Dinosaur Jr. "Where You Been"

Dinosaur Jr. es una banda de rock alternativo nacida a principios de los 80 en Massachusetts, Estados Unidos. Originalmente la integraban J. Mascis en guitarra y voz, Lou Barlow en bajo (y voz ocasional) y Murph en batería. Este trío fue una de las bandas fundamentales del noise-rock al igual que Pixies y Sonic Youth, y junto con ellos influenciaron considerablemente la explosión del grunge en los 90.

Amantes de la música de Led Zeppelin, Black Flag, Neil Young y The Cure, el grupo de Mascis editó sus primeros tres trabajos (Dinosaur de 1985, You're Living All Over Me de 1987 y Bug de 1988) a través de la mítica disquera indie SST. Pero para el año 1990 firmaron un contrato con Sire, hecho que supuso su paso al mercado multinacional.

Su cuarto álbum de estudio, Green Mind, vió la luz en febrero 1991, presentando el sonido de la banda un poco más pulido. Pero antes de entrar a grabar esta placa Barlow había abandonado el barco por diferencias personales con Mascis. Fue entonces que debieron buscar un sustituto, el cual encontraron en Mike Johnson (guitarrista en los discos solistas de Mark Lanegan).

Así las cosas, dos años después lanzaron Where You Been, álbum que pasó medio desapercibido pero que es uno de los mejores del rock alternativo de los 90. Durante el proceso de grabación comenzaron a surgir las tensiones también entre Mascis y Murph debido a que J. tenía ideas muy especificas sobre lo que quería escuchar en las pistas de batería (sin contar que para aquella época Mascis se mudaba a Nueva York, lo cual tampoco ayudó mucho con la relación interna de la banda).

Centrándonos en el trabajo, Where You Been mantiene la línea melódica del trabajo anterior pero dándole más lugar nuevamente a los riffs saturados y psicodélicos. Aquí Dinosaur Jr. suenan poderosos, gruesos si se quiere, con las guitarras bien al frente (Mascis una auténtica muralla) y el bajo menos distorsionado que en tiempos de antaño, pero sí conservando los fuertes ritmos de batería. Al igual que en Green Mind todos los temas fueron cantados por Mascis (con ese registro nasal y desganado), quien además toca varios instrumentos a lo largo del disco.

En definitiva, otro trabajo excelente de una banda que fueron los pilares de miles de grupos. Ideal para los amantes del grunge y lo alternativo en general.

Tiempos Violentos

Tiempos Violentos es una película estadounidense de 1994, escrita y dirigida por el reconocido cineasta Quentin Tarantino. Fue nominada a siete premios Oscar, obteniendo sólo uno: al mejor guión.

Con un elenco compuesto por John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Uma Thurman y Christopher Walken, Tiempos Violentos es el film que puso a Tarantino en la mira mundial (cosa que que no había podido lograr con la genial Perros de la Calle). En la misma, el director exalta y rinde homenaje a la cultura pop americana con diálogos sencillos que convinan humor negro con violencia de manera significativa.

La cinta relata varias historias que aunque son diferentes entre sí, se van entrelazando hasta volverse una sola. Entre los personajes centrales encontramos a dos asesinos a sueldo, una mujer con problemas de adicción, una pareja de ladrones aficionados y un boxeador.

Es para destacar también lo sublime de la musicalización, que hace que haya más copias del soundtrack vendidas que copias de la propia película.

Para ir cerrando, un clásico absoluto del cine que por el éxito conseguido y la gran influencia que tuvo hizo y sigue haciendo escuela.

Sigmund Freud "Tótem y tabú"

Sigmund Fred fue un médico y neurólogo nacido en mayo de 1856, en Moravia, República Checa. Freud ha sido el creador y una de las mayores figuras intelectuales del siglo XX.

Su interés científico inicial como investigador se centró en el campo de la neurología, derivando progresivamente sus investigaciones hacia la vertiente psicológica de las afecciones mentales, de la que daría cuenta en su práctica privada.

Estudió en París las aplicaciones de la hipnosis en el tratamiento de la histeria. De vuelta en Viena desarrolló el método catártico. Luego reemplazó tanto la sugestión hipnótica como el método catártico por la asociación libre y la interpretación de los sueños. De igual modo, la búsqueda inicial centrada en la rememoración de los traumas psicógenos como productores de síntomas, fue abriendo paso al desarrollo de una teoría etiológica de las neurosis más diferenciada. Todo esto se convirtió en el punto de partida del psicoanálisis, al que se dedicó ininterrumpidamente el resto de su vida.

Freud postuló la existencia de una sexualidad infantil perversa polimorfa, tesis que causó una intensa polémica en la sociedad puritana de la Viena de principios del siglo XX y por la cual fue acusado de pansexualista. A pesar de la hostilidad que tuvieron que afrontar sus revolucionarias teorías e hipótesis, Freud acabaría por convertirse en una de las figuras más influyentes del siglo XX. Sus teorías, sin embargo, siguen siendo discutidas y criticadas, cuando no simplemente rechazadas. Muchos limitan su aporte al campo del pensamiento y de la cultura en general, existiendo un amplio debate acerca de si el psicoanálisis pertenece o no al ámbito de la ciencia.

La división de opiniones que la figura de Freud suscita podría resumirse del siguiente modo: por un lado, sus seguidores le consideran un gran científico en el campo de la medicina, que descubrió gran parte del funcionamiento psíquico humano; y por otro, sus críticos lo ven como un filósofo que replanteó la naturaleza humana y ayudó a derribar tabúes, pero cuyas teorías, como ciencia, fallan en un examen riguroso.

Dentro de su vasta bibliografía se encuentra Tótem y tabú (1913). En esta obra se ahonda en el concepto y función del padre, enunciando a su vez una tesis sobre el origen de la sociedad y de sus instituciones fundamentales. Freud intenta explicar en forma de relato mítico la instauración he imposición de la cultura por medio de la prohibición del incesto y sus efectos inconscientes, El hombre pre-civilizado (para Freud, sociedad y cultura se resumen en el concepto civilización) vive en hordas donde existe un macho dominante, poseedor de las hembras y los privilegios que se desprenden de esa categoría. Así, los hijos o mejor dicho los machos dominados, elaboran un plan para asesinar al padre y quedarse con las hembras (madres y hermanas). No obstante, consumado el asesinato de éste, no se reparten el "botín", la culpa paraliza la ejecución del plan en su totalidad. De hecho, surge la figura "sobrenatural" del padre (el tótem) con renovada fuerza. Aparece entonces "la norma" como una especie de "signo conmemorativo" que permite renovar y revivir el asesinato del padre (primera represión con carácter social).

Entonces para transponer la rivalidad que se generó entre ellos y garantizar sus vidas, prohibieron la muerte y renunciaron al deseo incestuoso. En este proceso, el Padre es reconocido, amado e idealizado. Es importante decir que esta idealización se produce luego de la muerte del padre (la culpa). De esa forma, cada uno de los hermanos renuncia a su ideal de poseer la posición del Padre para sí y tener a la madre.

Este escrito entonces no debe ser centrado en la muerte del padre y las prohibiciones, que por si solas no instituyen nada sino en el pacto fraterno de autolimitación. El Tótem surge como responsable imaginario de la institución, y de allí se deriva la totemización, que es el equivalente a la alienación.

De esta manera se esclarece la verdadera naturaleza de la sociabilidad humana. Es indudable que el psicoanálisis tiene por objeto la psique individual pero precisamente por esta razón es que permite reconocer la presencia de esa psique en la grupalidad. Freud constantemente señala la presencia del erotismo en las relaciones humanas, de la culpa con verdadero "sentido constituyente" y la norma como "configuradora" del carácter social de un grupo determinado. De hecho la culpa es elemento principal que permite lo social" pues la neurosis es generalmente asocial.

Con estas reflexiones Tótem y tabú se transforma en una llave que sólo abre la discusión acerca de lo social en el lector. "La duda razonable", como afirmaba el mismo Padre de la Psicología, es un proceso de búsqueda continuo y dinámico que está en constante elaboración y reelaboración.

The Beach Boys "Pet Sounds"

Hablar de Pet Sounds es meternos de lleno en uno de los discos mas ambiciosos de la historia, en el mayor esfuerzo que ha realizado nunca ningún músico por alcanzar la absoluta perfección.

Cuenta la leyenda que Brian Wilson quedó tan impresionado por el Rubber Soul de los Beatles, que descubrió con ese disco que él tenía que hacer algo mas grande, mejor, algo inmensamente hermoso, el disco que cambiase para siempre la vida de la gente.

Las sesiones de grabación fueron demenciales, Wilson era un tirano que manejaba cada elemento que entraba en el estudio. Por ello mismo, en el disco, se utilizaron todo tipo de instrumentos y toda la tecnología posible por entonces; se incluyeron arreglos orquestales, instrumentos árabes, thereminas, timbres de bicicleta, campanas, miles de coros, sonidos de botellas y ladridos de perro. El concepto de Wilson era crear un disco total, donde todo encajase perfectamente como parte de un todo indivisible, donde todo se fusionase abarcando todos los estilos.

Todo esto generó muchas tensiones dentro de la banda y con su compañía, ya que veían el proyecto como otra excentricidad de su inestable líder.

Pet Sounds debe ser considerado más una obra de Brian Wilson en solitario que un disco de los Beach Boys, Wilson manejo a su antojo todos los elementos de la grabacion, añadiendo miles de detalles y de matices en cada toma, en cada sesión, hasta obtener un resultado que colmara sus amplísimas expectativas. Todo este castillo de naipes se hubiera caído si el álbum no tuviera grandes canciones, y aquí las hay a montones.

La obra tiene como idea argumental una relación amorosa, analizando todas las situaciones que se puden ir dando en esta (celebración, afianzamiento, crisis, ruptura). En definitiva, el disco Pop perfecto, una autentica joya que cuarenta años después de su publicación sigue sonando exactamente igual de bien.

Vida de Solteros

Cameron Crowe es un director y guionista de cine nacido en julio de 1957 en Palm Springs, California. Antes de dedicarse a dirigir películas se ganaba la vida como notero de la revista Rolling Stone.

Crowe ha dirigido películas como Un Gran Amor (1989), Vida de Solteros (1992), Jerry Maguire (1996), Casi Famosos (2000), Vanilla Sky (2002) y Elizabeth Town (2005).

Protagonizada por Bridget Fonda, Matt Dillon, Kyra Sedgwick y Campbell Scott, Vida de Solteros es una comedia romántica que trata sobre la vida de un grupo de jóvenes que vive en un mismo condominio de Seattle. La trama se desarrolla a principio de los 90 y es narrada de forma entrecruzada, donde cada uno vive su historia, aunque en general se centra en las peripecias sentimentales de cuatro de los personajes. Ellos son Janet (Fonda), una muchacha que se gana la vida como mesera en un bar y está algo obsesionada por el tamaño de su busto; Janet sale con Cliff (Dillon), un bohemio aspirante a músico profesional que sueña alcanzar la fama junto a su banda de rock Citizen Dick. Por otro lado está Linda (Sedgwick), una chica algo neurótica, que busca novio desesperadamente, y Steve Dunne (Scott), un empleado de oficina desengañado e inventor de un revolucionario sistema de transporte, que van y vienen en un juego de desconfianzas.

La película retrata muy bien lo que es la juventud y su etapa hacia la madurez. Se podría decir que Vida de Solteros es uno de los primeros films que abordan el tema de la llamada "Generación X". Y todo narrado sobre un transfondo bien conocido por Crowe: la escena rockera de Seattle (por aquel entonces en pleno apogeo grunge).

Para ir cerrando vale la pena mencionar que hay cameos de Eddie Vedder, Stone Gossard y Jeff Ament haciendo de los otros integrantes del grupo de Cliff. Chris Cornell, por su parte, aparece haciendo de un mino y de un vecino de Cliff . A Soundgarden y Alice In Chains se los ve además tocando en algunas escenas, y la banda sonora (con canciones de Paul Westerberg, Mudhoney, Screaming Trees, Pearl Jam, los antes mencionados Soundgarden y Alice In Chains, etc.) cumple a la perfección como gancho comercial.

Pablo Ramos "La ley de la ferocidad"

Pablo Ramos nació en el partido de Avellaneda, Buenos Aires, en 1966. Ramos ha conocido el ámbito de la calle, la droga, la vida dfícil, y tomando estos elementos escribe siempre removiendo su propio dolor. Ha publicado un libro de poemas (Lo pasado pisado de 1997), otro de cuentos (Cuando lo peor haya pasado de 2003) y cuatro novelas (El origen de la tristeza de 2004, La ley de la ferocidad de 2007, El sueño de los murciélagos de 2009 y En cinco minutos levántate María de 2010). La ley de la ferocidad narra como Gabriel (personaje central de la novela anterior de Ramos) despierta un día con la noticia de la muerte de su padre. Gabriel ha crecido odiando al padre, luchando con sus propios demonios, y casi como por ironía de la vida, es el mismo que triunfó con una empresa propia para tener dinero para despilfarrar. El relato del libro se enfoca precisamente en el duelo de Gabriel, durante las dos noches que dura el velorio de su padre. Él se convierte en el vehículo de los hechos que le tocan vivir (el encuentro con su familia y sus ex mujeres, la necesidad de saldar la relación con un padre distante, el alcohol, el sexo con dolor) y se enfrenta a la vez con un pasado que no puede detener, salvo cuando lo lleva a las palabras. El tono de Ramos para escribir es crudo. No para, afirma, critica, avanza, mirá de costado, busca otros puntos de vista, y vuelve a arremeter. Cuando se lo lee hay algo como que zumba, molesta, incomoda... sume al lector en un verdadero desafio desde la provocación. El escritor ha confesado dedicarle 14 horas diarias durante un año y medio a la creación de este libro. El concepto de experiencia (vital, no literaria) es la esencia de la obra de Pablo Ramos. Lo que él vivió sigue latiendo en las palabras que machaca contra la máquina de escribir. Y es que allí puede estar la ferocidad a la que se hace alusión en el título del libro y que con buen gusto desordena la estructura de esta novela. En definitiva, y como ha dicho el mismo Ramos "La literatura es una herramienta de mentira para decir una verdad mucho más profunda, una verdad mucho más verdadera.".

Los Fabulosos Cadillacs "Fabulosos Calavera"

Los Fabulosos Cadillacs es un grupo musical nacido en Buenos Aires, Argentina, a mediados de los 80. Los Cadillacs tocan una interesante fusión de ska, reggae, ritmos latinos y rock, y son considerados al día de hoy como una de las bandas más influyentes y exitosas no sólo en Argentina sino también en todo Latinoamérica.

Luego del aclamado Rey Azúcar de 1995 -el cual ya mostraba algunos cambios en su propuesta-, Los Cadillacs se propusieron grabar su álbum de estudio más ambicioso. Para esos días sucedió también que el guitarrista Aníbal Rigozzi abandonaba su rol de intrumentista para dedicarse de lleno a ser manager del grupo. El lugar de Rigozzi fue ocupado rápidamente por el virtuoso Ariel Minimal, quien con su poderoso sonido de guitarra resultó un soplo de aire fresco para la banda. Así las cosas, en julio de 1997 vió la luz finalmente Fabulosos Calavera.

El disco es un zig-zag constante, nunca va en línea recta. Toto Rotblat ejecuta con maestría todo tipo de percusiones que contrastan a la perfección con los repentinos y violentos riffs de guitarra o el acompañamiento insolente de los vientos a cargo de Sergio Rotman, Fernando Albareda y Dany Lozano.

Hay canciones que presentan hasta cuatro cambios de ritmo en su estructura. La habilidad a la batería de Fernando Ricciardi es notable y el aporte de los teclados de Mario Siperman termina de completar el combo para que las voces de Vicentico y el bajista Flavio Cianciarullo vayan construyendo (a través de letras que hablan sobre la muerte, demonios, entierros, el dios Calavera o la nostalgia) un clima que huele tanto a oscuridad existencial como a júbilo.

Otra factór importante, y quizás vital, es la manera en que la banda ahondó en el hardcore más visceral. De esa contudencia se nutrieron a la hora de buscar abrir su espectro musical hacia terrenos como el jazz, el funk, la salsa (que, esta vez sí, se deja ver de lleno con la invitación de lujo del gran Rubén Blades en un tema) y hasta el tango.

Fabulosos Calavera rinde tributo además a la obra del escritor Ernesto Sabato y a la figura del músico Astor Piazolla, a quienes dedican temas con nombre propio.

Para ir cerrando, podría decirse que este no es un disco para nada complaciente; los Cadillacs no querían sonar radiales, es claro. Eso se nota ya desde la tapa, con esas fileteadas arrabaleras. Nunca antes tanta presión y desconcierto...