Paul Westerberg "Stereo"

Paul Westerberg fue el líder de los Replacements, un grupo de rock con influencias punk oriundo de Minneapolis. Formaron parte de la escena alternativa americana de los '80 -la cual giraba entorno a las radios universitarias-, donde si R.E.M. hacían de los Beatles, The Replacements eran como los Rolling Stones. Ellos jugaron a ser los chicos malos y perdieron.

Pero lo que perdieron en éxito lo ganaron en encanto con esa aureola de grupo de culto. Y es que justamente R.E.M. hoy día son conocidos hasta por el más desentendido en materia de rock alternativo, careciendo de ese grado de exclusividad, de ser como un secreto que hace que las canciones sean algo más tuyo.

A fines de 1990 The Replacements se desintegraban como banda, pero Paul siguió en plan solista. Su primera aparición en solitario fue en la banda de sonido de la película Vida de Solteros, firmando dos excelentes canciones que prometían convertir a Westerberg en una superestrella. Su álbum debut, titulado 14 Songs, se editó en 1993, pero pasó sin pena ni gloria; le sucedieron Eventually de 1996, Suicaine Gratification de 1999 y Stereo del 2002, entre otros.

En Stereo, el ex líder de los Replacements nos ofrece un disco doble (un CD con canciones de rock de garage y otro de baladas con aire folk), de sonido crudo, austero e íntimo... al que quizás le falte algún que otro ajuste de tuerca, pero donde las canciones terminan quedándose con el oyente a la segunda o tercera escucha.

Paul siempre ha tenido una voz muy particular (algo rota, pero cálida), capaz de irradiar emoción y carisma. Sus canciones están hechas a base de guitarras eléctricas adornadas con toques acústicos y hasta poperos. Aquí se nota más que nunca la influencia de algunos de sus ídolos de siempre: Bob Dylan, New York Dolls, Big Star y los eternos Stones.

Es que a partir de esta época Westerberg firmó con una discográfica pequeña (Vragant) y decidió prescindir de managers y abogados y grabar casi todo solito en el sótano de su casa y salir a dar vueltas con su guitarra y nada más.

Este es un disco que aborda su faceta más áspera pero que acaba resultando tan actrativo como cualquier otro de sus trabajos discográficos. Para mí, lo mejor que ha hecho nunca.

Che: El Argentino

Che: El Argentino es una película biográfica dirigida por Steven Soderbergh, realizador de otros films exitosos como Traffic, Ocean's Eleven y Ocean's Twelve. La película en cuestión, es acerca del revolucionario argentino Ernesto "Che" Guevara, basándose en dos libros sobre sus figura: Pasajes de la Guerra Revolucionaria y Diario del Che en Bolivia.

El argumento se centra en la revolución cubana, desde el momento en que Fidel Castro conoce en México al joven médico argentino, quien llegaba procedente de Guatemala. Allí, Guevara entró en contacto con los revolucionarios cubanos (quienes lo apodaron como "Che" por la famosa expresión argentina).

Para 1956, Castro y un grupo de 80 rebeldes -entre ellos, el Che- navegaron a Cuba para realizar la revolución. Dicha lucha inició una sangrienta batalla por liberar al pueblo cubano de la corrupta dictadura de Fulgencio Batista. En el film también se puede apreciar como Guevara representa a Cuba ante las Naciones Unidas en 1964.

El rol protagónico quedó en manos de un actor que ha alcanzado un gran parecido físico con el Che, el puertorriqueño Benicio Del Toro. Para el papel, Del Toro pasó siete años en obsesiva investigación, lo que lo hizo sentir que se había ganado el personaje.

La película fue originalmente filmada como una sola, pero luego se optó por lanzarla en dos partes. La primera parte de esas dos partes es la que nos ocupa hoy, pero la segunda arranca con Guevara en el poder y en la cima de su popularidad, gracias al triunfo de la revolución. Pero de pronto desaparece sin dejar rastros. Nadie sabe qué ha sido de él, hasta que resurge en Bolivia de manera clandestina y concretando operaciones encubiertas. Y junto a un pequeño grupo de cubanos y varios reclutas bolivianos, el Che se propone extender la revolución hacia todos los rincones de América Latina.

Alejandra Pizarnik "El infierno musical"

Alejandra Pizarnik fue una poetisa argentina nacida en 1936 en la ciudad de Buenos Aires. Su obra pertenece a la corriente del surrealismo. Sus poemas tenían una temática nocturna, angustiada, y muy elaborada, con versos duros y directos.

En 1954 ingresó a la Facultad de Filosofía, donde estudió Letras, aunque hizo también una breve incursión en la carrera de Periodismo. No finalizó ninguna de ellas y buscando su verdadera vocación, hasta asisitió a un taller de pintura de Juan Batlle Planas.

Entre 1960 y 19644 vivió en París, madurando mucho como poeta. Estando allí trabajó para numerosas revistas de poesía y literatura americanas y europeas, como correctora de pruebas y traductora. Asimismo hizo amistad con pares como Julio Cortazar, entre otros.

Al regresar a Buenos Aires, publicó sus libros más reconocidos: "Los trabajos y las noches","Extracción de la piedra de la locura" y "El infierno musical". En 1968 obtuvo una beca y viajó por un breve tiempo a Nueva York y París. A causa de sus continuas depresiones y tentativas de suicidio, pasó semirrecluida sus últimos años. A mediados del '72 estuvo internada cinco meses en el hospital psiquiátrico Pirovano y en un permiso para pasar el fin de semana en su casa, se quitó la vida con una sobredosis de antidepresivos.

El infierno musical es una de las grandes antologías poéticas de la literatura argentina; y el mayor mérito de Alejandra consistía en estremecer a través del lenguaje, en despertar los sentidos del lector con aquella honestidad brutal que sobrevuela sus versos.

Pizarnik tiene numerosas composiciones cuya estructura es interrogativa. Formula preguntas a sus poemas, o a través de ellos, aunque la poesía no responda a los enigmas que se plantea. Este cuestionamiento de la relación entre la palabra y la vida se acentúa en estos textos. Los poemas son diferentes en su forma, pero mantienen siempre la misma calidad literaria.

El infierno musical es la búsqueda de la palabra exacta, que dijera lo que debía decir. La poeta concedía una importancia immensa a ese espacio -la página en blanco- al cual se enfrentaba; como utilizando una pizarra, donde elaboraba sus ceñidos poemas, ajustando el ritmo exacto, la forma que cupiera, a modo de pieza de un rompecabezas.

Pizarnik rueda en un desborde de palabras donde se pregunta o se condena a sí misma. El infierno musical evoca, muchas veces, a un espacio cerrado y agobiante, donde impera la sensación de asfixia... configurando así todo un mundo de horror y desesperación.

Menos Que Cero

Menos Que Cero fue un grupo argentino de rock formado a mediados de los '90, el cual transitó el under porteño durante toda esa década. La primera alineación la integraban Mariano "Manza" Esaín en voz y guitarra, Diego Vila en bajo y coros, y Fernando Minimal en batería. Tomaron el nombre de la banda de un libro de Bret Easton Ellis.

El trío tocaba un punk-rock adrenalínico y garagero, con melodías pegadizas y letras tan desesperantes como liberadoras. Grabaron dos discos (Menos Que Cero de 1997 y Cualquier Otro Día de 1999) y un ep (Ojos de Ciudad de 2000), y más tarde se separaron. Esaín, por su lado, se volcó luego a a otros proyectos (Flopa Manza Minimal, Valle de Muñecas), además de dedicarse de lleno a la labor de productor (atendió a bandas como Pez, Mataplantas, Astroboy, Los Peyotes, entre otros).

Con respecto a su debut autotitulado se puede decir que es un trabajo en el que las guitarras están bien al frente; las melodías y las armonias vocales son tan importantes como las sólidas y -perfectamente ejecutadas- bases que aparte de funcionar como la carrocería de su sonido le aporta a todos los temas de la placa una profundidad y un groove especial.

Las letras hablan de cosas de todos los días (fracasos amorosos, soledad, rutina, melancolía), sin embargo suenan auténticas y catárticas... y no como una pose que responda al típico esterotipo del músico rebelde, depresivo y trasnochador.

Los riffs punzantes de guitarra y la batería latosa logran un colchón sonóro macizo en el que la voz de Manza canta de forma desgarrada y urgente. La música de Menos Que Cero genera una mezcla de sensaciones contrapuestas que encajan fenomenalmente con el escepticismo mágico que transmite Esaín en sus textos sobre una urbe gris, carente de alma y atractivos.

En definitiva, Menos Que Cero es de esas bandas infravaloradas que invitan al oyente a subirse a su tren y hacen que en ese viaje sea fácil perderse y, aún más fácil, adorarlos.

La Vida de David Gale

Alan Parker es un reconocido director de cine, productor y guionista inglés. Ha trabajado en la industria del cine británico, como también en Hollywood, y es uno de los miembros fundadores del Gremio de Directores de Cine en Gran Bretaña.

Parker ha dirigido importantes películas como Expreso de Medianoche, The Wall o Evita (el musical) -por citar algunos titulos-, pero es la última de sus obras hasta la fecha la que analizaremos a fondo.

Protagonizada por Kevin Spacey, Kate Winslet y Laura Linney La Vida de David Gale cuenta la historia de un profesor universitario de filosofía y activista en Death Watch, una organización que lucha por la abolición de la pena de muerte. Su vida da un giro de 180º cuando es acusado de violación por una alumna, perdiendo así su empleo y siendo abandonado por su esposa.

Posteriormente David (Spacey) es llevado a prisión, pero luego puesto en libertad porque su alumna retira los cargos. Al cabo de un tiempo, Constance (Linney), una docente compañera amiga suya y también miembro de Death Watch, es encontrada muerta y todo indica que él fue el asesino.

Gale es apresado nuevamente y se lo condena a muerte. Por estas razones, y cerca de la fecha de su ejecución, David decide contarle su versión de los hechos a una periodista llamada Bitsey Bloom (Kate Winslet). Ella en un principio no dudaba de la culpabilidad del acusado, pero va cambiando de opinión a medida de una serie de entrevistas que le hace.

Días antes de cumplirse la condena, Bitsey logra obtener un video que prueba la inocencia de David, pero por desgracia el tiempo le juega en contra y Gale es finalmente ejecutado.

Filmado con ritmo y elegancia, e interpretada espléndidamente por los tres actores, La Vida de David Gale es un drama intenso que por momentos se torna un thriller; aunque escondido con sutileza en su contenido, el film sirve como todo un planteo al delicado tema que es la pena de muerte.

Ernesto Sabato "Sobre héroes y tumbas"

Ernesto Sabato es un escritor nacido en Rojas, provincia de Buenos Aires, en 1911. Antes de convertirse en un hombre de letras realizó un doctorado en física y cursos de filosofía en la Universidad de La Plata. Trabajó también en el Laboratorio Curie, en París, pero abandonó la ciencia en 1945 para dedicarse de lleno a la literatura.

Escribió varios libros de ensayos sobre el hombre en la crisis de nuestro tiempo y sobre el sentido de la actividad literaria. Pero también ha escrito tres celebradas novelas: El túnel (1948), Sobre héroes y tumbas (1961), y Abbadón el exterminador (1974).

Sobre héroes y tumbas es considerada la mejor novela argentina del siglo XX; fue la obra que consagró a Sabato como escritor universal. En ella quiso indagar 'las verdades últimas (y muchas veces atroces) que hay en el subsuelo del hombre', volcando sus obsesiones personales en una clara introspección autobiográfica en medio de las reflexiones sobre la historia argentina.

Este libro es todo un viaje narrativo que nos lleva a conocer a los últimos representantes de una familia oligárquica venida a menos, Los Vidal Olmos. Los personajes centrales de la historia son el atormentado Martín y la misteriosa Alejandra, dos jóvenes que se conocen una tarde por casualidad en el Parque Lezama. Él es hijo de un pintor fracasado y una madre que lo degrada constantemente, y ella arrastra una esquizofrenia familiar que fue heredada de generación en generación. Pero el misticismo que envuelve la casa en la que ella vive termina de hechizar por completo a Martín.

La mejor parte del libro quizás llega con el "Informe sobre ciegos"; un relato pesadillezco con elementos surrealistas que habla sobre una secta de no videntes que maneja el mundo, y que a su vez sirve para conocer la particular pyche del personaje más tenebroso de la historia: Fernando Vidal Olmos, padre de Alejandra.

En síntesis, Sobre héroes y tumbas es un cóctel de emociones en amplio derroche de anécdotas familiares e históricas. Una novela atrapante como pocas en la que se entrelazan pasión, locura, tragedia y realidad social.

Ryan Adams "Cardinology"

Ryan Adams se ha convetido poco a poco en uno de los más notables compositores de la música actual. Es que no muchos artistas han sido tan prolíficos a lo largo de su carrera como él. Después de disolver Whiskeytown se lanzó como solista a fines del 2000, sacando de manera compulsiva un disco tras otro y, según se dice, tiene varios más completamente grabados que no han visto la luz todavía.

Si algo hay que alabar de éste músico oriundo de Jacksonville es su capacidad para recrearse; Ryan es como un camaleón que cambia constantemente, nunca se repite y siempre está en transformación sacando un disco de rock o alguna joya folk, y en todos logra mantener una altísima calidad artística.

En Cardinology muestra su cara más madura y menos egocéntrica. Las letras de la mayoría de las canciones hablan de pérdidas, soledad, anhelos, culpas y ansias de superación. En lo musical, la aportación de su banda The Cardinals es excelente, la cosa oscila entre el rock de radiofórmula y estadio (al mejor estilo U2) y la sutilidad de las baladas country que siempre Adams tuvo facilidad para escribir.

Se destacan los temas con esas pedal steel llamando al recuerdo de la música americana de Gram Parsons, al igual que las guitarras cargadas de groove y brillos negros que de a ratos toman velocidades intermedias tiñiéndolo todo de un aura épica.

Hay toques de rock sureño que embriagan el oido de manera ligera por su carácter purificador (algo tan agradable como sentir la brisa matutina en tu cara). Adams demuestra tener una voz irresistíble y expresiva, de la cual emana un cierto aire doliente que le sienta a la perfección cuando canta sobre sus propias luchas internas.

Pese a que muchos lo han tachado de ser demasiado pretencioso como para compararlo con Bob Dylan o Bruce Springsteen, a lo largo de sus discos se ha ido ganando elogios de pares (Elton John, Adam Duritz, Noel Gallagher) y críticos especializados por su talento nato para la canción. Dylan estará muy lejos, pero no hay duda que Ryan se perfila como la mejor opción a ser un digno sucesor. Cardinology es un trabajo que reafirma esa teoría.