcock aborda de manera subliminal dos de los tabúes más sólidos de la cultura occidental: el sexo y la relación madre-hijo (la imperiosa necesidad de liberación de los instintos y el cobijo maternal). En el caso de Psicósis, se funden estas incertidumbres y dan como resultado una película tan perturbadora como sublime.

Gabriel García Márquez "Cien años de soledad"

2010-04-28T16:17:00.000-07:00

Gabriel García Márquez es un novelista, escritor de cuentos, guionista y periodista colombiano, nacido en marzo de 1927en un pueblo de la costa atlántica de Colombia llamado Aracataca. Márquez es considerado uno de los autores literarios más importantes de la lengua española durante la segunda mitad del siglo XX, y en 1982 recibió el Premio Nobel de Literatura.

Antes de volverse escritor, comenzó la carrera de periodista mientras estudiaba derecho en la universidad. Entre 1948 y 1949 escribió para el diario El Universal de Cartagena. Desde 1950 hasta 1952, escribió una columna con el nombre de Septimus para el diario local El Heraldo de Barranquilla. Durante este tiempo se convirtió en un miembro activo del grupo informal de escritores y periodistas conocidos como el Grupo de Barranquilla, una asociación que fue una gran motivación e inspiración para su carrera literaria.

Márquez ha escrito varios libros que se volvieron clásicos absolutos (Relato de un náufrago de 1955, El otoño del patriarca de 1975, El amor en los tiempos de cólera de 1985), pero sin duda alguna su obra más reconocida es Cien años de soledad. Publicada en junio de 1967, la novela es uno de los libros más traducidos y leídos en español. Fue catalogada como la segunda obra más importante de la lengua castellana después de Don Quijote de la Mancha.

Cien años de soledad relata el origen, la evolución y la ruina de Macondo, un pueblo ficticio que había hecho su aparición en algunas novelas cortas que el autor había publicado con anterioridad. Narrada como una saga familiar, la historia de de los Buendía se extiende a lo largo de cien años, y cuenta con siete generaciones para hacerlo.

La crónica de familia Buendía esta plagada de sucesos que van desde lo fantástico, a lo trágico y lo divertido. Lo mismo con el pueblo de Macondo, que desde su fundación hasta su fin, representa el ciclo completo de una cultura y un mundo. El clima de violencia en el que se desarrollan sus personajes es el que marca la soledad que los caracteriza (todos los miembros de la familia Buendía parecen estar predestinados a padecerla; hasta el pueblo, que vive aislado de la modernidad), provocada más por las condiciones de vida que por las angustias existenciales del individuo.

Con este libro García Márquez nos enseña que lo maravilloso puede convivir con lo cotidiano y, a través de un lenguaje evocador y preciso, hace revivir lo inverosímil y lo reconvierte en verídico y poético. Esta posibilidad (de hacer compatibles lo cotidiano y lo poético) da lugar a una atmósfera mágica que atenúa la miseria social y humana, de forma que lo mágico subraya la dureza y desajusta la realidad que domina la vida cotidiana.

Corrosion Of Conformity "America's Volume Dealer"

2010-04-15T15:48:00.000-07:00

Comienzos de los 80, Carolina del Norte. Corrosion Of Conformity fue una de las primeras bandas que logró combinar el punk con el metal de una forma sobresaliente. Su sonido agresivo, letras inteligentes y el no tener miedo a evolucionar han hecho de este grupo uno de las más interesantes del heavy estadounidense.

El estilo de COC en sus inicios se acercaba al hardcore de la escuela de Black Flag, pero los elementos hard-rockeros y metaleros (Black Sabbath, Led Zeppelin, Mötorhead) empezaron a aparecer con más fuerza a partir de 1990 tras la incorporación de Pepper Keenan.

Lanzado en el 2000, America's Volume Dealer es sin duda su disco más sobresaliente. La banda (integrada por el antes mencionado Keenan en guitarra y voz, Woody Weatherman también en guitarra, Mike Dean en bajo y Reed Mullin en batería) consigue un equilibrio perfecto entre potencia y melodías.

El álbum está plagado de riffs que se mueven entre el trash y el stoner, aunque también se adentran por momentos en el rock sureño (ahí está Warren Haynes de The Allman Brothers Band y Gov't Mule como invitado para dar prueba de ello) sin perder su talante cañero.

El trabajo de las guitarras es soberbio, tanto en los solos como en las armonías... ni hablar de la la base rítmica, súper compacta y muy bien ejecutada. Con respecto a la voz de Keenan, sigue sonando tan parecida a la James Hetfield (o viceversa) pero con más mala leche.

Para ir cerrando diríamos que America's Volume Dealer es un disco exquisíto (tal vez el mejor de toda su discografía) y Corrosion Of Conformity una banda a la que se la clasifica dentro del género Metal, pero que tienen talento de sobra para conjugar sonidos de manera única.

Contactos de Cuarto Tipo

2010-04-14T14:43:00.000-07:00

Contactos de Cuarto Tipo es un thriller dirigido por Olatunde Osunsanmi y protagonizado por Milla Jovovich, el cual trata sobre unos extraños sucesos "aparentemente reales" ocurridos en un pueblo de Alaska en octubre del 2000.

Para los entendidos en materia OVNI, hay cuatro tipos de encuentros cercanos con extraterrestres: el primero es el avistamiento de una nave, el segundo es la prueba de su existencia, el tercerto el contacto, y el cuarto la abducción. La historia de la película gira alrededor de las investigaciones de la psicóloga Abigail Tyler, quien analiza a una serie de personas que sufren los mismos transtornos para dormir... pero que luego resultan ser traumas causados por las visitas de seres de otro planeta.

Este film se mueve entre la dramatización y los registros reales en video hechos por la Dra. Abigail durante varias de sus sesiones. Las imágenes documentadas son realmente perturbadoras, ya que podemos ver que los pacientes mediante hipnósis dan claras evidencias de abducción alienígena.

En ese escenario, la mujer encarnada por la actriz rusa irá descubriendo también inexplicables y misteriosas desapariciones, reportadas año tras año desde 1960, y que a pesar de las múltiples investigaciones del FBI, los casos siguieron sin resolverse.

Elias Koteas y Will Patton son algunos de los actores que acompañan a Milla Jovovich en esta realización que, sin duda alguna, será lo mejor del género (¿terror, suspenso, ciencia-ficción?) que nos ofrece el 2010.

Edgar Allan Poe "Narraciones Extraordinarias"

2010-04-14T14:38:00.000-07:00

Edgar Allan Poe fue un escritor, poeta, crítico literario y periodista estadounidense nacido en Boston, Estados Unidos, en enero de 1809. Poe es reconocido como uno de los maestros del relato corto y la novela gótica, recordado especialmente por sus cuentos detectivescos donde predomina el misterio y el terror piscológico.

Pero Poe no sólo le dio encanto y dimensión literaria al cuento, sino que escribió algunas de las piezas más representativas del género, muchas de las cuales perduraron a través del tiempo.

Narraciones Extraordinarias es un compendio de algunas obras cortas de Poe. Al leer este libro uno se pregunta si sería capaz de discernir la difusa frontera que separa la locura de la genialidad. El escritor poseía la cualidad -gracias a su prolijo y amplio léxico- de ubicarnos en historias plagadas de situaciones y personajes de oscuro tenebrismo.

La heterogeneidad de su estilo se enriquece a medida que uno avanza en la lectura de los cuentos; y aunque las historias son distintas entre sí, en todas sus narraciones se advierte un mismo denominador común que funciona a modo de eje argumental: misterio-intriga-terror.

Poe, a diferencia de otros autores románticos, tenía como peculiaridad una inmensa capacidad para desvirtuar la realidad de su entorno con grotesca luctuosidad. Característica que sin duda fue influenciada por su tortuosa vida y enriquecida con el goticismo de su pluma.

En resumen, leer Narraciones Extraordinarias es una invitación que Edgar Allan Poe nos hace para adentrarnos en un apasionante viaje por su enfermiza psique, además de ayudarnos a comprender la laberíntica complejidad de uno de los más grandes escritores de la historia.

Porco

2010-04-05T19:46:00.000-07:00

Pocas veces el nombre elegido por una banda define tanto el contenido de su propuesta. Porco era una de esas anomalías tan raras como bienvenidas dentro del rock nacional.

Formando con Gabo Ferro en voz, Sergio Alvarez en guitarra, Alejandro Goyeneche en bajo y Arnaldo Taurel en batería, Porco fueron más alternativos que toda la movida alternativa junta. Ellos tocaban un hardcore potente, aspero, visceral, con letras bien nihilístas y escatológicas (que mencionan constantemente palabras como "mierda, "concha", "pija", "himen", "puto", "muerto", "chupo"), además de optar por la independencia discográfica.

Porco se movía en la línea de bandas alternativas con un alto grado de musicalidad; por ello no es de extrañar que encontremos pasajes en sus canciones que nos recuerden a King Crimson, Jane's Addiction, Primus o Mr Bungle. Buena parte de esa responsabilidad creativa recae sobre Sergio Alvarez, un guitarrista virtuoso y original que no teme meterse en métricas irregulares y arreglos complejos, incursionando también con instrumentos más inusuales dentro del rock (como la sitára o el clarinete).

La base rítmica es otro logro considerable; Goyeneche y Taurel suenan aceitadísimos tocando notas que pasan del hardcore más descarnado a rítmos funk o hasta dub. Pero sin duda, la frutilla de la torta era el talentoso Gabo, quien con su amplio y peculiar caudal de voz vociferaba chillidos agudos -extraños y molestos- que iban saltando sobre un manto de riffs abrasivos y grooves musculosos, sin tratar de llegar a ningún lado pero consiguiendo un efecto bien determinado: exasperar al oyente.

A parte del plantel estable, aparecen invitados como los saxofonistas Sergio Dawi (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota) y Damián Nisenson (Los Twist), quienes colorean el sonido de algunas canciones. Este debut autotitulado no es una obra para gente impresionable, prejuiciosa, pacata o recatada, y por lo tanto es un disco no apto para una compañía multinacional. Porco era una innovadora banda más que recomendable para gente que buscaba nuevas experiencias (musicales y de cualquier tipo).

Como último detalle podría destacar la portada del disco, una lluvia de fármacos como imagen ideal para el concepto del disco: pura química sin nada de piedad.

Moebius

2010-04-05T11:21:00.000-07:00

Moebius es una interesante película de ciencia-ficción realizada por Gustavo Mosquera y un grupo de alumnos de la Universidad de Cine de Buenos Aires, allá por 1996. De los trabajos de guión, pre y post-producción, montaje, iluminación y demás tareas, participaron 35 ex-alumnos de cine, que cuando comenzaron con el proyecto estaban a punto de recibirse.

Protagonizada por Guillermo Angelelli, Roberto Carnaghi y Jorge Petraglia, Moebius tuvo un costo de producción que no superó los 250 mil pesos. La trama está inspirada en un libro del escritor A.J. Deutsch, el cual plantea "La hipótesis Moebius"; algo así como viajar dentro del universo prescindiendo del tiempo y el espacio. Según Deutsch, el Moebius es como un gigantesco ocho horizontal, una espiral que está unida desde el principio al fin, donde el alfa y el omega se fusionan en el infinito inconmensurable de los ciclos de dicha espiral.

Volviendo a la película, esta nos narra sobre un tren subterráneo de la ciudad Buenos Aires que desaparece misteriosamente dentro del circuito cerrado de vías. A este hecho, le siguen otros igual de extraños: ruidos de un vagón que nunca llega, túneles que se recorren sin antes ser vistos, una persona que desaparece. En medio de esta incertidumbre, un matemático comenzará a investigar el caso, deduciendo que, a consecuencia de los múltiples cruces de vías, estas han creado una especie de lazo que interconecta con otra dimensión...

La pregunta que es: ¿Pueden las matemáticas dar respuesta a tales sucesos? Y estando bajo tales condiciones, ¿hay alguien dispuesto a escucharla? Por lo demás, la película se muestra como una excitante historia que intriga y atrapa a todo momento, con un fondo fantástico que no precisa de efectos especiales para lograr casi una obra maestra.

Jorge Luis Borges "Ficciones"

2010-03-30T21:05:00.000-07:00

Jorge Luis Borges fue un escritor nacido en agosto de 1899 en Ginebra, pero se crió en el barrio porteño de Palermo. Borges es uno de los autores literarios más destacados del siglo XX. Escribió numerosos ensayos, cuentos y poemas que son considerados obras fundametales no sólo de la literatura sino también del pensamiento humano. Sus libros han sido objeto de minuciosos análisis, debido a su carácter que trasciende cualquier clasificación.

Uno de sus trabajos más celebrados es Ficciones. Publicado en 1944, este libro de cuentos fue la primera obra importante de Borges. Obtuvo cierto reconocimiento tanto en Argentina como en el extranjero, llevándose el Gran Premio de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores -hecho que le abrió las puertas a su autor para el prestigio creciente que atesoraría más tarde-.

De Ficciones sólo se puede decir que es un libro increíble. Hay quienes afirman que se debe leer a Borges una vez en la vida, por lo menos, porque de sus obras se extraen conocimientos que no se pueden sacar de ninguna otra parte. Borges era un hombre con características particulares, resumir su obra en tan pocas líneas es una tarea difícil; lo mejor es leerlo.

El escritor vivió obsesionado por ciertos tópicos (como los sueños, la muerte, el tiempo, la eternidad) que reiteró hasta la saciedad en muchas de sus obras. Estos aparecen, una y otra vez, en algunos de los cuentos de Ficciones; al punto de producir en el lector la impresión de estar leyendo variaciones de un mismo tema... aunque ese detalle no le resta magia y genialidad a la obra.

Quizás la mayor virtud de este escritor no fue crear un estilo propio, sino innovar sabiendo jugar con los textos. Borges nunca se dejó atrapar en las formas clásicas del cuento. Todo lo contrario, las cambió y manipuló a su antojo, transformando las historias en adivinanzas o jeroglíficos que mueven al lector a involucrarse.

En pocas palabras, Ficciones nos proporciona, además de una visión intelectual, una mirada distinta y surrealista sobre la realidad y el mundo que conocemos.

The Velvet Underground "The Velvet Underground & Nico"

2010-03-19T19:58:00.000-07:00

The Velvet Underground fue una banda de rock alternativo nacida en 1965, en la ciudad de Nueva York. La conformaban Lou Reed (voz y guitarra), Sterling Morrison (guitarra), John Cale (bajo, órgano, viola eléctrica) y Maureen Tucker (batería). Duraron pocos años y nunca alcanzaron el éxito comercial, pero a pesar de ello son considerados "grupo de culto" y uno de los más influyentes de la historia del rock.

Así las cosas, un año y medio después empezaron a trabajar en las canciones de lo que sería su disco debut. En ese proyecto, y por sugerencia del artista plástico Andy Warhol (especie de padrino de la banda, y diseñador de la famosa portada de la banana), también se les unió una cantante, actriz y modelo alemana llamada Christa Päffgen, mejor conocida como Nico.

De esta manera, en mayo del 67 vió la luz The Velvet Underground & Nico, álbum pionero en experimentar con lo que se conoce como avant-garde y noise dentro del rock.

Uno de los factores más interesantes -además del aspecto visual del grupo con esas ropas de cuero, los lentes oscuros, los bailarines y las proyecciones psicodélicas en sus shows- eran las letras de las canciones: todo un universo personal de marginados, yonquis, prostitutas y homosexuales, en el que no hay mayor esperanza que la heroína corriendo por las venas.

The Velvet Underground (nombre que proviene del título de un libro sobre prácticas sadomasoquistas) le cantan a la desesperación del individuo ante una realidad cruel en la que las ilusiones desaparecen dejando paso a un dolor intenso en el que la droga se eleva como único pecado redentor.

En definitva, un disco clásico e imprescindible del rock, que escucha tras escucha te deja la sensación de ser una dolorosa cicatriz en el alma hecha arte.

The Truman Show

2010-03-19T13:19:00.000-07:00

Peter Weir es un director de cine nacido en Sidney, Australia, en agosto de 1944. Ha dirigido algunas películas que tuvieron cierto renombre, como el caso de: La última ola (1977), Testigo en peligro (1985) o La sociedad de los poetas muertos (1993). The Truman Show es otro film de Weir, estrenado en 1998, obtuvo tres nominaciones al Oscar (mejor director, mejor actor de reparto y mejor guión original).

La película cuenta la historia de Truman Burbank (Jim Carrey), un vendedor de seguros que lleva una vida apacible junto a su bella esposa Meryl (Laura Linney) en el pueblo de Seaheaven. Pero algunos extraño sucesos comienzan a alertar a Truman sobre la realidad que lo rodea. Truman es sin saberlo el protagonista de un programa de televisón desde que nació, transmitido en todo el mundo las 24 horas del día.

Truman es filmado a través de miles de cámaras ocultas, permitiendo que se logre captar sus emociones y comportamiento ante determinadas situaciones de su vida que también están guionadas. Es que hasta Seaheaven es un set entero construido bajo una cúpula gigante y poblado por actores principales, secundarios e innumerables extras, además del equipo técnico, lo que permite controlar cada aspecto de la vida de Truman. La corporación que promueve el show, y a la que Truman pertenece en términos legales, es un monopolio omnipotente manejado por un frío empresario mediático llamado Christof (Ed Harris).

Sin embargo, y a pesar del control de Christof, Truman conoce a una chica llamada Lauren (Natascha McElhone) -que había sido contratada por la producción del programa en su momento como extra- y se enamora de ella. Posteriormente, Lauren es separada de la serie con la excusa de que su padre no aprueba la relación, pero ésta antes de ser llevada le advierte a Truman que el mundo que lo rodea es artificial y que se trata de un show de televisión visto a nivel mundial. Poco a poco Truman comienza a darse cuenta de que esto es cierto y quiere escapar.

The Truman Show supone una reflexión sobre las maneras en que la sociedad se deshumaniza. Pues no sólo la víctima en esta película es Truman, sino todos esos espectadores que carecen de existencia particular y que pasan sus vidas sufriendo y riéndose ante el televisor.

Roberto Arlt "Los siete locos"

2010-03-17T08:24:00.000-07:00

Roberto Arlt fue un novelista, cuentista, dramaturgo y periodista argentino nacido en Capital Federal, Buenos Aires, en abril de 1900. Arlt era hijo de una pareja de inmigrantes (un prusiano y una italiana) recién llegados al país, y su infancia trancurrió en el barrio porteño de Flores.

Sus relatos mostraban la Argentina de principios de siglo, donde los inmigrantes européos recien llegados -como sus padres- intentaban insertarse en un medio social regido por la desigualdad y la opresión. Arlt ha escrito una serie de obras que han sido elogiadas tanto por amantes de la literatura como por pares de la talla de Julio Cortázar. Algunos de estos libros fueron llevados tanto al teatro como al cine (véase el caso de El juguete rabioso, Los siete locos, Trescientos millones y Saverio el cruel).

Los siete locos cuenta la historia de Remo Erdosain, un hombre desquiciado al que han delatado por robar en la empresa azucarera en la que trabaja. El director de la empresa le obliga a devolver inmediatamente lo sustraído, pero Erdosain se lo ha gastado. Así que no le queda más remedio que pedir esa cantidad para no ser denunciado.

El primo de su esposa, Barsut, un hombre al que odia profundamente pero a la vez es la persona más cercana que tiene, le niega la ayuda económica. Remo va a casa del Astrólogo, un amigo, y este le dice que tampoco puede ayudarle, pero le explica de paso un proyecto a futuro que se trae entre manos.

El Rufián Melancólico, proxeneta amigo del Astrólogo que se encuentra en ese momento en casa de éste, le da el dinero sin pensarlo. Erdosain entonces presta atención al proyecto que el Astrólogo y el Rufián quieren llevar a cabo: una especie de grupo revolucionario que llegue al poder y pueda hacer y deshacer a su antojo. Para ello deben convencer a la población con engaños, hacerles creer que sea cual sea su sueño, ellos pueden proporcionarselo. Además, el sustento económico de este grupo sería una cadena de prostíbulos.

Cuando Erdosain regresa a su casa, se encuentra a su esposa y a un militar de aviación, que le comunican que ambos se aman y su mujer lo termina abandonando. A partir de ahí, Erdosain se une a la sociedad del Astrólogo con otros personajes igual de disparatados que él.

Los siete locos está plagado de monólogos interiores que conllevan a sus protagonistas a reflexiones disparatadas y lúcidas por igual, en donde se plantea la locura absoluta de la sociedad, la crueldad del capitalismo, la frialdad de la industria y sus máquinas tecnológicas, contrastando a éstas últimas con las cuestiones morales, la soledad, la angustia ante el sinsentido de la vida y la desolación de la muerte.

En este libro Arlt incursiona más que nunca en tribulaciones metafísicas de orden universal. De hecho, hay quienes han señalado en esta obra la influencia del filósofo ruso Fedor Dostoievski, al punto de apodar a Arlt "el Dostoievski porteño".

Lovage "Music To Make Love To Your Old Lady By"

2010-03-09T09:52:00.000-08:00

Lovage es un proyecto musical de trip-hop creado en 2001 por el productor Nathaniel Merriweather, más conocido como Dan The Automator -ha trabajado en discos de Gorillaz, Primal Scream, Eels, Jon Spencer Blues Explosion, entre otros- junto a los vocalistas Mike Patton (Faith No More) y Jennifer Charles (Elysian Fields). El resultado fue un disco registrado ese mismo año que se titula Music To Make Love To Your Old Lady By.

La responsabilidad compositiva de Lovage recae en su mayoría sobre Merriweather. Pero el atractivo principal del disco son, sin duda alguna, los duetos realizados por la sensual Jennifer Charles y el desquiciado Mike Patton, quienes ofrecen una suerte de manual de las relaciones carnales arropado por música soul.

Todos los tópicos del goce y la miseria humana son tratados por la pareja: fantasías, dobles sentidos, deseos reprimidos, perversiones, celos, desengaños, prostitución, aburrimiento, interpretaciones freudianas...

Patton se desenvuelve en plan de playboy en bata, frente al tono de gatita retozona de la Charles. El dúo canaliza una pulsión sexual teatralizada hasta el extremo a lo largo de los temas donde ambos simulan (gemidos incluidos) encuentros algo más que románticos.

Mención aparte merecen los temas que cantan por separado ambos vocalistas como también los instrumentales ejecutados por Dan The Automotor y el dj Kid Koala, que hacen que muevas el pie al ritmo de los loops y samples durante todas las canciones. El resto de los músicos participantes en Music To Make Love To Your Old Lady By son gente de la talla de Damon Albarn, Afrikka Bambaata y Prince Paul, todos viejos conocidos de Dan The Automotor.

En conclusión, el disco ideal para seducir a una mujer (como afirmaba el mismo Patton), con una producción impecable que exuda buen gusto y sexo por doquier.

Carlito's Way

2010-03-09T09:35:00.000-08:00

Brian De Palma es un reconocido director de cine y guionista nacido en septiembre de 1940 en Nueva Jersey, Estados Unidos. Descubrió su pasión por el septimo arte (mirando películas de Alfred Hitchcock, Roman Polanski y Jean-Luc Godard) mientras cursaba la carrera de Física. Así fue que desde 1962 hasta 1964 se volcó de lleno a estudiar arte dramático en Nueva York, dirigiendo luego varios cortos.

De Palma es hoy en día uno de los cineastas más importantes del mundo, sus exitosas obras incluyen películas como: Carrie (1976), Scarface (1983), Los Intocables (1988) y Carlito's Way (1993).

Carlito's Way es una película sobre gangsters, basada en dos novelas de Edwin Torres. La adaptación del guión fue escrita por David Koepp y entre sus protagonistas están Al Pacino, Sean Penn, Penelope Ann Miller, John Leguizamo, Jorg Porcel y Viggo Mortensen.

El film narra la historia de Carlitos Brigante, un ex-traficante de heroína puertorriqueño que sale de la cárcel después de cinco años de condena con ansias de corregir su vida. Uno de los principales motivos de ese cambio es Gail, una bailarina con la que está relacionado amorosamente. Sin embargo, su barrio, sus antiguas amistades, su abogado... todo se confabula para que a Carlitos se le haga defícil poder escapar de su pasado.

El film entero está impregnado de un aire melancólico que se potencia con la estética (setentera y decandente) del Harlem hispano de Nueva York. La mayor parte de la trama se desarrolla en ambientes nocturnos (bares, callejones), y sobre todo en el inefable club "El paraíso" -siempre atestado de matones, dealers y prostitutas-, sitio en el que Carlitos trabaja para poder reunir el dinero suficiente con el cual irse a las Bahamas. Y es precisamente ahí donde Brigante, aun sin querer, dá cada uno de los pasos para poder concretar su sueño.

Es para destacar, más allá de las geniales actuaciones, la labor de De Palma, quien supo aportarle al film un collage de sensaciones que van de tensión e intriga a momentos románticos. En resumidas cuentas, toda una joya de los años '90.

Julio Cortázar "Bestiario"

2010-03-05T13:14:00.000-08:00

Julio Cortázar fue un escritor argentino nacido en Bruselas (Bélgica), en agosto de 1914. Se le considera uno de los autores más innovadores y originales de su tiempo, maestro del relato corto y la prosa poética.

Escribió importantes libros (Bestiario, Las armas secretas, Rayuela, entre otros) que inauguraron una nueva forma de hacer literatura en Latinoamérica, rompiendo los moldes clásicos mediante narraciones que escapan de la linealidad temporal y donde los personajes adquieren una autonomía y una profundidad psicológica pocas veces vista hasta ese entonces.

Vivió buena parte de su vida en París, ciudad en la que se estableció -y ambientó algunas de sus obras- en 1951, y donde finalmente murió. Estudió y se graduó en la Escuela Normal de Profesores Mariano Acosta como Maestro Normal en 1932 y Profesor Normal en Letras en 1935. También cursó en la Universidad de Buenos Aires la carrera de Filosofía, y por problemas económicos en su casa comenzó a dictar clases en Bolívar y Chivilcoy (lugares donde vivió en pensiones aprovechando todo el tiempo libre para leer y escribir).

Bestiario es su primer libro de cuentos publicado en 1951. Está compuesto por ocho historias en las que el escritor maneja un registro narrativo que se mueve entre lo real y lo fantástico, dejando entrever rasgos de la vanguardia surrealista en su escritura. Sorpresa e incomodidad son, en cada texto, un condimento que se agrega a la lectura del mismo.

Cortázar habla en estos cuentos de una realidad que no es simple, cada cosa parece tener otra faz... un reverso. Bueno, justamente, esa es la tarea que emprenderá el lector con este libro, ver "el otro lado" de las cosas.

Pappo's Blues "Vol. 3"

2010-03-01T13:41:00.000-08:00

Norberto "Pappo" Napolitano nació en el barrio porteño de La Paternal en marzo de 1950 y fue uno de los fundadores -a fines de los años 60- de lo que se conoce como rock nacional en Argentina. Pappo era cantante, guitarrista y compositor de hard-rock y blues. En sus inicios militó brevemente en agrupaciones como Los Gatos y Los Abuelos de la Nada, pero entrados los 70 fundó Pappo's Blues.

Formando originalmente con David Lebón en bajo y Black Amaya en batería, Pappo's Blues tocaban blues-rock (estilo musical que practicaban monstruos como Jimi Hendrix, Led Zeppelin o Cream) y registraron su álbum debut en 1971. El segundo llegó un año después, precisamente en 1972, pero esta vez la alineación ya era otra.

Así las cosas, para el tercer álbum, Pappo tuvo que conseguir nuevos compañeros de ruta que encontró en Carlos "Machi" Rufino (bajo) y Héctor "Pomo" Lorenzo (batería), quienes al año siguiente formarían Invisible junto a Luis Alberto Spinetta.

Apenas veintiocho minutos le alcanzan a Pappo para establecer un nuevo clásico del rock de los 70 y, por qué no, uno de los mejores discos del rock nacional. Su calidad como instrumentista sobresale más que nunca en Vol. 3, dejando en claro porque se lo considera toda una leyenda y ejemplo a seguir por cualquier aspirante a guitarrista.

Vol. 3 está lleno de pasión, fuerza y sentimiento. Aquí hay de esas canciones que trascienden el olvido. Quizás uno de los factores que más contribuyeron a eso es -a parte de esos inolvidables riffs y solos- la tremenda base rítmica conformada por Machi y Pomo, que suena más que ajustada. Pappo, además, se revela como un letrista crudo (a pesar de ser rústico a la hora de escribir) que ataca a la sociedad de consumo y las actitudes discriminatorias hacia su estilo de vida e imagen rea.

Clásico, furioso, personal, único. Pappo's Blues logra con Vol. 3 un pico de profesionalidad y estilo merecedor de la medalla de oro. Un perfecto compendio entre blues y rock pesado.

El Proyecto la Bruja de Blair

2010-02-28T06:48:00.000-08:00

El Proyecto la Bruja de Blair es un ingenioso film estadounidense de 1999. Fue dirigido y escrito por dos jóvenes directores debutantes llamados Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. La película se mueve dentro de la tendencia cinematográfica conocida como mockumentaries, o falsos documentales, que aprovechan los borrosos límites entre la realidad y la ficción. Claro que no se trata de una novedad (ya la practicó el director italiano Ruggero Deodato en 1980 de la mano de la controversial Holocausto Caníbal). Lo que hicieron Daniel Myrick y Eduardo Sánchez es combinarla con un género que todavía goza buena salud: el terror-suspenso.

La historia se centra en una cinta de video encontrada en una cámara procedente de un documental rodado en 1994 por tres jóvenes estudiantes de cine, que se adentraron en los bosques de Maryland con el objetivo de investigar la leyenda local de La bruja de Blair. Mediante una intensa y efectiva campaña publicitaria (decían que se trataba de un documental real y había páginas dedicadas a "encontrar" a los protagonistas), el film se estrenó en Estados Unidos a mediados de julio de 1999 y alcanzó la extraordinaria cifra de 140 millones de dólares de recaudación. Tiempo después, no tardaron en revelar a los medios que se trataba de un film de ficción y que sus protagonistas eran actores desconocidos que habían empleado sus verdaderos nombres para dar mayor realismo a la trama.

Digamos que la película desde el comienzo te atrapa, con esa pantalla oscura donde aparece la inscripción "En octubre de 1994, tres estudiantes de cine desaparecieron en los bosques de Burkittsville, mientras grababan un documental. Un año mas tarde esta cinta fue encontrada.". De esta manera se prepara al espectador para lo que viene, es decir, para las imágenes de ese supuesto documental que, en condición de tales, no son prolijas ni profesionales.

Estos tres estudiantes habían decidido crear un proyecto para presentarlo en su clase de cine, con el nombre de "El Proyecto la Bruja de Blair", que contaba con una serie de entrevistas a los residentes del pueblo de Burkittsvile. Dos residentes les narran la historia de un ermitaño que secuestró a siete niños y los llevó a su casa en el bosque entre 1940 y 1941; allí condujo a los niños hasta el sótano de a dos, matando a uno mientras el otro estaba parado de cara a la pared. Tras matar a los niños, el asesino finalmente se entregó a la policía, diciendo que el espíritu de una anciana le pidió que cometiera los crímenes. Esta señora, muerta en el siglo XVIII, fue el desencadenante de una serie de eventos extraños que marcaron a dicho pueblo durante siglos.

Una vez hechos los reportajes, el trío se interna en la espesura para tomar imágenes in situ. Por cierto que ya no saldrán de allí. Llevan una cámara de 16 milímetros, con rollo blanco y negro, para la película, y otra de video para los entretelones de la filmación. La combinación de ambas redunda en un collage de tonos y texturas sugestivo e inquietante. La pérdida del mapa de ruta y el descubrimiento de misteriosas señales comienza a incrementar las tensiones y angustias en el grupo hasta niveles intolerables. Extraviados en el bosque (factor decisivo en la película), vagan sin rumbo cierto y pronto comienzan a encontrar indicios de que alguien -o algo- los sigue y los acosa por las noches.

Para cerrar diría que El Proyecto la Bruja de Blair se ha convertido en uno de los fenómenos más particulares del cine de los últimos tiempos, ya que con un escaso presupuesto ha logrado desbancar de los primeros puestos de taquillas a las costosas superproducciones hollywoodenses.

Carl Gustav Jung "Las relaciones entre el yo y el inconciente"

2010-02-27T12:27:00.000-08:00

Carl Gustav Jung nació en julio de 1875 en una pequeña localidad de Suiza llamada Kesswil. Fue un médico psiquiatra, psicólogo y ensayista, figura clave en la etapa inicial del psicoanálisis y posteriormente fundador de la escuela de Psicología analítica.

Aunque en un principio había elegido como carrera la arqueología, se decidió luego por medicina estudiando en la Universidad de Basel. Allí conoció al famoso neurólogo Kraft-Ebing, y llegó a trabajar para él. Gracias a la influencia del mismo, comenzó a estudiar psiquiatría. Poco después de su licenciatura, se estableció en el Hospital Mental de Burghoeltzli de Zurich bajo la tutela de Eugene Bleuler, padre y conocedor más importante de la esquizofrenia.

Jung era seguidor del trabajo de Sigmund Freud, a quien por fin conoció en Viena en 1907. De este encuentro nació una amistad y colaboración mutua (se dice que Freud consideraba a Jung como el príncipe de la corona del psicoanálisis y su mano derecha) que llegó a su fin dos años después como fruto un libro publicado por Jung en el que sugería que las tesis de Freud eran en parte equivocadas.

Lo cierto es que Jung fue un pionero de la psicología profunda. Su trabajo teórico y clínico era precisamente sobre la conexión que se da entre la estructura de la psiquee y la de sus productos (es decir, sus manifestaciones). Esto le impulsó a incorporar en su metodología elementos de la antropología, la alquimia, el arte, la mitología, la religión y la filosofía.

Las relaciones entre el yo y el inconciente es un hito fundamental en la historia de la psicología analítica, y revela los cimientos sobre los cuales se construye la mayor parte de la labor de Jung. El libro fue objeto de una notable cantidad de revisiones durante el siglo XX, y cada una de ellas arrojaba un nuevo desarrollo del pensamiento jungiano acerca del inconsciente.

Aquí Jung se dedicó a la exploración del "espacio interno", basándose en los antecedentes de la teoría freudiana, pero también incluyendo su vasto conocimiento en el simbolismo de tradiciones místicas complejas tales como: gnosticismo, sueños, alquimia, cábala, hinduismo y budismo.

Pero Jung no se quedó sólo con el aspecto de la busqueda personal en el hombre como indivíduo, sino que podemos considerar que su principal interés se valió de este estudio para profundizar en la psique colectiva. Es que si del estudio de la psique individual nació el concepto del proceso de individuación (la persona nace, crece y se desarrolla hasta llegar a ser ella misma), en el campo de la psicología de culturas Jung aportó dos de los más conocidos conceptos que llegaron a incorporarse incluso al lenguaje popular: el inconsciente colectivo y los arquetipos.

En difinitiva; si hubo una persona que tenía conocimiento del inconsciente y sus hábitos para expresarse de forma simbólica, éste era Carl Gustav Jung.

Satyricon "Now, Diabolical"

2010-02-24T06:30:00.000-08:00

Satyricon es una banda noruega de Black Metal formada en 1990. Está integrada por el cantante, guitarrista y compositor Satyr Wongraven (que además toca bajo y teclados) y el baterista Frost. El grupo está considerado como uno de los pioneros de la "segunda ola del black metal noruego" junto con Darkthrone (a quienes Satyr ayudó a escribir canciones y les produjo algunos discos a través de su sello discográfico Moonfog).

La cuestión es que Satyricon siempre ha sido una de las bandas clásicas del black más abiertas a los cambios. Como prueba de ello podemos echar un vistazo a algunos de los discos de este dúo: si en Dark Medieval Times (1993), The Shadowthrone (1994) y Nemesis Divina (1996) Satyr y Frost nos brindaban un magnífico black metal en el cual la presencia de guitarras acústicas y algún que otro arreglo orquestal dotaban a las composiciones de un escalofriante aire medieval, fue a partir de Rebel Extravaganza (1999) que la banda se decantó por una propuesta más guitarrera, apartándose de su faceta épica y potenciando al máximo su costado rockero.

Para su siguiente obra, el tan criticado como venerado Volcano (2002), la banda optó por el sonido más cañero y ortodoxo de toda su carrera, donde los guitarrazos de manga ancha se mezclaban con la ponsoñoza voz de Satyr y los machacones ritmos de batería para confeccionar un álbum repleto de furia y calidad. Así las cosas, llega el año 2005 y Satyricon nos trae otro descomunal álbum llamado Now, Diabolical... que viene a ser la continuación lógica de su antecesor.

La canción que abra la placa y le da el nombre al disco es simplemente perfecta. Por no hablar del segundo track, que tiene uno de esos riffs que dentro de 20 años harán que se te mueva sola la cabeza, para levantar la mano con el dedo meñique y el índice automáticamente. Quizá de buenas a primeras algunas de las composiciones puedan parecer excesivamente largas y repetitivas en su estructura, pero es que la gracia reside precisamente en esa cruda reincidencia.

El álbum posee una contundencia rítmica y unas guitarras musculosas que ríanse ustedes de los grupos de sludge más gruesos, y es de esa contundencia donde las composiciones ganan su encanto. Y si algo no le falta a los temas es batería, muy a pesar de los ritmos, pues Frost siempre se ha caracterizado por aporrear los tambores con una brutalidad innata y destrozar el doble bombo sea cuál sea la velocidad a la que esté tocando.

Satyricon consigue recrear brutalidad sin desplegar todas las cartas del extremismo, erigiéndose como una pieza indispensable dentro del género Metal. Esta característica se deja ver en algunos pasajes del disco donde hay una sección de vientos que encaja como anillo al dedo para acrecentar ese aire ocultista que su música pretende, pues la temática de las letras está inspirada en las oscuras tradiciones de la historia, especialmente en la misteriosa simbología que rigió a algunas sociedades secretas.

Now, Diabolical es un disco con el que acercándote a su final uno logra entender que estos noruegos respiran y destilan oscuridad, sin hacer referencia constantemente a tiempos medievales o a ancestrales ritos en los bosques. Y eso ya es mucho.

La Pasión de Cristo

2010-02-24T06:26:00.000-08:00

Mel Gibson es un reconocido actor estadounidense nacido en enero de 1956 en Australia. Se hizo famoso por pratagonizar películas que tuvieron un gran éxito de taquilla. Entre ellas están la serie que hizo con Mad Max (1979, 1981 y 1985) y Arma Mortal (1987, 1989, 1992 y 1998), El Hombre Sin Rostro (1993), Maverick (1994), Corazón Valiente (1995), El Rescate (1996), El Patriota (2000), Lo Que Ellas Quieren (2000) y Señales (2002). Pero fue en el 2004, que dirijió y produjo La Pasión de Cristo, película que relata las últimas doce horas de vida de Jesús de Nazaret.

Protagonizada por Jim Caviezel, Monica Belluci, Maia Morgenstern, Hristo Shopov y Rosalinda Celentano, La Pasión... recrea los eventos que se sucedieron desde el momento en Jesús (Caviezel) acude al Huerto de los Olivos con los Apóstoles a orar tras la Última Cena. Así es que debe enfrentarse a las tentaciones de Satanás (Celentano) y sufrir la traición de Judas Iscariote (Luca Lionello), siendo arrestado y llevado a juicio por blasfemia.

Jesús es presentado ante Poncio Pilatos (Shopov), el gobernador romano de Judea, quien escucha las acusaciones levantadas contra él y se da cuenta de que se trata de un conflicto político, delegando el asunto en el rey Herodes que no tarda en devolverlo a las autoridades para que se ocupen del asunto. De nuevo ante Pilatos, éste ofrece al pueblo la oportunidad de elegir a quién liberar: a Jesús o al asesino Barrabás. La multitud elige a Barrabás y condena a Jesús, que es puesto en manos de los soldados romanos es flagelado como castigo. Pilatos trata de hacer ver a la multitud que el castigo ya ha sido suficiente, pero los judíos no lo consideran así, entonces ordena a sus hombres cumplir los deseos del pueblo y Jesús es condenado a muerte.

Es así que Jesús deberá cruzar las calles del pueblo cargando con la cruz por el camino del Calvario, lugar en el que será crucificado. Allí, clavado a la cruz, superará la última tentación: el temor a ser abandonado por su Padre.

La película tiene una particularidad el haber sido rodada en latín, hebreo y arameo -las mismas lenguas que se hablaban en tiempos de Jesucristo- con subtítulos. Desde su estreno, La Pasión de Cristo desató mucha polémica, y más entre la comunidad judía, quienes la declararon "antisemita"; hecho que estuvo motivado principalmente por las violentas escenas que se dan a lo largo del film.

Como curiosidad podríamos citar que la película le fue proyectada al Papa Juan Pablo II, quien declaró que "así ocurrió", y la posición de la Iglesia Católica ha sido favorable.

En resumidas cuentas, una gran película religiosa y humana... bien lograda y que llega al espectador, con ambientación de época y actuaciones que gustarán a todos, no sólo a creyentes.

Alejandro Dolina "Crónicas del Ángel Gris"

2010-02-21T07:55:00.000-08:00

Alejandro Dolina es un famoso escritor y conductor de radio argentino nacido en Baigorrita, Provincia de Buenos Aires, en mayo de 1944.

Ha estudiado Derecho, Música, Letras e Historia, pero en 1985 debutó condiciendo un programa emitido en Radio El Mundo llamado Demasiado tarde para lágrimas -el cual un tiempo después pasaría a Radio Rivadavia-. Luego llegaría el turno de La venganza será terrible, programa que se ha transmitido a través de los años por Radio Continental, Radio Del Plata, Radio 10 y LRA Radio Nacional, considerado ya un clásico de la radiofonía argentina y con el cual Dolina ganó en 1991 un premio Konex al mejor conductor.

Fue para 1988 que Alejandro publicó su primer libro con el título de Crónicas del Ángel Gris (a este le siguieron El libro del fantasma de 1999 y Bar del Infierno de 2005). El mismo, está compuesto por relatos que en su mayoría habían aparecido anteriormente en la revista Humor.

Crónicas del Ángel Gris esta compuesto por varias historias que giran en torno al Ángel Gris, un personaje imaginario que reparte sueños en el barrio porteño de Flores. Allí se enfrentan en su interpretación del mundo y del papel de nuestra existencia, dos grupos antagónicos: Los Hombres Sensibles de Flores y Los Refutadores de Leyendas. Los primeros son seres soñadores por naturaleza y los movilizan las ilusiones, el amor y la sabiduaría; en tanto sus oponentes desprecian lo ilusorio, aspiran a un mundo sin misterio ni imaginación, puramente racionalista.

Los Hombres sensibles añoran el pasado y se regodean en él, sabiendo que en el futuro está la muerte. Para los Refutadores el pasado es despreciable y el futuro representa el progreso. Y en el medio de ambos aparecen otros, maravillosamente retratados por Dolina y que nos presentan una interpretación profunda de hechos cotidianos y con los que el lector puede sentirse plenamente identificado. Y todo aderazado con un refinado sentido del humor y agudas reflexiones filosóficas.

Cada crónica narrada, trae inevitablemente, nostalgias de la infancia, los juegos, el primer amor, los amigos, los sueños, la inocencia... El Ángel Gris, que apenas se nombra en todo el libro, sin embargo está presente en cada relato, como protector de los Hombres Sensibles y objeto de broma de Los Refutadores de Leyendas, tan vigentes en los tiempos de hoy.

Para ir cerrando, es con este libro que Dolina nos acerca sus profundas y poéticas visiones sobre el amor, la amistad, el arte, los sueños, el recuerdo, el olvido, la tristeza, la alegría, la magia, la vida y la muerte. Una obra difícil de definir pero que envuelve, en forma de cuentos y cartas, a modo de leyendas populares y con un tono a veces de barrio.

Machines Of Loving Grace "Concentration"

2010-02-19T12:42:00.000-08:00

Machines Of Loving Grace fueron una banda de rock industrial oriunda de Arizona. La misma se formó en 1989 con Scott Benzel en voces, Stuart Kupers en guitarra y bajo, Mike Fisher en teclados y programaciones, y Brad Kemp en batería. El nombre del grupo lo tomaron de un poema del escritor Richard Brautigan.

Machines Of Loving Grace editaron tan sólo tres discos de estudio -Machines Of Loving Grace (1991), Concentration (1993) y Guilt (1995)- y luego se separaron allá por 1997. La cuestión es que eran una de las bandas más interesantes del rock industrial y el rock alternativo de los '90, aunque tampoco llegaron a una masividad (con excepción de "Golgotha Tenement Blues", tema incluído en la banda sonora de la película El Cuervo, que gozó de cierto reconocimiento) significativa.

Su propuesta mezclaba ritmos mecanizados con furtivas guitarras, de hecho hay quienes encuentran reminicencias en su música a los primeros Nine Inch Nails. La diferencia con el grupo de Trent Reznor es que la música de MOLG no refleja violencia y abstracción de manera tan extrema... En especial este disco, que es una unidad compacta con registros muy oscuros (tanto en música como letras), pero en los cuales hay un gran sentido melódico.

Concentration es un disco que posée una elegancia desbordante. La tecnología y fuerza es equilibrada a la perfección para dar una colección de 12 magnificas canciones que se ajustan a una combinación entre rock industrial y sutiles toques góticos, sonando muy dinámicos y frescos para el oido.

El atractivo principal son esas guitarras punzantes que se conjugan de mil maravillas con la base rítmica y los teclados (que hacen un buen contraste con los momentos más oscuros y fríos). Scott Benzel también aporta su cuota de oscuridad cantando en tonos profundos e inquietantes.

De principio a fin, Concentration es un trabajo que hechiza. Las canciones fluyen a la perfección y no te sueltan. Calificarlo de disco irresistíble es poco.

Adiós a Las Vegas

2010-02-19T12:37:00.000-08:00

Mike Figgis es un director de cine y guionista británico. Entre sus obras más destacadas se encuentran Asuntos Sucios (1990), Mr Jones (1993) y Adiós a Las Vegas (1995).

Protagonizada por Nicolas Cage y Elisabeth Shue, Adiós a Las Vegas le valió a ambos actores una nominación al oscar por mejor actor. La trama es la de la novela homónima y semiautobiográfica de John O'Brien -escritor alcohólico que se suicidó dos semanas después de haber firmado el contrato para llevar su libro a la pantalla- donde el guionista fracasado Ben Sanderson (Cage) decide viajar a Las Vegas para jugar todo lo que tiene y dejarse consumir por su adicción al alcohol, pero allí conoce a una prostituta también apaleada por la vida que se llama Sera (Shue).

La historia de amor que pronto se desarrolla entre Ben y Sera se podría decir que es una fábula hollywoodense de decadencia y redención en escenarios luminosos. Sin embargo, Figgis respeta el tono anticomplaciente del libro, mostrándonos su mirada filmica sobre el binomio "impotencia sexual-alcoholismo" que se despoja de cualquier asomo de prédica moralista y no atraviesa los umbrales del arrepentimiento (Ben asume su deseo de morir, y se lo comunica a Sera, quien acepta con lucidez esa actitud sin renunciar por su parte a la prostitución).

Lejos de la idea de conducir a la pareja a un estado de degradación compartida, Adiós a Las Vegas propone una dialéctica de la pasión amorosa muy poco común en el cine de Hollywood. Los grados de intensidad dramática que alcanzan Nicolas Cage y Elisabeth Shue son formidables. Un ingrediente original es el que aporta una cámara que parece entrevistar a cada personaje, lo cual logra llegar hasta lo más profundo del corazón del espectador.

Es claro que lo que esta película tiene, además de la brillantez de las actuaciones y la audacia del director británico, es una pronunciada dosis de crudeza que sirve como lección para que entendamos a esas personalidades que viven y sobreviven en los lugares más sórdidos y atrayentes del planeta.

Friedrich Nietzsche "Así habló Zaratustra"

2010-02-18T15:32:00.000-08:00

Friedrich Nietzsche fue un filósofo alemán nacido en Röcken en 1844; se lo considera uno de los pensadores modernos más influyentes del siglo XIX. A lo largo de su vida realizó una crítica de la cultura, la religión y la filosofía occidental, mediante la deconstrucción de los conceptos que las integran, basándose en el análisis de las actitudes morales. Este trabajo tuvo un gran impactó en generaciones posteriores de teólogos, filósofos, sociólogos, psicólogos, poetas, novelistas y dramaturgos.

Sus obras literarias más importantes han sido La gaya ciencia (1882) y Así habló Zaratustra (1883). En ellas, logró romper con los valores en decadencia de la cultura y propuso un destino mejor para el ser humano. La crítica de Nietzsche se centra en lo que él consideraba una manifestación de nihilismo activo que intenta adelantarse al nihilismo pasivo y crear una civilización nueva antes de que la antigua sea definitivamente derrumbada.

El libro cuenta las crónicas de un filósofo que ha tomado el nombre del antiguo profeta persa que fundó el Zoroastrismo. Nietzsche se sirve de la figura de Zaratustra (ermitaño que vive recluido en la montaña, donde a lo largo de su retiro reflexiona sobre la vida y la naturaleza del hombre) para desarrollar y enlazar los cuatro elementos principales sobre los que se asienta toda su obra y que son exhaustivamente tratados a lo largo de este libro: la muerte de Dios, el superhombre, la voluntad de poder y el eterno retorno de lo idéntico.

Nietzsche se proyecta sobre la figura del personaje del libro para poder transmitir su conocimiento al mundo (así como Zaratustra desciende de la montaña y se mezcla con el pueblo). También satiriza a la Biblia y la tradición cristiana, ya que Zaratustra lleva al hombre la noticia de su salvación al igual que Juan el Bautista anunció la llegada de Jesús.

En resumidas cuentas y como muchos entendidos decían, "un libro para todos y para nadie".

La Favorita "Suspendiendo tu mambo"

2010-02-12T12:47:00.000-08:00

La Favorita es una banda de rock argentina que se formó en 1996 con algunos de los integrantes de un fugaz grupo new wave de los años ochenta llamado Los Argentinos. Entre ellos estaban Walter Sidotti, conocido por haber militado desde 1988 hasta su respectiva separación en los míticos Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, y el cantante José Luis Castro. A estos dos, se les sumaron el guitarrista Mariano Sagasta (que se desempeñaba como sonidista de Los Redondos) y el bajista Claudio Bruguera.

Con nombre de confitería paqueta (como ellos mismos declaraban), cantante pelado y un sonido particular, la banda empezó a moverse en el underground y para 1997 editaron de forma independiente su primer disco autotitulado cuyo packaging corrió por cuenta del bajista redondo Semilla Bucciarelli.

Así las cosas, pasaron 5 años hasta que los miembros de La Favorita volvieron a juntarse. Precisamente después de la disolución de Los Redondos. En esta oportunidad, la banda retomaba su camino con algunos cambios en su formación (se fue Bruguera y entró Lautaro Fantasía) y con la idea de darle un nuevo impulso a su obra. Para ello decidieron tomarse todo el tiempo que fuera necesario, eligiendo los temas, e invitando a algunos músico amigos a colaborar. Fue entonces que para el 2002 vió la luz Suspendiendo tu mambo.

La placa sigue predicando ese rock oscurón -mezclado de a ratos con jazz, blues, funk, reggae, ska o ritmos latinos- pero de manera más prolija; con letras que sirven como pequeñas postales urbanas o críticas a la sociedad moderna. La producción del disco y la ejecución de los temas es excelente, cosa que se diferencia bastante del primer trabajo... el cual sonaba más a un demo.

Los cuatro miembros de La Favorita se dejan el alma en todos los temas de la placa (en especial José Luis Castro, que brilla en esos registros arrabaleros que pueden sonarle a más de uno como los de Joaquín Sabina). Otro punto muy positivo son las intervenciones de algunos músicos sesionistas, quienes amplian los horizontes de las canciones.

En definitiva, La Favorita es un interesante grupo que surgió como un proyecto paralelo para poder explotar las inquietudes artísticas del baterista Walter Sidotti, dado que con los Redondos cada vez tocaba menos, y para un músico es fundamental poder tocar.

Terciopelo Azul

2010-02-12T12:41:00.000-08:00

David Lynch es un talentoso director de cine y guionista estadounidense, nacido en Montana en 1946. La mayoría de sus trabajos son thrillers psicológicos que poséen elementos del film noir, el policial y el surrealismo.

Entre sus obras más celebradas están las películas Cabeza Borradora (1977), El Hombre Elefante (1980) y Terciopelo Azul (1986); sin contar la exitosa serie televisiva Twins Peaks (1990-1991).

Protagonizada por Kyle McLachlan, Laura Dern, Dennis Hopper e Isabella Rossellini, en Terciopelo Azul encontramos una de las películas que más se asemeja a una auténtica pesadilla. Lynch dirigió prodigiosamente una obra maestra del cine contemporáneo -alabada tanto por el público como por la crítica y pares de la talla de Woody Allen- que lo catapultó al estrellato internacional.

La trama empieza cuando el señor Beaumont es hospitalizado por una descompensación, entonces su hijo Jeffrey (McLachlan) tiene que regresar de la universidad para ocuparse del negocio de su padre. Pero un día, mientras paseaba, Jeffrey encuentra la oreja cortada de un hombre y decide informar a un inspector de policía amigo de su familia. Jeffrey y Sandy, hija del inspector, también deciden investigar lo sucedido (muertos de curiosidad y de morbo) sumergiéndose entonces en un submundo truculento donde entran en escena la misteriosa cantante de club nocturno llamada Dorothy (Rossellini) y el perverso Frank (Hopper) con toda su indeseable pandilla.

A todo momento Lynch nos desborda los sentidos. Las escenas están muy bien elaboradas, y la música aportada por el compositor Angelo Badalamenti se hace imprescindible para transmitirnos esa sensación de desasosiego (mismo los temas "Blue Velvet" de Bobby Vinton e "In Dreams" de Roy Orbison, que suenan extraños y perturbadores en este film). Lo bizarro, lo extremo, la humillación física, el deseo sexual... todo hace mella en uno a lo largo del film. Es que Lynch sabe cómo hacer que el espectador reaccione, que no se distancie de la película, sino que se introduzca y se sobresalte.

Terciopelo Azul logra que cuando llega el final te sientas contento por la sensación de 'regresar a lo cotidiano'. Una película que para la época fue rompedora, provocadora, y eso sin llegar tener grandes momentos de violencia extrema, tiroteos o sangre. OBRA MAESTRA.

J. D. Salinger "El guardián entre el centeno"

2010-02-09T19:20:00.000-08:00

Jerome David Salinger fue un escritor estadounidense nacido en 1919 en la ciudad de Nueva York. Se hizo conocido por su novela El guardián entre el centeno, que se convirtió en un clásico de la literatura moderna casi desde el momento de su publicación. Salinger lanzó otros tres libros que también han cocechado buenas críticas: Nueves cuentos (1953), Franny y Zooey (1961) y Levantad, carpinteros, la viga del tejado y Seymour: una introducción (1963).

La primera de sus obras, El guardian entre el centeno (The Catcher in the Rye en inglés), es un caso particular. Lanzada en 1951, logró volverse muy popular entre jóvenes y adultos. La trama, narrada en primera persona, es la historia de un adolescente llamado Holden Caulfield que está a mitad de camino entre la infancia y el mundo adulto, con todo lo que eso conlleva: inestabilidad, rebeldía e inmadurez.

Holden es el segundo de cuatro hijos (D. B., el fallecido Allie y la pequeña Phoebe) nacido en una vida de privilegio, aunque él mira la realidad del mundo elítico que ocupa con desprecio. Cuestiona el valor de las clases y de la sociedad. Es considerado por muchos como el precursor, por así decirlo, del modelo de 'hombre joven furioso'.

Uno de los rasgos más interesantes de este personaje es su capacidad para detectar en las personas algunas cualidades como el narcisismo, la hipocresía y la superficialidad, las cuales engloban su concepto del ridículo. Esto también lo hace aumentar su cinismo y desconfianza hacia los demás, volviéndose de esta forma un personaje atormentado.

Por otro lado, es un dato curioso y para destacar que el libro ha sido objeto de polémica ya que Mark David Chapman, el asesino de John Lennon, lo llevaba encima en el momento de su arresto y decía sentirse profundamente influenciado por el mensaje del mismo.

Más allá de todo, El guardian entre el centeno es una novela única e irrepetible que ha sabido captar lo que es la adolescencia con todas sus contradicciones.

Dave Matthews Band "Crash"

2010-02-02T16:58:00.000-08:00

Dave Matthews es un talentoso cantante, guitarrista y compositor nacido en 1967 en Sudáfrica, pero naturalizado norteamericano. Dave creció escuchando a The Grateful Dead, Santana, The Beatles, The Rolling Stones, Genesis, The Police y U2, y fue la pasión por la música lo que lo llevó a empezar a escribir canciones a temprana edad. Así fue que para 1991, mientras trabajaba como barman en Virginia, fundó su propio proyecto con el nombre de Dave Matthews Band.

Quienes lo acompañaron desde el principio eran dos músicos de formación jazzera, el baterista Carter Buford y el saxofonista LeRoi Moore. A estos, se les sumaron al poco tiempo el violinista Boyd Tinsley y el bajista Stefan Lessard. Una vez consolidada la alineación, Dave y los suyos empezaron a tocar con frecuencia y a trabajar en una serie de demos en el estudio de grabación de un conocido.

Llegado 1994 lanzaron su álbum debut; el cual era una fusión de rock, pop y folk con pinceladas de jazz y funk. Ya en esa placa dejaron ver la calidad que tenían como instrumentistas realizando deliciosas jams en algunas de sus canciones.

Su segundo trabajo de estudio fue lanzado en 1996 con el nombre de Crash. La placa, producida por Steve Lillywhite (quien atendió a artistas de renombre como Peter Gabriel, Talking Heads, U2, Morrisey, Green Day o Counting Crows, entre otros) es un excelente ejercicio musical, muy bien logrado, con la frescura y originalidad que caracteriza a la Dave Matthews Band.

Todas las canciones están excelentemente trabajadas y ejecutadas. El quinteto cumple y siempre da un poco más en cada título que conforma la placa. Crash es un trabajo atractivo y ecléctico: hay temas gancheros, con grooves musculosos; otros más sosegados, de climas realmente intimístas; como también composiciones más clásicas y convencionales.

Otro fáctor determinante en la propuesta de la banda es la voz de Dave, con esos registros entre roncos y dulces, la cual tiñe las letras de un aire particular cuando interpreta.

En fin, Crash es un álbum completo desde todos los aspectos posibles que se lo pueda mirar (o escuchar). Ideal si andás buscando algo más que guitarras atronadoras y gritos desesperados.

El Exorcista

2010-02-02T14:46:00.000-08:00

El Exorcista es un film de terror de 1973 dirigido por el cineasta estadounidense William Friedkinn, basado en la novela homónima de William Peter Blatty. La película se ha convertido en todo un clásico de la historia del cine.

Originalmente la Warner Bros. quería que la cinta fuese dirigida por el mítico Stanley Kubrick (2001: Odisea del espacio, La Naranja Mecánica, El Resplandor), pero éste rechazó la propuesta. Finalmente optaron por Friedkinn, quien tenía cierto prestigio dentro de la industria por haber dirigido la exitosa Contacto en Francia y algunos capítulos de la serie Alfred Hitchcock presenta.

Le historia de El Exorcista para muchos ya es conocida: una niña llamada Regan (Linda Blair) comienza a experimentar violentos cambios de personalidad que en un principio se creía que podía ser alguna enfermedad mental, pero a medida que pasan los días la situación de Regan empeora y su madre (Ellen Burstyn) desesperada decide acudir a la Iglesia Católica. El encargado de investigar el caso es el padre Karras (Jason Miller), el cual después de una serie de pruebas llega a la conclusión de que se trata de una posesión demoníaca.

La Iglesia decide enviar también a un sacerdote y arquéologo llamado Merrin (Max Von Sydow), por su vasta experiencia como exorcista. La trama, sumada a la escalofriante musicalización, te mantiene a la expectativa todo el tiempo. Las partes donde Karras y Merrin dialogan y luchan con el Diablo son los picos más altos de la película.

En definitiva, El Exorcista es quizás la mejor película del género terror por no necesitar tener cadáveres y sangre a granel para horrorizar a la audiencia.

Henry Miller "Trópico de Cancer"

2010-01-27T14:50:00.000-08:00

Henry Miller fue un escritor nacido en Estados Unidos, precisamente en la ciudad de Nueva York, en diciembre de 1891. Sus obras eran novelas semiautográficas, en las que utilizaba un lenguaje crudo y altamente erótico. Esto, le valió toda una serie de controversias en la America puritana de aquella época. Según él, intentaba denunciar a través de sus libros la hipocresía moral de la sociedad estadounidense.

Entre sus libros más destacados se encuentran Trópico de Cancer (1934), Trópico de Capricornio (1939), Sexus (1949), Plexus (1953) y Nexus (1960).

La historia de Trópico de Cancer se desarrolla en Francia (principalmente en Paris) durante la década del ‘30. Está escrita en primera persona, como muchas de las novelas de Miller, y frecuentemente se mueve entre el pasado y el presente.

Algunos capítulos siguen una estricta narrativa y se refieren a amigos de Miller, colegas, y lugares de trabajo, otros están escritos a manera de reflexiones filosóficas. Hay muchos pasajes describiendo explícitamente los encuentros sexuales del narrador, pero el libro no se centra únicamente en estos detalles, sino que además podemos encontrar críticas sociales y hasta elementos surrealistas.

Dato curioso es que el libro incluye un prólogo acreditado a Anaïs Nin (escritora francesa con la que Miller y su mujer tuvieron un triángulo amoroso) y su publicación en Estados Unidos -en 1961- llevó a un extenso juicio por la obscenidad de su contenido (debido a las leyes estadounidenses relativas a la pornografía en la década del ‘60).

Si bien Trópico de Cancer es famoso por su franca y frecuentemente descripción del sexo, es también reconocido como una pieza maestra de la literatura del siglo XX.

En resumidas cuentas, Miller fue y seguirá siendo un referente por haber roto con los convencionalismos literarios de su época.

Pez "Frágilinvencible"

2010-01-18T09:22:00.000-08:00

Pez es un banda argentina de rock formada por el cantante y guitarrista Ariel Minimal, más conocido por haber militado en Los Fabulosos Cadillacs desde 1996 hasta la separación del 2001. Este joven oriundo de Parque Patricios sorprendió al público fabuloso por su sonido demoledor de guitarra, lo cual renovó un poco los aires del grupo en aquel momento.

Paralelamente, Ariel tenía su propio proyecto, Pez, con el cual de forma independiente lleva editados más de diez discos.

El estilo que practíca Pez es una interesante fusión entre punk (The Clash, Misfits, Black Flag) con la escuela del rock nacional de los '70 (Pescado Rabioso, Vox Dei, Manal) y algunos tintes progresivos (King Crimson, Frank Zappa). Aunque en sus canciones también se deja ver de a ratos el gusto por Astor Piazzolla. Los fieles compañeros de ruta de Minimal son el bajista Fósforo y el baterista Franco Salvador.

Frágilinvencible es la cuarta entrega de Pez, y es el disco ideal para quienes deséen adentrarse en el universo de esta genial banda. Para la ocasión, cuentan además con las intervenciones de algunos ex-compañeros de Minimal en los Cadillacs (Pablo Puntoriero, Mario Siperman, Toto Rotblat), hecho que enriquece la canciones y las dota de más versatilidad.

Ariel Minimal canta con vocecita de nene furioso, pero tiene un montón de ideas claras y originales tanto desde lo musical como lo letrístico. Su dominio de la guitarra es indudable, hace de ella su caballito de batalla tocando riffs aplastantes como también bellas melodías.

Pez continua siendo una propuesta donde prevalece la honestidad, con el lei motiv de crear sin ningún tipo presiones ni prejuicios... una muestra contundente de que todo no es pose y canciones bobas en el rock nacional.

El Laberinto del Fauno

2010-01-17T08:11:00.000-08:00

Guillermo del Toro es un director de cine mexicano responsable de varias películas de terror y fantasía aclamadas por la crítica. La obra de del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectacular a sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes. Su estilo está marcado por su fascinación por el mundo fantástico desde el punto de vista de los cuentos de hadas y los temas oscuros.

Entre sus películas más exitosas se encuentran El Espinazo del Diablo (2001), Blade II (2002), Hellboy (2004), El Laberinto del Fauno (2006) y El Orfanato (2008).

La historia de El Laberinto del Fauno transcurre en una zona al noroeste de España, en el año 1944, cinco años después del fin de la Guerra Civil Española. Allí, Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 10 años aficionada a los libros de fantasía, quien junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), en un delicado estado de salud debido a su embarazo, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra el Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista y nuevo marido de Carmen, por el que Ofelia no siente ningún afecto.

La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes de la zona. Y es en ese lugar donde tiene su centro de operaciones, ubicado en una enorme estancia.

Aparte de los guardias civiles, en la estancia residen Mercedes (Maribel Verdú), hermana de un miembro de la resistencia que se desempeña como ama de llaves en la casa para poder averiguar todo los movimientos de Vidal, y el doctor Ferreiro (Álex Angulo), quien se hace cargo del estado de Carmen.

Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una revelación: Ofelia no es en realidad quien cree ser, sino una princesa, última de su estirpe, a la que su mundo lleva mucho tiempo esperando. Para poder regresar, deberá superar tres pruebas antes de que llegue la luna llena.

Es así que mientras la película transcurre, la fantasía y la violencia se entremezclan, dando lugar a una trama donde la magia que rodea a Ofelia le sirve para evadirse de la cruel realidad en la que se encuentra inmersa.

Fernando Pessoa "Libro del desasosiego"

2010-01-15T14:11:00.000-08:00

Fernando Pessoa nació en Lisboa en junio de 1888 y fue sin duda alguna el poeta y escritor más importante de la lengua portuguesa del siglo XX.

Durante el día Pessoa se desempeñaba como traductor, pero por la noche escribía poemas. Su poesía más que suya era de "otros", ya que la firmaba con nombres de autores ficticios -o heterónimos-, y cada uno de esos autores (Ricardo Reis, Alberto Caeiro, Álvaro de Campos y Bernardo Soares, entre otros) tenía su pensamiento y estilo propio. Incluso publicó críticas contra sus propias obras firmadas por sus heterónimos.

La figura enigmática en que se convirtió Pessoa ha motivado gran parte de los estudios que se realizaron sobre su vida y obra.

Libro del desasosiego es su obra maestra en prosa, compuesta casi por quinientos fragmentos sueltos que Pessoa redactó entre 1913 y 1935, año de su muerte, y lo cierto es que lo dejó en completo desorden, con indicaciones contradictorias. La obra viene a ser una suerte de autobiografía de Bernardo Soares, uno de sus tantos y cautivantes alter-egos literarios.

La publicación de este libro fue dificultosa. En primer lugar, el poeta portugués estuvo unos veinte años escribiendo la obra, y fue en 1913 que publicó un fragmento anunciado como parte del Libro del desasosiego. A partir de ese momento, Pessoa fue publicando de forma esporádica otros fragmentos, o enviándolos por carta a un par de amigos. Cuando murió, dejó carpetas y cuadernos con textos sueltos. Ya se comprenderá que para el editor de esos textos, la ordenación de los mismos era una ardua tarea. Se planteó la posibilidad de intentar una sucesión cronológica, aunque Pessoa no solía poner fechas a los fragmentos. Algunos pensaron en fijarse en el contenido, el estilo que fue cambiando con los años, el papel utilizado, la tinta... en fin. Pero afortunadamente, se llegó a la conclusión de que esa labor sólo podría arrojar resultados imperfectos, y que el mismo Pessoa probablemente no hubiera pensado en una ordenación cronológica de su obra. Tras rechazar varias posibilidades, Jacinto do Prado Coelho decidió organizar los textos de forma temática, sin separar los diferentes conjuntos, pero respetando los nexos que pudiese haber entre ellos.

Para ir cerrando, sólo basta decir que lo contenido en la obra que nos ocupa es un verdadero microcosmos de ideas filosóficas, estéticas y literarias; como también observaciones sociológicas, máximas y aforismos. Leer las meditaciones de Pessoa es descubrir un alma de una lucidez impresionante, capaz de adentrarse en el desamparo, la banalidad y la belleza inefable de la existencia humana. Un libro de cabecera para toda la vida.

Paul Westerberg "Stereo"

2009-12-28T15:44:00.000-08:00

Paul Westerberg fue el líder de los Replacements, un grupo de rock con influencias punk oriundo de Minneapolis. Formaron parte de la escena alternativa americana de los '80 -la cual giraba entorno a las radios universitarias-, donde si R.E.M. hacían de los Beatles, The Replacements eran como los Rolling Stones. Ellos jugaron a ser los chicos malos y perdieron.

Pero lo que perdieron en éxito lo ganaron en encanto con esa aureola de grupo de culto. Y es que justamente R.E.M. hoy día son conocidos hasta por el más desentendido en materia de rock alternativo, careciendo de ese grado de exclusividad, de ser como un secreto que hace que las canciones sean algo más tuyo.

A fines de 1990 The Replacements se desintegraban como banda, pero Paul siguió en plan solista. Su primera aparición en solitario fue en la banda de sonido de la película Vida de Solteros, firmando dos excelentes canciones que prometían convertir a Westerberg en una superestrella. Su álbum debut, titulado 14 Songs, se editó en 1993, pero pasó sin pena ni gloria; le sucedieron Eventually de 1996, Suicaine Gratification de 1999 y Stereo del 2002, entre otros.

En Stereo, el ex líder de los Replacements nos ofrece un disco doble (un CD con canciones de rock de garage y otro de baladas con aire folk), de sonido crudo, austero e íntimo... al que quizás le falte algún que otro ajuste de tuerca, pero donde las canciones terminan quedándose con el oyente a la segunda o tercera escucha.

Paul siempre ha tenido una voz muy particular (algo rota, pero cálida), capaz de irradiar emoción y carisma. Sus canciones están hechas a base de guitarras eléctricas adornadas con toques acústicos y hasta poperos. Aquí se nota más que nunca la influencia de algunos de sus ídolos de siempre: Bob Dylan, New York Dolls, Big Star y los eternos Stones.

Es que a partir de esta época Westerberg firmó con una discográfica pequeña (Vragant) y decidió prescindir de managers y abogados y grabar casi todo solito en el sótano de su casa y salir a dar vueltas con su guitarra y nada más.

Este es un disco que aborda su faceta más áspera pero que acaba resultando tan actrativo como cualquier otro de sus trabajos discográficos. Para mí, lo mejor que ha hecho nunca.

Che: El Argentino

2009-12-28T12:54:00.000-08:00

Che: El Argentino es una película biográfica dirigida por Steven Soderbergh, realizador de otros films exitosos como Traffic, Ocean's Eleven y Ocean's Twelve. La película en cuestión, es acerca del revolucionario argentino Ernesto "Che" Guevara, basándose en dos libros sobre sus figura: Pasajes de la Guerra Revolucionaria y Diario del Che en Bolivia.

El argumento se centra en la revolución cubana, desde el momento en que Fidel Castro conoce en México al joven médico argentino, quien llegaba procedente de Guatemala. Allí, Guevara entró en contacto con los revolucionarios cubanos (quienes lo apodaron como "Che" por la famosa expresión argentina).

Para 1956, Castro y un grupo de 80 rebeldes -entre ellos, el Che- navegaron a Cuba para realizar la revolución. Dicha lucha inició una sangrienta batalla por liberar al pueblo cubano de la corrupta dictadura de Fulgencio Batista. En el film también se puede apreciar como Guevara representa a Cuba ante las Naciones Unidas en 1964.

El rol protagónico quedó en manos de un actor que ha alcanzado un gran parecido físico con el Che, el puertorriqueño Benicio Del Toro. Para el papel, Del Toro pasó siete años en obsesiva investigación, lo que lo hizo sentir que se había ganado el personaje.

La película fue originalmente filmada como una sola, pero luego se optó por lanzarla en dos partes. La primera parte de esas dos partes es la que nos ocupa hoy, pero la segunda arranca con Guevara en el poder y en la cima de su popularidad, gracias al triunfo de la revolución. Pero de pronto desaparece sin dejar rastros. Nadie sabe qué ha sido de él, hasta que resurge en Bolivia de manera clandestina y concretando operaciones encubiertas. Y junto a un pequeño grupo de cubanos y varios reclutas bolivianos, el Che se propone extender la revolución hacia todos los rincones de América Latina.

Alejandra Pizarnik "El infierno musical"

2009-12-23T15:18:00.000-08:00

Alejandra Pizarnik fue una poetisa argentina nacida en 1936 en la ciudad de Buenos Aires. Su obra pertenece a la corriente del surrealismo. Sus poemas tenían una temática nocturna, angustiada, y muy elaborada, con versos duros y directos.

En 1954 ingresó a la Facultad de Filosofía, donde estudió Letras, aunque hizo también una breve incursión en la carrera de Periodismo. No finalizó ninguna de ellas y buscando su verdadera vocación, hasta asisitió a un taller de pintura de Juan Batlle Planas.

Entre 1960 y 19644 vivió en París, madurando mucho como poeta. Estando allí trabajó para numerosas revistas de poesía y literatura americanas y europeas, como correctora de pruebas y traductora. Asimismo hizo amistad con pares como Julio Cortazar, entre otros.

Al regresar a Buenos Aires, publicó sus libros más reconocidos: "Los trabajos y las noches","Extracción de la piedra de la locura" y "El infierno musical". En 1968 obtuvo una beca y viajó por un breve tiempo a Nueva York y París. A causa de sus continuas depresiones y tentativas de suicidio, pasó semirrecluida sus últimos años. A mediados del '72 estuvo internada cinco meses en el hospital psiquiátrico Pirovano y en un permiso para pasar el fin de semana en su casa, se quitó la vida con una sobredosis de antidepresivos.

El infierno musical es una de las grandes antologías poéticas de la literatura argentina; y el mayor mérito de Alejandra consistía en estremecer a través del lenguaje, en despertar los sentidos del lector con aquella honestidad brutal que sobrevuela sus versos.

Pizarnik tiene numerosas composiciones cuya estructura es interrogativa. Formula preguntas a sus poemas, o a través de ellos, aunque la poesía no responda a los enigmas que se plantea. Este cuestionamiento de la relación entre la palabra y la vida se acentúa en estos textos. Los poemas son diferentes en su forma, pero mantienen siempre la misma calidad literaria.

El infierno musical es la búsqueda de la palabra exacta, que dijera lo que debía decir. La poeta concedía una importancia immensa a ese espacio -la página en blanco- al cual se enfrentaba; como utilizando una pizarra, donde elaboraba sus ceñidos poemas, ajustando el ritmo exacto, la forma que cupiera, a modo de pieza de un rompecabezas.

Pizarnik rueda en un desborde de palabras donde se pregunta o se condena a sí misma. El infierno musical evoca, muchas veces, a un espacio cerrado y agobiante, donde impera la sensación de asfixia... configurando así todo un mundo de horror y desesperación.

Menos Que Cero

2009-12-21T13:33:00.000-08:00

Menos Que Cero fue un grupo argentino de rock formado a mediados de los '90, el cual transitó el under porteño durante toda esa década. La primera alineación la integraban Mariano "Manza" Esaín en voz y guitarra, Diego Vila en bajo y coros, y Fernando Minimal en batería. Tomaron el nombre de la banda de un libro de Bret Easton Ellis.

El trío tocaba un punk-rock adrenalínico y garagero, con melodías pegadizas y letras tan desesperantes como liberadoras. Grabaron dos discos (Menos Que Cero de 1997 y Cualquier Otro Día de 1999) y un ep (Ojos de Ciudad de 2000), y más tarde se separaron. Esaín, por su lado, se volcó luego a a otros proyectos (Flopa Manza Minimal, Valle de Muñecas), además de dedicarse de lleno a la labor de productor (atendió a bandas como Pez, Mataplantas, Astroboy, Los Peyotes, entre otros).

Con respecto a su debut autotitulado se puede decir que es un trabajo en el que las guitarras están bien al frente; las melodías y las armonias vocales son tan importantes como las sólidas y -perfectamente ejecutadas- bases que aparte de funcionar como la carrocería de su sonido le aporta a todos los temas de la placa una profundidad y un groove especial.

Las letras hablan de cosas de todos los días (fracasos amorosos, soledad, rutina, melancolía), sin embargo suenan auténticas y catárticas... y no como una pose que responda al típico esterotipo del músico rebelde, depresivo y trasnochador.

Los riffs punzantes de guitarra y la batería latosa logran un colchón sonóro macizo en el que la voz de Manza canta de forma desgarrada y urgente. La música de Menos Que Cero genera una mezcla de sensaciones contrapuestas que encajan fenomenalmente con el escepticismo mágico que transmite Esaín en sus textos sobre una urbe gris, carente de alma y atractivos.

En definitiva, Menos Que Cero es de esas bandas infravaloradas que invitan al oyente a subirse a su tren y hacen que en ese viaje sea fácil perderse y, aún más fácil, adorarlos.

La Vida de David Gale

2009-12-21T13:07:00.000-08:00

Alan Parker es un reconocido director de cine, productor y guionista inglés. Ha trabajado en la industria del cine británico, como también en Hollywood, y es uno de los miembros fundadores del Gremio de Directores de Cine en Gran Bretaña.

Parker ha dirigido importantes películas como Expreso de Medianoche, The Wall o Evita (el musical) -por citar algunos titulos-, pero es la última de sus obras hasta la fecha la que analizaremos a fondo.

Protagonizada por Kevin Spacey, Kate Winslet y Laura Linney La Vida de David Gale cuenta la historia de un profesor universitario de filosofía y activista en Death Watch, una organización que lucha por la abolición de la pena de muerte. Su vida da un giro de 180º cuando es acusado de violación por una alumna, perdiendo así su empleo y siendo abandonado por su esposa.

Posteriormente David (Spacey) es llevado a prisión, pero luego puesto en libertad porque su alumna retira los cargos. Al cabo de un tiempo, Constance (Linney), una docente compañera amiga suya y también miembro de Death Watch, es encontrada muerta y todo indica que él fue el asesino.

Gale es apresado nuevamente y se lo condena a muerte. Por estas razones, y cerca de la fecha de su ejecución, David decide contarle su versión de los hechos a una periodista llamada Bitsey Bloom (Kate Winslet). Ella en un principio no dudaba de la culpabilidad del acusado, pero va cambiando de opinión a medida de una serie de entrevistas que le hace.

Días antes de cumplirse la condena, Bitsey logra obtener un video que prueba la inocencia de David, pero por desgracia el tiempo le juega en contra y Gale es finalmente ejecutado.

Filmado con ritmo y elegancia, e interpretada espléndidamente por los tres actores, La Vida de David Gale es un drama intenso que por momentos se torna un thriller; aunque escondido con sutileza en su contenido, el film sirve como todo un planteo al delicado tema que es la pena de muerte.

Ernesto Sabato "Sobre héroes y tumbas"

2009-12-18T21:18:00.000-08:00

Ernesto Sabato es un escritor nacido en Rojas, provincia de Buenos Aires, en 1911. Antes de convertirse en un hombre de letras realizó un doctorado en física y cursos de filosofía en la Universidad de La Plata. Trabajó también en el Laboratorio Curie, en París, pero abandonó la ciencia en 1945 para dedicarse de lleno a la literatura.

Escribió varios libros de ensayos sobre el hombre en la crisis de nuestro tiempo y sobre el sentido de la actividad literaria. Pero también ha escrito tres celebradas novelas: El túnel (1948), Sobre héroes y tumbas (1961), y Abbadón el exterminador (1974).

Sobre héroes y tumbas es considerada la mejor novela argentina del siglo XX; fue la obra que consagró a Sabato como escritor universal. En ella quiso indagar 'las verdades últimas (y muchas veces atroces) que hay en el subsuelo del hombre', volcando sus obsesiones personales en una clara introspección autobiográfica en medio de las reflexiones sobre la historia argentina.

Este libro es todo un viaje narrativo que nos lleva a conocer a los últimos representantes de una familia oligárquica venida a menos, Los Vidal Olmos. Los personajes centrales de la historia son el atormentado Martín y la misteriosa Alejandra, dos jóvenes que se conocen una tarde por casualidad en el Parque Lezama. Él es hijo de un pintor fracasado y una madre que lo degrada constantemente, y ella arrastra una esquizofrenia familiar que fue heredada de generación en generación. Pero el misticismo que envuelve la casa en la que ella vive termina de hechizar por completo a Martín.

La mejor parte del libro quizás llega con el "Informe sobre ciegos"; un relato pesadillezco con elementos surrealistas que habla sobre una secta de no videntes que maneja el mundo, y que a su vez sirve para conocer la particular pyche del personaje más tenebroso de la historia: Fernando Vidal Olmos, padre de Alejandra.

En síntesis, Sobre héroes y tumbas es un cóctel de emociones en amplio derroche de anécdotas familiares e históricas. Una novela atrapante como pocas en la que se entrelazan pasión, locura, tragedia y realidad social.

Ryan Adams "Cardinology"

2009-12-14T18:04:00.000-08:00

Ryan Adams se ha convetido poco a poco en uno de los más notables compositores de la música actual. Es que no muchos artistas han sido tan prolíficos a lo largo de su carrera como él. Después de disolver Whiskeytown se lanzó como solista a fines del 2000, sacando de manera compulsiva un disco tras otro y, según se dice, tiene varios más completamente grabados que no han visto la luz todavía.

Si algo hay que alabar de éste músico oriundo de Jacksonville es su capacidad para recrearse; Ryan es como un camaleón que cambia constantemente, nunca se repite y siempre está en transformación sacando un disco de rock o alguna joya folk, y en todos logra mantener una altísima calidad artística.

En Cardinology muestra su cara más madura y menos egocéntrica. Las letras de la mayoría de las canciones hablan de pérdidas, soledad, anhelos, culpas y ansias de superación. En lo musical, la aportación de su banda The Cardinals es excelente, la cosa oscila entre el rock de radiofórmula y estadio (al mejor estilo U2) y la sutilidad de las baladas country que siempre Adams tuvo facilidad para escribir.

Se destacan los temas con esas pedal steel llamando al recuerdo de la música americana de Gram Parsons, al igual que las guitarras cargadas de groove y brillos negros que de a ratos toman velocidades intermedias tiñiéndolo todo de un aura épica.

Hay toques de rock sureño que embriagan el oido de manera ligera por su carácter purificador (algo tan agradable como sentir la brisa matutina en tu cara). Adams demuestra tener una voz irresistíble y expresiva, de la cual emana un cierto aire doliente que le sienta a la perfección cuando canta sobre sus propias luchas internas.

Pese a que muchos lo han tachado de ser demasiado pretencioso como para compararlo con Bob Dylan o Bruce Springsteen, a lo largo de sus discos se ha ido ganando elogios de pares (Elton John, Adam Duritz, Noel Gallagher) y críticos especializados por su talento nato para la canción. Dylan estará muy lejos, pero no hay duda que Ryan se perfila como la mejor opción a ser un digno sucesor. Cardinology es un trabajo que reafirma esa teoría.

El Perfecto Asesino

2009-12-13T20:16:00.000-08:00

Luc Besson es un talentoso director de cine francés, también guionista y productor. Se ha vuelto reconocido en todo el mundo por sus exitosas películas, las cuales abarcan un amplio rango de géneros que van desde la acción y el drama a la ciencia ficción (véanse Nikita, Juana de Arco o El quinto elemento).

Al día de la fecha, Besson tiene en su haber 10 largometrajes, y entre ellos se encuentra este increíble policial de 1994, que no se limita a contarnos una historia de acción -como hubiera sucedido si se tratara de un mero producto hollywoodense- sino que consigue ser una obra que no deja de emocionar cada vez que se la mira.

Interpretada por Jean Reno, Gary Oldman y Natalie Portman, El Perfecto Asesino (también conocida como The Professional) trata sobre un asesino a sueldo llamado León (Reno), el cual conoce a una niña de 12 años llamada Mathilda (Portman) que vive en un departamente continuo al suyo. Cuando la familia de Mathilda es asesinada por drogas a manos de agentes corruptos de la DEA, liderados por el oscuro Norman Stanfield (Oldman), León se ve en la situación de hacerse cargo de ella.

La historia se vuelve un verdadero drama cuando la niña decide vengarse de los culpables de la muerte del único miembro de su familia que apreciaba de verdad: su hermano pequeño. Para eso, le pide a Léon que le enseñe a "limpiar" gente; quien después de ciertas dudas acepta.

En cuanto a los aspectos técnicos, las actuaciones de los protagonistas reflejan un tremendo realismo, sobre todo la de Natalie Portman, quien se ponía por primera vez ante las cámaras para interpretar un papel conflictivo y duro. Jean Reno y Gary Oldman, a mi parecer, también sobresalen encarnando sus personajes. Los tres logran recrear unas personalidades profundas, que pocas veces se ven en el cine actual.

PELICULÓN con todas las letras.

Sidney Sheldon "Más allá de la medianoche"

2009-12-13T09:38:00.000-08:00

Considerado como "el maestro del suspenso", Sidney Sheldon fue un escritor y guionista norteamericano, nacido en febrero de 1917. Empezó a trabajar desde muy joven como guionista en el mundo del cine. Fue el creador de series famosas como Mi bella genio, con las cuales se ganó que productoras importantes como Paramount y Metro Golden Mayer contrataron sus servicios.

Su primera novela no se lanzó hasta 1969, después de escribir incansablemente para la televisión, el teatro y el cine. Esta primera experiencia literaria fue recogida por los críticos con gran satisfacción, siendo premiada como mejor novela de misterio del '69.

Sheldon, es uno de los escritores más traducidos del mundo, escribió 18 libros, vendiendo 300 millones de ejemplares, en 108 países.

Más allá de la medianoche cuenta la historia de dos mujeres: Noelle Page y Catherine Alexander. Noelle nació en Marsella y fue escalando posiciones para llegar a ser una actriz reconocida. Catherine nació en Chicago y trabaja de secretaria ejecutiva en una oficina de Washington. Desde allí la envían a dirigir un comercial de reclutamiento para el ejército de Estados Unidos y conoce al mujeriego Larry Douglas, del cual se enamora enseguida.

Douglas es contratado por Costantin Demiris, uno de los hombres más poderosos e influyentes del mundo. Noelle Page es amante de Demiris y años antes fue novia de Larry Douglas, quien le rompió el corazón. Ella entonces hace lo posible para destruirlo, pero termina descubriendo que todavía lo sigue amando y se transforma en su amante.

Deciden que se irán a vivir juntos, pero queda un obstáculo: Catherine, la mujer de Larry. Él le pide el divorcio, pero ella lo ama demasiado como para dejarlo ir. Noelle planea distintas formas para que muera pareciendo ser un accidente. Catherine escucha una conversación entre ellos y decide escapar, desapareciendo en un lago. Larry y Noelle son llevados a juicio y Demiris busca vengarse de Noelle por traicionarlo.

Es entonces cuando comienza una carrera de vida y muerte entre los dos amantes y Demiris, que termina con un final inesperado. Más allá de la medianoche es considerada por muchos como la mejor novela de Sheldon.

Flopa "Dulce Fuerte Grave"

2009-12-08T12:33:00.000-08:00

Flopa es una cantautora con un estilo descripto perféctamente por el título de su debut solista, un disco en el que con criolla en mano ejecuta 16 Canciones... así con mayúscula. Canciones breves, que a primera impresión parecen todas iguales, pero que si uno las escucha con detenimiento sirven para entender hasta que punto con sólo una guitarra y voz se puede conmover tanto a un corazón.

Dulce Fuerte Grave es una muy buena carta de presentación. Después de la grata sorpresa que resultó ser el trabajo de Flopa Manza Minimal, la cantante continúa esa línea folk-rock develando unas composiciones que en su mayoría permanecieron durante años como borradores.

El sonido puede remitir vagamente a Artaud de Pescado Rabioso pero la personalidad y la voz de Flopa son únicas; evocando una sensación de lejana oscuridad en las estrofas que contrasta a la perfección con la calidez de los estribillos.

Dulce Fuerte Grave debe entenderse como un álbum cargado de angustia, pero esta mujer demuestra tener la capacidad para no perder ni un ápice de elegancia. Tomando como caballito de batalla su penetrante voz, que cautiva con un ímpetu de corazón roto.

La poesía es otro factór determinante. Flopa es quirúrgica, exacta, no ofrece palabras de más. Y eso concuerda con la ejecución de los intrumentos, donde el equilibrio y la belleza van de la mano; logrando un disco donde los temas siempre duran lo que tienen que durar.

Es que el mundillo del rock siempre fue muy sexista, las mujeres nunca fueron tomadas en serio o directamente no se les reconoció su talento creativo. En esta amarga historia, las canciones de Flopa tienen méritos suficientes para que se la considere la voz femenina de la década.

En mi caso, al menos, hacía rato que en la música una dama no me transportaba de esa forma hacia un mundo de sensaciones dolorosamente bellas. Flopa lo hizo, ¿qué esperás para conseguir su disco, ir a verla en vivo y caer en su hechizo?

Entrevista con el Vampiro

2009-12-08T09:18:00.000-08:00

Neil Jordan es un director de cine nacido en Condado de Sligo, Irlanda, en febrero de 1950. Jordan se hizo conocido tras dirigir la aclamada película El Juego de las Lágrimas y haber ganado un Óscar al mejor guión original en 1992 por la misma.

El cine de Jordan es en esencia poético, tiende a adoptar un punto de vista enteramente subjetivo en torno al personaje central. En este marco narrativo es donde se desarrolla también la increíble Entrevista con el Vampiro (1994).

Protagonizada por Tom Cruise, Brad Pitt, Christian Slater, Kirsten Dunst, Antonio Banderas y Stephen Rea, y con un guión basado en los libros sobre crónicas vampíricas de Anne Rice, Entrevista con el Vampiro nos describe el día a día de estos míticos seres tan atractivos como aterradores.

La película cuenta la historia de Louis (Pitt), un asendado de Nueva Orleans de finales del siglo XVIII, que desvastado por la perdida de su esposa e hijo, conoce ocasionalmente al vampiro Lestat (Cruise), el cual le ofrece la posibilidad de ser como él: bello, inmortal y poderoso.

Doscientos años después, en San Francisco, Louis decide contarle a un periodista su historia de cómo llegó a convertirse en un vampiro (una historia llena de muerte, pena, amor y deseo). A lo largo de su relato, Louis expresa con tormento que para sobrevivir no tiene más remedio que quitar vidas humanas, algo que le causa una enorme culpa.

La idea que se da en la película con respecto a ciertos aspectos de los chupasangre se aleja bastante del estereotipo clásico; un ejemplo de ello es que Louis habla de los crucifijos, las estacas, el ajo o los espejos como una estúpida leyenda.

Mención aparte es el hecho de que además de contar con unas interpretaciones sin fisuras, el film tiene todos los elementos que una superproducción debería de tener: una fotografía sobresaliente, una música que tiene su momento álgido con la versión de "Sympathy For The Devil" hecha por Guns N' Roses (quizás para atraer al público joven), y un director que casi siempre ha realizado buenas películas. En resumen, una pieza clave del cine vampírico.

Charles Bukowski "Se busca una mujer"

2009-12-07T14:24:00.000-08:00

Charles Bukowski fue un escritor y poeta nacido en la ciudad alemana de Aldernach, creador de una literatura provocadora y sórdida. Su obra estuvo fuertemente influenciada por la atmósfera del lugar donde vivió toda su vida, la ciudad de Los Ángeles en Estados Unidos, a la cual se trasladó con su familia a los dos años de edad.

Empezó a escribir cuentos de muy joven pero, tras un primer relato publicado por un revista en 1944, Bukowski se sintió desilucionado con el ambiente literario y dejó de escribir durante una década. En ese tiempo siguió viviendo en Los Ángeles, haciendo un breve paso por la universidad (donde cursó arte, periodismo y literatura), aunque también estuvo vagando por todo Estados Unidos, alojándose en pensiones baratas y dedicándose a trabajos temporales que iba abandonando de manera sistemática.

Sus primeras obras se publicaron en la década de los '60 en editoriales y revistas underground. La escritura de Bukowski, al que le gustaba vanagloriarse de haber escrito su primer poema con 35 años, está marcada por un realismo descarnado. El alcohol, el sexo, la soledad y los aspectos más absurdos y grotezcos de nuestra civilización ocupan un lugar de honor en los versos de Bukowski, que siempre evitó los ambientes literarios; prefería los bares y departamentos lúgubres.

Se busca una mujer se ambienta en Los Ángeles, ciudad infernal, a pesar de estar situada en medio del paraíso californiano, sueño de todo pobre ciudadano de USA; con sus naranjas, su sol y su vino, vino del que Bukowski da buena cuenta toda su vida (como el whisky y la cerveza, que habrán de ser, inevitablemente, su fuente de inspiración). Bukowski toma una actitud de ermitaño loco, de lucidez exasperada, de humorista borracho en la barra de un bar solitario. Se ríe de todo, trata de ganar algo de dinero para un trago o una puta sin trabajar mucho, frecuenta otras ratas urbanas enloquecidas, odia a la humanidad, se encierra en su habitación y se entretiene contándonos las historias que se le ocurren.

Como es de suponer, el lenguaje utilizado es el característico del autor: directo y soez. Los temas también siguen siendo alcohol, sexo, dinero, y miserias propias... pero toda la obra transpira humor aunque a veces éste sea amargo. Los relatos son cortos así que se hace perfectos para leerlos de un tirón, o por ejemplo en un viaje, poco a poco y sin prisas.

Los incondicionales del autor disfrutarán con esta obra llena de personajes que son más comunes de los que pensámos. Pero los más conservadores pueden asustarse por el lenguaje. En todo caso, dale y date una oportunidad.

Gabo Ferro "Boca arriba"

2009-12-05T09:51:00.000-08:00

Gabo Ferro apareció en los '90, en la escena under porteña, capitaneando una inquietante banda de hardcore llamada Porco, con quienes grabó dos discos. Pero un día, en 1997, abandonó el grupo en pleno recital por no sentirse a gusto con la dirección que estaba tomando el proyecto. Tiempo después se dedicó a estudiar Historia, consiguiendo premios varios con sus tesis doctorales.

Seis años más tarde se encontró con un viejo colega, el guitarrista Ariel Minimal (líder de Pez, y ex-miembro de Los Fabulosos Cadillacs), el cual lo invitó a compartir escenario y le dió respaldo editando en su propio sello (Azione Artiginale) ese gran debut solista que fue Canciones que un hombre no debería cantar (2005); álbum que lo ubicó en una vena folk, que de a ratos muta a folclórica (pero con letras claramente ajenas al rubro). Logrando una cálida recepción del público y la crítica especializada.

Boca arriba es el quinto trabajo de Gabo, y en él confirma con creces su talento como artesano de la canción. Aquí la instrumentación fue registrada junto a sus músicos más allegados (Claudio Lafalce en guitarra y Rogelio Jara en percusión) y la párticipación de lujo de Pedro Aznar haciendo de hombre orquesta (bajo, piano, sintetizador y voces).

La placa es un excelente trabajo que muestra una suerte de carácter conceptual en perfecta ilación entre cada una de las canciones que lo conforma. Cada una, representando un momento de la vida emocional de este laborioso cantautor, que aborda temáticas en torno a la memoria, la soledad, el abandono y el desamor como interesantes ejercicios catártico-terapéuticos que valen la pena escuchar, reescuchar, leer y releer con suma atención.

Punto aparte es el lirismo de sus composiciones, simplemente llenas de poesía para disfrutar cada una como si fueran la mejor copa de vino. Todas, interpretadas por esa voz suplicante que pide un bordado a sus desilachas y que disco a disco brilla aún más deslumbrando con su versatilidad.

La ruptura, y el comienzo de su superación, se siente a flor de piel en Boca arriba. Al igual que el olvido y la memoria, que se trenzan sin clemencia, apelando de arbitro al corazón. Todos múltiples ángulos desde los cuales observar y sentir un disco.

Ya están advertidos... la canción punzante y profunda le sienta bien a Gabo; cala hondo sin pedir permiso y ahí se queda.

El Secreto de sus Ojos

2009-12-04T13:53:00.000-08:00

Juan José Campanella y Ricardo Darín son sinónimos de generar interés en el público. Algo que pocos pueden lograr en el cine nacional (reconozcamos que tienen antecedentes como para hacerlo). Y si a eso le sumamos a Guillermo Francella en algo serio, no sería de extrañar que estemos frente a una de las películas argentinas más taquilleras de todos los tiempos.

Si bien se cuenta como un policial, El Secreto de sus Ojos excede un sólo género. Por momentos es una comedia, una historia de amor y un relato político. Posée muchas capas en la narración y se nutre de varias historias dentro de la central, y todas están muy bien manejadas. La película trata sobre Benjamín Espósito (Darín), empleado en un Juzgado Penal que acaba de jubilarse y decide ocupar sus horas libres escribiendo una novela... pero no se propone imaginar una historia inventada, sino contar su propio pasado como funcionario judicial en un suceso real tan conmovedor como trágico, del que ha sido testigo.

Corría el año 1974, y a su Juzgado se le encomienda la investigación sobre la violación y el asesinato de una joven y hermosa mujer. Espósito asiste a la escena del crimen, y ve el ultraje sufrido por esa muchacha. Luego conoce a Ricardo Morales (Pablo Rago), quien se había casado con ella poco tiempo antes y la adoraba con toda su alma. Compadecido con su dolor, Espósito intentará ayudarlo a encontrar al culpable, aunque para ello deba remar contra la torpe inercia de los Tribunales y la Policía. Pero cuenta con la inestimable ayuda de Pablo Sandoval (Francella) -uno de sus empleados y a la vez amigo personal- y también con Irene (Soledad Villamil), su jefa inmediata, la secretaria del Juzgado, de la que está profunda y secretamente enamorado.

La búsqueda del homicida será cualquier cosa menos sencilla. Espósito deberá avanzar a través de corazonadas y conjeturas. Por añadidura, la Argentina de aquél entonces no es un escenario pacífico. La violencia y la muerte encuentran un terreno propicio para enseñorearse de las vidas y los destinos de las personas. En ese marco cada vez más oscuro, la tarea de Espósito terminará por mezclarse hasta el fondo con ese escenario monstruoso. Ya no será un testigo, sino un protagonista involuntario cada vez más cerca del peligro.

A medida que avanza la película, Espósito entenderá que ya es tarde para detenerse. Y narrar el pasado dejará de ser un simple pasatiempo para llenar las horas muertas de sus días. Será el camino estrecho y sinuoso que deberá recorrer para entender y justificar su propia vida, para darle sentido a los años que le queden por delante.

Carlos Castaneda "Las enseñanzas de don Juan"

2009-12-03T18:43:00.000-08:00

La obra de Carlos Castaneda es muy singular. Era un antropólogo que se interesó en el estudio de las plantas psicotrópicas, y que gracias a las enseñanzas sobre rituales del chamanismo aportadas por un descendiente de los toltecas, llamado don Juan Matus, se terminó convirtiendo en lo que él describía como un "hombre de conocimiento".

Castaneda fue alguien que siempre sembró el misterio con respecto a su vida; de hecho no se conoce exactamente cuándo y dónde nació (si en Perú o Brasil; si en 1925 o 1935). Lo que sí se sabe es que se mudó a California para estudiar antropología en la Universidad de Los Ángeles, y que allí conoció ocasionalmente a un indio yaqui en la estación de micros de un pueblo fronterizo con México. Más tarde empezó a publicar una serie de libros que se movían entre la antropología y el chamanismo, logrando tras su publicación una inmensa popularidad, controversia y admiración.

La fama de estos escritos se debe a la fenomenal capacidad literaria del autor de saber presentar a un mundo académico y a un público popular, unas narraciones que descubrían un personaje misterioso como era don Juan y todo un universo que se esconde detrás de nuestra realidad cotidiana, y que conoce el uso de las plantas visionarias, que tanto interés habían despertado a fines de la década de los sesenta.

Y aunque el origen de los libros de Castaneda seguirá siendo un misterio, no se puede negar que el autor tenía un conocimiento notable de los estados alterados de consciencia, de los efectos de las plantas alucinógenas y de las formas de pensar de las culturas arcaicas del continente americano. Y si a esto le sumamos su habilidad con la pluma, y los análisis psicológicos de las situaciones (que logran mantener en vilo al lector), acaba por dar en el clavo y convertir su obra en un punto de referencia.

Y si hay una mayor virtud que tiene este libro, es la de que estos relatos se hicieron tan populares durante los años sesenta, setenta y siguientes, que muchas personas -por no decir muchísimas- tuvieron el primer conocimiento de la existencia del peyote, los hongos y su capacidad de abrir la percepción al mundo mágico a través de Castaneda.